http://www.arteeq.com/ es-es arteeq http://www.arteeq.com/web/img/logotipo_arteeq.gif http://www.arteeq.com/ agenda arteeq arteeq ARTEEQ Comunidad de artistas - Artists community ARTEEQ Comunidad de artistas - Artists community arteeq arteeq@arteeq.com La exposición trata de un malestar; de la incomodidad entre la ciudad y el individuo. De la tensión entre una ciudad que se individualiza ?se convierte en un ente con vida propia, más allá de naciones, países, estados? y un individuo que se masifica. Entre ambos forman una especie de ATOPÍA. Sabemos que las utopías no existían, pero ofrecían paraísos en otro lugar, distante y fuera del peligro del presente del mundo. La ATOPÍA es el sentimiento de malestar del individuo frente a una ciudad que sí existe, pero que no representa, en ningún caso, el paraíso soñado o prometido, por la sencilla razón de que aquel monstruo que hoy es la ciudad ha empezado a vivir para sí mismo.   La exposición ATOPÍA no se inscribe en los recientes proyectos basados en «lo social» o reivindicativo, ni en las crecientes exposiciones de denuncia acerca de la especulación o los procesos de gentrificación de las ciudades. Nos interesa una agonía más universal y, al mismo tiempo, más palpable: la del individuo que sobrevive y la de su resistencia ?existencial, podría decirse? frente a la apoteosis urbana. ATOPÍA aborda, sin juicios previos y siempre a través de los discursos artísticos, esta ciudad que abandona sus antiguas funciones ?las funciones de la vida moderna? y empieza a ser «otra cosa». Esa especie de Moby Dick que se desarraiga de sus pasadas representaciones y pertinencias para situarse en una dimensión posterior. La ciudad como espacio de congregación y trabajo ha dado paso a la ciudad como ámbito de atomización y de ocio (o desempleo); el espacio que hasta hace muy poco funcionó como fantasía de encuentro y realización se transforma ante nuestros ojos en un ámbito de pérdida y fracaso; la ciudad concreta ?París, Roma, Berlín, Chicago? pierde sus contornos y da lugar a la ciudad abstracta. Por su lado, las ciudades utópicas ?las de Moro y Erasmo, las de Bacon y Campanella? ya no son útiles para imaginar la urbanización de la ciudad global, puesto que ésta se ha colocado más allá del horizonte de las cosas soñadas, donde flota como una plataforma independiente que va describiendo la parábola de su propio naufragio. (Extraido de www.cccb.org) arteeq ATOPÍA. Arte y ciudad en el siglo XXI La exposición trata de un malestar; de la incomodidad entre la ciudad y el individuo. De la tensión entre una ciudad que se individualiza ?se convierte en un ente con vida propia, más allá de naciones, países, estados? y un individuo que se masifica. Entre ambos forman una especie de ATOPÍA. Sabemos que las utopías no existían, pero ofrecían paraísos en otro lugar, distante y fuera del peligro del presente del mundo. La ATOPÍA es el sentimiento de malestar del individuo frente a una ciudad que sí existe, pero que no representa, en ningún caso, el paraíso soñado o prometido, por la sencilla razón de que aquel monstruo que hoy es la ciudad ha empezado a vivir para sí mismo.   La exposición ATOPÍA no se inscribe en los recientes proyectos basados en «lo social» o reivindicativo, ni en las crecientes exposiciones de denuncia acerca de la especulación o los procesos de gentrificación de las ciudades. Nos interesa una agonía más universal y, al mismo tiempo, más palpable: la del individuo que sobrevive y la de su resistencia ?existencial, podría decirse? frente a la apoteosis urbana. ATOPÍA aborda, sin juicios previos y siempre a través de los discursos artísticos, esta ciudad que abandona sus antiguas funciones ?las funciones de la vida moderna? y empieza a ser «otra cosa». Esa especie de Moby Dick que se desarraiga de sus pasadas representaciones y pertinencias para situarse en una dimensión posterior. La ciudad como espacio de congregación y trabajo ha dado paso a la ciudad como ámbito de atomización y de ocio (o desempleo); el espacio que hasta hace muy poco funcionó como fantasía de encuentro y realización se transforma ante nuestros ojos en un ámbito de pérdida y fracaso; la ciudad concreta ?París, Roma, Berlín, Chicago? pierde sus contornos y da lugar a la ciudad abstracta. Por su lado, las ciudades utópicas ?las de Moro y Erasmo, las de Bacon y Campanella? ya no son útiles para imaginar la urbanización de la ciudad global, puesto que ésta se ha colocado más allá del horizonte de las cosas soñadas, donde flota como una plataforma independiente que va describiendo la parábola de su propio naufragio. (Extraido de www.cccb.org) http://www.arteeq.com/esp/evento/90/ http://www.arteeq.com/esp/evento/90/ Mon, 22 Feb 2010 23:00:00 GMT La, exposición, trata, de, un, malestar;, de, la, incomodidad, entre, la ciudad, y, el, individuo., De, la, tensión, entre, una, ciudad, que, se individualiza, ?se, convierte, en, un, ente, con, vida, propia,, más, allá, de naciones,, países,, estados?, y, un, individuo, que, se, masifica., Entre, ambos forman, una, especie, de, ATOPÍA., Sabemos, que, las, utopías, no, existían,, pero ofrecían, paraísos, en, otro, lugar,, distante, y, fuera, del, peligro, del presente, del, mundo. La, ATOPÍA, es, el, sentimiento, de, malestar, del, individuo, frente, a, una ciudad, que, sí, existe,, pero, que, no, representa,, en, ningún, caso,, el paraíso, soñado, o, prometido,, por, la, sencilla, razón, de, que, aquel, monstruo que, hoy, es, la, ciudad, ha, empezado, a, vivir, para, sí, mismo.   La, exposición, ATOPÍA, no, se, inscribe, en, los, recientes, proyectos basados, en, «lo, social», o, reivindicativo,, ni, en, las, crecientes exposiciones, de, denuncia, acerca, de, la, especulación, o, los, procesos, de gentrificación, de, las, ciudades., Nos, interesa, una, agonía, más, universal y,, al, mismo, tiempo,, más, palpable:, la, del, individuo, que, sobrevive, y, la de, su, resistencia, ?existencial,, podría, decirse?, frente, a, la, apoteosis urbana. ATOPÍA, aborda,, sin, juicios, previos, y, siempre, a, través, de, los discursos, artísticos,, esta, ciudad, que, abandona, sus, antiguas, funciones ?las, funciones, de, la, vida, moderna?, y, empieza, a, ser, «otra, cosa»., Esa especie, de, Moby, Dick, que, se, desarraiga, de, sus, pasadas, representaciones y, pertinencias, para, situarse, en, una, dimensión, posterior. La, ciudad, como, espacio, de, congregación, y, trabajo, ha, dado, paso, a, la ciudad, como, ámbito, de, atomización, y, de, ocio, (o, desempleo);, el, espacio que, hasta, hace, muy, poco, funcionó, como, fantasía, de, encuentro, y realización, se, transforma, ante, nuestros, ojos, en, un, ámbito, de, pérdida, y fracaso;, la, ciudad, concreta, ?París,, Roma,, Berlín,, Chicago?, pierde, sus contornos, y, da, lugar, a, la, ciudad, abstracta., Por, su, lado,, las, ciudades utópicas, ?las, de, Moro, y, Erasmo,, las, de, Bacon, y, Campanella?, ya, no, son útiles, para, imaginar, la, urbanización, de, la, ciudad, global,, puesto, que ésta, se, ha, colocado, más, allá, del, horizonte, de, las, cosas, soñadas,, donde flota, como, una, plataforma, independiente, que, va, describiendo, la, parábola de, su, propio, naufragio. (Extraido, de, www.cccb.org) Ahora que se perfila, cada vez más claramente, un panorama desolador provocado por un desarrollo global insostenible, Drap-Art considera que es imperativo animar a las nuevas generaciones a utilizar el reciclaje, no sólo como un recurso de crítica, sino como una herramienta para la transmutación de la protesta en propuestas positivas, que son las semillas de un mundo más sostenible. Drap-Art '09 quiere mantener las sedes implicadas el 2008 y, más allá del CCCB, volver a involucrar el FAD, con la intención de ubicar allí proyectos de work in progress y intervenciones, así como el MACBA en un proyecto de colaboración que se está gestando con la agenda 21 escolar: exponer las obras realizadas por niños y niñas de las escuelas de la agenda 21 de Barcelona, a lo largo del año en talleres conducidos por artistas vinculados a Drap-Art. (Extraido de www.cccb.org)   arteeq DRAP ART. Festival Internacional de Reciclaje Artístico Ahora que se perfila, cada vez más claramente, un panorama desolador provocado por un desarrollo global insostenible, Drap-Art considera que es imperativo animar a las nuevas generaciones a utilizar el reciclaje, no sólo como un recurso de crítica, sino como una herramienta para la transmutación de la protesta en propuestas positivas, que son las semillas de un mundo más sostenible. Drap-Art '09 quiere mantener las sedes implicadas el 2008 y, más allá del CCCB, volver a involucrar el FAD, con la intención de ubicar allí proyectos de work in progress y intervenciones, así como el MACBA en un proyecto de colaboración que se está gestando con la agenda 21 escolar: exponer las obras realizadas por niños y niñas de las escuelas de la agenda 21 de Barcelona, a lo largo del año en talleres conducidos por artistas vinculados a Drap-Art. (Extraido de www.cccb.org)   http://www.arteeq.com/esp/evento/87/ http://www.arteeq.com/esp/evento/87/ Thu, 17 Dec 2009 23:00:00 GMT Ahora, que, se, perfila,, cada, vez, más, claramente,, un, panorama, desolador provocado, por, un, desarrollo, global, insostenible,, Drap-Art, considera, que es, imperativo, animar, a, las, nuevas, generaciones, a, utilizar, el, reciclaje, no, sólo, como, un, recurso, de, crítica,, sino, como, una, herramienta, para, la transmutación, de, la, protesta, en, propuestas, positivas,, que, son, las semillas, de, un, mundo, más, sostenible. Drap-Art, '09, quiere, mantener, las, sedes, implicadas, el, 2008, y, más, allá, del, CCCB,, volver, a, involucrar, el, FAD,, con, la, intención, de ubicar, allí, proyectos, de, work, in, progress, y, intervenciones, así, como, el, MACBA, en, un, proyecto, de, colaboración, que, se, está, gestando con, la, agenda, 21, escolar:, exponer, las, obras, realizadas, por, niños, y niñas, de, las, escuelas, de, la, agenda, 21, de, Barcelona,, a, lo, largo, del, año en, talleres, conducidos, por, artistas, vinculados, a, Drap-Art. (Extraido, de, www.cccb.org)   Fascinados por Oriente pretende transmitir cómo nuestras actuales relaciones con China, Japón y otros países del área se han fraguado tras un largo proceso histórico y cómo están al mismo tiempo condicionadas por nuevos estímulos. Ofrece fundamentalmente el punto de vista occidental, el que nosotros hemos heredado; parte del reconocimiento de la existencia de un dialéctica histórica entre Oriente y Occidente, pero lo hace precisamente para contribuir, para poner su pequeño granito de arena en el esfuerzo de superarla. Fascinados por Oriente es la primera exposición del Programa de Exposiciones Temporales Experimentales del Museo Nacional de Artes Decorativas, un programa que pretende proyectar una nueva imagen del museo, ofrecer una nueva y más interesante lectura de sus colecciones, establecer una comunicación más intensa y fructífera con el público. (Extraido de www.mnartesdecorativas.mcu.es) arteeq Fascinados por Oriente Fascinados por Oriente pretende transmitir cómo nuestras actuales relaciones con China, Japón y otros países del área se han fraguado tras un largo proceso histórico y cómo están al mismo tiempo condicionadas por nuevos estímulos. Ofrece fundamentalmente el punto de vista occidental, el que nosotros hemos heredado; parte del reconocimiento de la existencia de un dialéctica histórica entre Oriente y Occidente, pero lo hace precisamente para contribuir, para poner su pequeño granito de arena en el esfuerzo de superarla. Fascinados por Oriente es la primera exposición del Programa de Exposiciones Temporales Experimentales del Museo Nacional de Artes Decorativas, un programa que pretende proyectar una nueva imagen del museo, ofrecer una nueva y más interesante lectura de sus colecciones, establecer una comunicación más intensa y fructífera con el público. (Extraido de www.mnartesdecorativas.mcu.es) http://www.arteeq.com/esp/evento/86/ http://www.arteeq.com/esp/evento/86/ Wed, 16 Dec 2009 23:00:00 GMT Fascinados, , , por, Oriente, pretende, transmitir, , , cómo, nuestras, actuales, relaciones, con, China, Japón, y, otros, países, , , del, área, se, han, fraguado, tras, un, largo, proceso, histórico, y, cómo, están, , , al mismo, tiempo, , , condicionadas, por, nuevos, estímulos., Ofrece, fundamentalmente, el, punto, de, , , vista occidental,, el, que, , , nosotros, hemos, heredado;, parte, del, reconocimiento, de, la, existencia, de, , , un dialéctica, histórica, , , entre, Oriente, y, Occidente,, pero, lo, hace, precisamente, para, contribuir,, , , para poner, su, pequeño, , , granito, de, arena, en, el, esfuerzo, de, superarla. Fascinados, , , por, Oriente, es, la, primera, , , exposición, del, Programa, de, Exposiciones, Temporales Experimentales, del, , , Museo, Nacional, de, Artes, Decorativas,, un, programa, que, pretende, , , proyectar una, nueva, imagen, del, , , museo,, ofrecer, una, nueva, y, más, interesante, lectura, de, sus, , , colecciones, establecer, una, , , comunicación, más, intensa, y, fructífera, con, el, público. (Extraido, de, www.mnartesdecorativas.mcu.es) Este proyecto presenta, en Valencia, la significación y relevancia del trabajo de Ana Prada a partir de un recorrido por el trabajo desarrollado por la artista en los últimos años y en el que se muestran sus diversas líneas de actuación. Ana Prada (Zamora, 1965) vive y trabaja en Londres, ciudad en la que se estableció en 1989 tras cursar estudios de Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. En 1991 obtiene el máster en Fine Arts en el prestigioso Goldsmiths College de Londres e inicia una actividad expositiva en relevantes instituciones y museos como la Bienal de São Paulo (1994), el Witte de With de Rotterdam (1996), el Museo Reina Sofía (1995) o el New Museum of Contemporary Art de Nueva York (1998). Partiendo de la singularidad del espacio que da cobijo a la Sala Parpalló, Ana Prada ha concebido esta exposición para un lugar específico, la Sala Parpalló, al que se adaptan sus piezas trabajadas in situ. Como una gran instalación, en la que se imbrican esculturas, fotografías y pequeñas instalaciones, la artista incide en la idea de work in process, y la Sala Parpalló se convierte, de ese modo, en el receptáculo de un trabajo que deja ver los rudimentos del oficio mientras apela, a la vez, a las sofisticadas conductas de la percepción. Con esa idea, se presentarán los objetos cotidianos más triviales que han sido protagonistas en la ya dilatada trayectoria de la artista, a los que se suman otros, de más reciente incorporación en su trabajo, y que se presentan en esta exposición por vez primera. Objetos de su entorno inmediato, aquellos que también rodean al espectador en su cotidianidad, han sido manipulados y asociados en su exposición con tal descaramiento que, aun siendo reconocibles, pasan a ocupar una nueva identidad. Diversas problemáticas de la identidad de los objetos, a partir del cuestionamiento de los ojos con los que se miran, han vertebrado desde sus primeras obras el trabajo de Ana Prada. La fascinación de los objetos se lleva a un espacio crítico cuando, con la intervención de la artista, éstos son desposeídos de su identidad y función primarias. De ese modo, da lugar a situaciones perceptivas ambiguas y proyecta un sentido lúdico y poético a la vez. Reunidos en constelaciones y asociaciones muy diversas, los objetos (sacapuntas, cordones de zapatos, uñas, perchas, medias y cuchillos, entre otros) se expanden en las paredes y en el suelo, sacando al espectador del pasivo espacio de la contemplación y llevándolo al perturbador territorio de la duda. Las paradojas y sorpresas se van sucediendo a medida que el espectador, movido por ello, vuelca sobre las obras las múltiples referencias de las que parte en un principio, para abandonarlas después y establecer otro ámbito relacional más complejo que es el que se deriva, finalmente, de una intervención artística como la que propone Ana Prada en la Sala Parpalló. Echando mano de estrategias artísticas que van desde el arte minimal al arte pop, como del conceptual al surrealismo, Ana Prada interviene, con una particular originalidad, en la creación de formas, dinámicas perceptivas y asociaciones conceptuales sorprendentes. A partir de una manipulación de orden quirúrgico, opera en el objeto como si se tratara de un cuerpo al que le sobran identidades para componer otras más complejas. De esa forma, con extrema higiene, reduce una dimensión simple y banal, mientras maniobra, por otro lado, expandiendo otras vertientes a menudo imperceptibles. Planteada como un proceso de trabajo, esta exposición contará con la colaboración de estudiantes de los últimos cursos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, a través la participación en el montaje de la exposición. Asímismo, se ha concebido la edición de un catálogo en el que quedará reflejada, como parte sustancial del mismo, la exposición en la Sala Parpalló para la que Ana Prada ha ideado un proyecto específico y está trabajando en la producción de varios trabajos fotográficos, en los que incorpora la singularidad del espacio expositivo. El catálogo contará, además de con la contribución del comisario José Luis Clemente, con un texto de José María Viñuela, conservador del Banco de España, y con otro del artista británico Richard Wentworth. (Extraido de www.salaparpallo.es) arteeq Ana Prada Este proyecto presenta, en Valencia, la significación y relevancia del trabajo de Ana Prada a partir de un recorrido por el trabajo desarrollado por la artista en los últimos años y en el que se muestran sus diversas líneas de actuación. Ana Prada (Zamora, 1965) vive y trabaja en Londres, ciudad en la que se estableció en 1989 tras cursar estudios de Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. En 1991 obtiene el máster en Fine Arts en el prestigioso Goldsmiths College de Londres e inicia una actividad expositiva en relevantes instituciones y museos como la Bienal de São Paulo (1994), el Witte de With de Rotterdam (1996), el Museo Reina Sofía (1995) o el New Museum of Contemporary Art de Nueva York (1998). Partiendo de la singularidad del espacio que da cobijo a la Sala Parpalló, Ana Prada ha concebido esta exposición para un lugar específico, la Sala Parpalló, al que se adaptan sus piezas trabajadas in situ. Como una gran instalación, en la que se imbrican esculturas, fotografías y pequeñas instalaciones, la artista incide en la idea de work in process, y la Sala Parpalló se convierte, de ese modo, en el receptáculo de un trabajo que deja ver los rudimentos del oficio mientras apela, a la vez, a las sofisticadas conductas de la percepción. Con esa idea, se presentarán los objetos cotidianos más triviales que han sido protagonistas en la ya dilatada trayectoria de la artista, a los que se suman otros, de más reciente incorporación en su trabajo, y que se presentan en esta exposición por vez primera. Objetos de su entorno inmediato, aquellos que también rodean al espectador en su cotidianidad, han sido manipulados y asociados en su exposición con tal descaramiento que, aun siendo reconocibles, pasan a ocupar una nueva identidad. Diversas problemáticas de la identidad de los objetos, a partir del cuestionamiento de los ojos con los que se miran, han vertebrado desde sus primeras obras el trabajo de Ana Prada. La fascinación de los objetos se lleva a un espacio crítico cuando, con la intervención de la artista, éstos son desposeídos de su identidad y función primarias. De ese modo, da lugar a situaciones perceptivas ambiguas y proyecta un sentido lúdico y poético a la vez. Reunidos en constelaciones y asociaciones muy diversas, los objetos (sacapuntas, cordones de zapatos, uñas, perchas, medias y cuchillos, entre otros) se expanden en las paredes y en el suelo, sacando al espectador del pasivo espacio de la contemplación y llevándolo al perturbador territorio de la duda. Las paradojas y sorpresas se van sucediendo a medida que el espectador, movido por ello, vuelca sobre las obras las múltiples referencias de las que parte en un principio, para abandonarlas después y establecer otro ámbito relacional más complejo que es el que se deriva, finalmente, de una intervención artística como la que propone Ana Prada en la Sala Parpalló. Echando mano de estrategias artísticas que van desde el arte minimal al arte pop, como del conceptual al surrealismo, Ana Prada interviene, con una particular originalidad, en la creación de formas, dinámicas perceptivas y asociaciones conceptuales sorprendentes. A partir de una manipulación de orden quirúrgico, opera en el objeto como si se tratara de un cuerpo al que le sobran identidades para componer otras más complejas. De esa forma, con extrema higiene, reduce una dimensión simple y banal, mientras maniobra, por otro lado, expandiendo otras vertientes a menudo imperceptibles. Planteada como un proceso de trabajo, esta exposición contará con la colaboración de estudiantes de los últimos cursos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, a través la participación en el montaje de la exposición. Asímismo, se ha concebido la edición de un catálogo en el que quedará reflejada, como parte sustancial del mismo, la exposición en la Sala Parpalló para la que Ana Prada ha ideado un proyecto específico y está trabajando en la producción de varios trabajos fotográficos, en los que incorpora la singularidad del espacio expositivo. El catálogo contará, además de con la contribución del comisario José Luis Clemente, con un texto de José María Viñuela, conservador del Banco de España, y con otro del artista británico Richard Wentworth. (Extraido de www.salaparpallo.es) http://www.arteeq.com/esp/evento/94/ http://www.arteeq.com/esp/evento/94/ Wed, 09 Dec 2009 23:00:00 GMT Este, proyecto, presenta,, en, Valencia,, la, significación, y, relevancia, del trabajo, de, Ana, Prada, a, partir, de, un, recorrido, por, el, trabajo desarrollado, por, la, artista, en, los, últimos, años, y, en, el, que, se, muestran sus, diversas, líneas, de, actuación., Ana, Prada, (Zamora,, 1965), vive, y trabaja, en, Londres,, ciudad, en, la, que, se, estableció, en, 1989, tras, cursar estudios, de, Bellas, Artes, en, la, Facultad, de, Bellas, Artes, de, la Universidad, Politécnica, de, Valencia., En, 1991, obtiene, el, máster, en, Fine Arts, en, el, prestigioso, Goldsmiths, College, de, Londres, e, inicia, una actividad, expositiva, en, relevantes, instituciones, y, museos, como, la, Bienal, de, São, Paulo (1994),, el, Witte, de, With, de, Rotterdam, (1996),, el, Museo, Reina, Sofía (1995), o, el, New, Museum, of, Contemporary, Art, de, Nueva, York, (1998)., Partiendo, de, la, singularidad, del, espacio, que, da, cobijo, a, la, Sala Parpalló,, Ana, Prada, ha, concebido, esta, exposición, para, un, lugar específico,, la, Sala, Parpalló,, al, que, se, adaptan, sus, piezas, trabajadas, in, situ. Como, una, gran, instalación,, en, la, que, se, imbrican, esculturas, fotografías, y, pequeñas, instalaciones,, la, artista, incide, en, la, idea, de, work, in, process, y, la, Sala, Parpalló, se, convierte,, de, ese, modo,, en, el, receptáculo, de, un trabajo, que, deja, ver, los, rudimentos, del, oficio, mientras, apela,, a, la vez,, a, las, sofisticadas, conductas, de, la, percepción., Con, esa, idea,, se presentarán, los, objetos, cotidianos, más, triviales, que, han, sido protagonistas, en, la, ya, dilatada, trayectoria, de, la, artista,, a, los, que, se suman, otros,, de, más, reciente, incorporación, en, su, trabajo,, y, que, se presentan, en, esta, exposición, por, vez, primera., Objetos, de, su, entorno inmediato,, aquellos, que, también, rodean, al, espectador, en, su cotidianidad,, han, sido, manipulados, y, asociados, en, su, exposición, con, tal descaramiento, que,, aun, siendo, reconocibles,, pasan, a, ocupar, una, nueva identidad., Diversas, problemáticas, de, la, identidad, de, los, objetos,, a, partir, del cuestionamiento, de, los, ojos, con, los, que, se, miran,, han, vertebrado, desde sus, primeras, obras, el, trabajo, de, Ana, Prada., La, fascinación, de, los objetos, se, lleva, a, un, espacio, crítico, cuando,, con, la, intervención, de, la artista,, éstos, son, desposeídos, de, su, identidad, y, función, primarias., De ese, modo,, da, lugar, a, situaciones, perceptivas, ambiguas, y, proyecta, un sentido, lúdico, y, poético, a, la, vez., Reunidos, en, constelaciones, y asociaciones, muy, diversas,, los, objetos, (sacapuntas,, cordones, de zapatos,, uñas,, perchas,, medias, y, cuchillos,, entre, otros), se, expanden, en las, paredes, y, en, el, suelo,, sacando, al, espectador, del, pasivo, espacio, de la, contemplación, y, llevándolo, al, perturbador, territorio, de, la, duda., Las paradojas, y, sorpresas, se, van, sucediendo, a, medida, que, el, espectador, movido, por, ello,, vuelca, sobre, las, obras, las, múltiples, referencias, de las, que, parte, en, un, principio,, para, abandonarlas, después, y, establecer otro, ámbito, relacional, más, complejo, que, es, el, que, se, deriva, finalmente,, de, una, intervención, artística, como, la, que, propone, Ana, Prada en, la, Sala, Parpalló., Echando, mano, de, estrategias, artísticas, que, van, desde, el, arte, minimal, al arte, pop,, como, del, conceptual, al, surrealismo,, Ana, Prada, interviene,, con una, particular, originalidad,, en, la, creación, de, formas,, dinámicas perceptivas, y, asociaciones, conceptuales, sorprendentes., A, partir, de, una manipulación, de, orden, quirúrgico,, opera, en, el, objeto, como, si, se, tratara de, un, cuerpo, al, que, le, sobran, identidades, para, componer, otras, más complejas., De, esa, forma,, con, extrema, higiene,, reduce, una, dimensión simple, y, banal,, mientras, maniobra,, por, otro, lado,, expandiendo, otras vertientes, a, menudo, imperceptibles., Planteada, como, un, proceso, de, trabajo,, esta, exposición, contará, con, la colaboración, de, estudiantes, de, los, últimos, cursos, de, la, Facultad, de Bellas, Artes, de, la, Universidad, Politécnica, de, Valencia,, a, través, la participación, en, el, montaje, de, la, exposición., Asímismo,, se, ha, concebido la, edición, de, un, catálogo, en, el, que, quedará, reflejada,, como, parte sustancial, del, mismo,, la, exposición, en, la, Sala, Parpalló, para, la, que, Ana Prada, ha, ideado, un, proyecto, específico, y, está, trabajando, en, la producción, de, varios, trabajos, fotográficos,, en, los, que, incorpora, la singularidad, del, espacio, expositivo., El, catálogo, contará,, además, de, con, la, contribución, del, comisario, José Luis, Clemente,, con, un, texto, de, José, María, Viñuela,, conservador, del Banco, de, España,, y, con, otro, del, artista, británico, Richard, Wentworth. (Extraido, de, www.salaparpallo.es) Se cumplen ahora 75 años de la inauguración del Museu dArt de Catalunya, y el MNAC lo celebra reuniendo 75 obras maestras del arte catalán pertenecientes a colecciones privadas, museos catalanes, europeos y americanos, y al patrimonio eclesiástico. La muestra permite hacer un recorrido por la historia del arte catalán desde la Edad Media hasta el siglo XX a partir de piezas de gran calidad artística del románico, del gótico, del Renacimiento, del barroco, del siglo XIX y de los tres primeros decenios del siglo XX. De forma excepcional, algunas de estas obras han dejado por primera vez su ubicación habitual en iglesias y catedrales de la geografía catalana para sumarse a esta muestra conmemorativa. Incluso algunas, como la Majestad de Beget, una obra capital de la escultura románica catalana, o el gran retablo gótico de la Virgen de LEscala de Joan Antigó, abandonan por unos meses su función litúrgica en la iglesia de Sant Cristòfor de Beget, un lugar de peregrinación, y la iglesia del monasterio de Sant Esteve de Banyoles, respectivamente. Una ocasión que se ha aprovechado para acometer la restauración de ambas obras. Asimismo la exposición permite el retorno temporal a Cataluña de piezas muy relevantes que, por diversos motivos, se encuentran actualmente fuera de nuestras fronteras, como el relieve de Pere Oller del sepulcro del rey Fernando I de Antequera procedente del monasterio de Poblet y hoy en el Museo del Louvre; una Anunciación de Bernat Martorell del Museo de Bellas Artes de Montreal; Mediterránea, de Arístides Maillol, del Museo de Orsay o La masovera de Joan Miró del Centro Georges Pompidou, por citar algunas. Igualmente importante es la presencia de obras procedentes de instituciones y museos catalanes como el bordado de Sant Jordi y la princesa de la capilla del Palau de la Generalitat; el frontal bordado de Jesús y los Evangelistas del Museu Episcopal de Vic, o El marchante de tapices de Fortuny del Museu de Montserrat, entre otras muchas. En definitiva, la celebración del 75 aniversario de la inauguración del Museu d'Art de Catalunya brinda al MNAC la oportunidad de acoger durante unos meses esta importantísima y difícilmente repetible selección de Invitados de honor. (Extraido de www.mnac.cat) arteeq Invitados de honor. Conmemoración del 75 aniversario del MNAC Se cumplen ahora 75 años de la inauguración del Museu dArt de Catalunya, y el MNAC lo celebra reuniendo 75 obras maestras del arte catalán pertenecientes a colecciones privadas, museos catalanes, europeos y americanos, y al patrimonio eclesiástico. La muestra permite hacer un recorrido por la historia del arte catalán desde la Edad Media hasta el siglo XX a partir de piezas de gran calidad artística del románico, del gótico, del Renacimiento, del barroco, del siglo XIX y de los tres primeros decenios del siglo XX. De forma excepcional, algunas de estas obras han dejado por primera vez su ubicación habitual en iglesias y catedrales de la geografía catalana para sumarse a esta muestra conmemorativa. Incluso algunas, como la Majestad de Beget, una obra capital de la escultura románica catalana, o el gran retablo gótico de la Virgen de LEscala de Joan Antigó, abandonan por unos meses su función litúrgica en la iglesia de Sant Cristòfor de Beget, un lugar de peregrinación, y la iglesia del monasterio de Sant Esteve de Banyoles, respectivamente. Una ocasión que se ha aprovechado para acometer la restauración de ambas obras. Asimismo la exposición permite el retorno temporal a Cataluña de piezas muy relevantes que, por diversos motivos, se encuentran actualmente fuera de nuestras fronteras, como el relieve de Pere Oller del sepulcro del rey Fernando I de Antequera procedente del monasterio de Poblet y hoy en el Museo del Louvre; una Anunciación de Bernat Martorell del Museo de Bellas Artes de Montreal; Mediterránea, de Arístides Maillol, del Museo de Orsay o La masovera de Joan Miró del Centro Georges Pompidou, por citar algunas. Igualmente importante es la presencia de obras procedentes de instituciones y museos catalanes como el bordado de Sant Jordi y la princesa de la capilla del Palau de la Generalitat; el frontal bordado de Jesús y los Evangelistas del Museu Episcopal de Vic, o El marchante de tapices de Fortuny del Museu de Montserrat, entre otras muchas. En definitiva, la celebración del 75 aniversario de la inauguración del Museu d'Art de Catalunya brinda al MNAC la oportunidad de acoger durante unos meses esta importantísima y difícilmente repetible selección de Invitados de honor. (Extraido de www.mnac.cat) http://www.arteeq.com/esp/evento/88/ http://www.arteeq.com/esp/evento/88/ Tue, 01 Dec 2009 23:00:00 GMT Se, cumplen, ahora, 75, años, de, la, inauguración, del, Museu, dArt, de Catalunya,, y, el, MNAC, lo, celebra, reuniendo, 75, obras, maestras, del, arte catalán, pertenecientes, a, colecciones, privadas,, museos, catalanes, europeos, y, americanos,, y, al, patrimonio, eclesiástico., La, muestra, permite hacer, un, recorrido, por, la, historia, del, arte, catalán, desde, la, Edad, Media hasta, el, siglo, XX, a, partir, de, piezas, de, gran, calidad, artística, del románico,, del, gótico,, del, Renacimiento,, del, barroco,, del, siglo, XIX, y, de los, tres, primeros, decenios, del, siglo, XX., De, forma, excepcional,, algunas de, estas, obras, han, dejado, por, primera, vez, su, ubicación, habitual, en iglesias, y, catedrales, de, la, geografía, catalana, para, sumarse, a, esta muestra, conmemorativa., Incluso, algunas,, como, la, Majestad, de, Beget,, una obra, capital, de, la, escultura, románica, catalana,, o, el, gran, retablo gótico, de, la, Virgen, de, LEscala, de, Joan, Antigó,, abandonan, por, unos meses, su, función, litúrgica, en, la, iglesia, de, Sant, Cristòfor, de, Beget,, un lugar, de, peregrinación,, y, la, iglesia, del, monasterio, de, Sant, Esteve, de Banyoles,, respectivamente., Una, ocasión, que, se, ha, aprovechado, para acometer, la, restauración, de, ambas, obras., Asimismo, la exposición, permite, el, retorno, temporal, a, Cataluña, de, piezas, muy relevantes, que,, por, diversos, motivos,, se, encuentran, actualmente, fuera de, nuestras, fronteras,, como, el, relieve, de, Pere, Oller, del, sepulcro, del rey, Fernando, I, de, Antequera, procedente, del, monasterio, de, Poblet, y, hoy en, el, Museo, del, Louvre;, una, Anunciación, de, Bernat, Martorell, del, Museo de, Bellas, Artes, de, Montreal;, Mediterránea,, de, Arístides, Maillol,, del, Museo, de, Orsay, o, La, masovera de, Joan, Miró, del, Centro, Georges, Pompidou,, por, citar, algunas., Igualmente importante, es, la, presencia, de, obras, procedentes, de, instituciones, y museos, catalanes, como, el, bordado, de, Sant, Jordi, y, la, princesa, de, la, capilla, del, Palau, de, la, Generalitat;, el, frontal, bordado, de, Jesús, y, los, Evangelistas, del, Museu, Episcopal, de, Vic,, o, El, marchante, de, tapices, de, Fortuny, del, Museu, de, Montserrat,, entre, otras, muchas., En definitiva,, la, celebración, del, 75, aniversario, de, la, inauguración, del Museu, d'Art, de, Catalunya, brinda, al, MNAC, la, oportunidad, de, acoger durante, unos, meses, esta, importantísima, y, difícilmente, repetible selección, de, Invitados, de, honor. (Extraido, de, www.mnac.cat) La décima edición del Festival de Arte Contemporáneo de Barcelona, BAC! 09, estará dedicada en su totalidad a la producción realizada por artistas mujeres de todo el mundo, una oportunidad única y referencial para contemplar el panorama internacional de las artes visuales creadas por ellas. Contrariamente a otras exposiciones de temática similar, la mayor parte de ellas bajo la sombrilla del feminismo o la crítica social hacia la diferencia y la discriminación de género, el BAC! desea escapar de los estereotipos para presentar una visión fresca, dinámica y movilizadora de la vinculación del género al mundo del arte, con el humor, la ironía y la divergencia como principales aportaciones dinamizadoras. (Extraido de www.cccb.org) arteeq BAC! 09. Pandora’s Boxes (Mujer/arte/hoy) La décima edición del Festival de Arte Contemporáneo de Barcelona, BAC! 09, estará dedicada en su totalidad a la producción realizada por artistas mujeres de todo el mundo, una oportunidad única y referencial para contemplar el panorama internacional de las artes visuales creadas por ellas. Contrariamente a otras exposiciones de temática similar, la mayor parte de ellas bajo la sombrilla del feminismo o la crítica social hacia la diferencia y la discriminación de género, el BAC! desea escapar de los estereotipos para presentar una visión fresca, dinámica y movilizadora de la vinculación del género al mundo del arte, con el humor, la ironía y la divergencia como principales aportaciones dinamizadoras. (Extraido de www.cccb.org) http://www.arteeq.com/esp/evento/89/ http://www.arteeq.com/esp/evento/89/ Mon, 30 Nov 2009 23:00:00 GMT La, décima, edición, del, Festival, de, Arte, Contemporáneo, de, Barcelona,, BAC!, 09, estará, dedicada, en, su, totalidad, a, la, producción, realizada, por, artistas mujeres, de, todo, el, mundo,, una, oportunidad, única, y, referencial, para contemplar, el, panorama, internacional, de, las, artes, visuales, creadas, por ellas., Contrariamente, a, otras, exposiciones, de, temática, similar,, la mayor, parte, de, ellas, bajo, la, sombrilla, del, feminismo, o, la, crítica social, hacia, la, diferencia, y, la, discriminación, de, género,, el, BAC!, desea escapar, de, los, estereotipos, para, presentar, una, visión, fresca,, dinámica y, movilizadora, de, la, vinculación, del, género, al, mundo, del, arte,, con, el humor,, la, ironía, y, la, divergencia, como, principales, aportaciones dinamizadoras. (Extraido, de, www.cccb.org) La Fundació Joan Miró presenta František Kupka, una muestra comisariada por Brigitte Léal, directora adjunta del Musée National d'Art Moderne - Centre Georges Pompidou, y patrocinada por el BBVA. La exposición reúne, por primera vez en el Estado español, un conjunto de casi 80 telas y dibujos de este artista checo, procedentes de los fondos de la institución francesa y documentos pertenecientes a la colección de Pierre Brullé, gran experto en un artista considerado pionero en explorar la abstracción. La magnífica colección de obra del Centre Georges Pompidou, mayoritariamente donada por la viuda del pintor en 1963, permite entender la trayectoria de Kupka, desde sus primeras obras simbolistas hasta su última creación. František Kupka (1871-1957) inició su carrera en Chequia, en la prestigiosa Escuela de Bellas Artes de Praga, donde se consagró a la pintura académica. Más tarde, en Viena, empezó a interesarse por la pintura simbolista y alegórica. Instalado en París en 1896, Kupka trabajó como ilustrador de prensa y de publicidad al tiempo que se producía un acercamiento a las primeras vanguardias, como el fauvismo o el cubismo, si bien manteniendo su personalidad e independencia. Su interés por los escritos futuristas le llevó en 1910 a una progresiva abstracción centrada en el movimiento, el estudio de los efectos del color y la relación entre la música y la pintura. Fruto de su reflexión es el libro "La Création dans les arts plastiques", publicado en 1913. A pesar de su relación con los "ismos" de la época, Kupka siempre fue consciente de su individualidad. En 1931 funda, junto a Auguste Herbin, Jean Hélion y otros, el grupo Abstraction-Création, que propugnaba la abstracción frente al movimiento surrealista liderado por André Breton. La exposición que la Fundació dedica a František Kupka pretende destacar las aportaciones de este artista: la fusión de los motivos fin-de-siècle austriacos con las exploraciones formales de las primeras vanguardias o un interés por el movimiento, que le condujo tempranamente a la abstracción. Esta especial sensibilidad sitúa la obra de Kupka en un lugar relevante en la historia del arte moderno europeo. František Kupka, a quien se han dedicado significativas muestras en los museos más importantes de Francia, Estados Unidos o Japón, no ha disfrutado nunca de una exposición retrospectiva en Barcelona. Con el propósito de subsanar este injustificado olvido, la Fundació presenta ahora esta muestra, que permitirá apreciar y comprender la evolución estilística y el método de trabajo de este pintor clave en el desarrollo de la primera abstracción. (Extraido de www.fundaciomiro-bcn.org) arteeq Frantisek Kupka La Fundació Joan Miró presenta František Kupka, una muestra comisariada por Brigitte Léal, directora adjunta del Musée National d'Art Moderne - Centre Georges Pompidou, y patrocinada por el BBVA. La exposición reúne, por primera vez en el Estado español, un conjunto de casi 80 telas y dibujos de este artista checo, procedentes de los fondos de la institución francesa y documentos pertenecientes a la colección de Pierre Brullé, gran experto en un artista considerado pionero en explorar la abstracción. La magnífica colección de obra del Centre Georges Pompidou, mayoritariamente donada por la viuda del pintor en 1963, permite entender la trayectoria de Kupka, desde sus primeras obras simbolistas hasta su última creación. František Kupka (1871-1957) inició su carrera en Chequia, en la prestigiosa Escuela de Bellas Artes de Praga, donde se consagró a la pintura académica. Más tarde, en Viena, empezó a interesarse por la pintura simbolista y alegórica. Instalado en París en 1896, Kupka trabajó como ilustrador de prensa y de publicidad al tiempo que se producía un acercamiento a las primeras vanguardias, como el fauvismo o el cubismo, si bien manteniendo su personalidad e independencia. Su interés por los escritos futuristas le llevó en 1910 a una progresiva abstracción centrada en el movimiento, el estudio de los efectos del color y la relación entre la música y la pintura. Fruto de su reflexión es el libro "La Création dans les arts plastiques", publicado en 1913. A pesar de su relación con los "ismos" de la época, Kupka siempre fue consciente de su individualidad. En 1931 funda, junto a Auguste Herbin, Jean Hélion y otros, el grupo Abstraction-Création, que propugnaba la abstracción frente al movimiento surrealista liderado por André Breton. La exposición que la Fundació dedica a František Kupka pretende destacar las aportaciones de este artista: la fusión de los motivos fin-de-siècle austriacos con las exploraciones formales de las primeras vanguardias o un interés por el movimiento, que le condujo tempranamente a la abstracción. Esta especial sensibilidad sitúa la obra de Kupka en un lugar relevante en la historia del arte moderno europeo. František Kupka, a quien se han dedicado significativas muestras en los museos más importantes de Francia, Estados Unidos o Japón, no ha disfrutado nunca de una exposición retrospectiva en Barcelona. Con el propósito de subsanar este injustificado olvido, la Fundació presenta ahora esta muestra, que permitirá apreciar y comprender la evolución estilística y el método de trabajo de este pintor clave en el desarrollo de la primera abstracción. (Extraido de www.fundaciomiro-bcn.org) http://www.arteeq.com/esp/evento/78/ http://www.arteeq.com/esp/evento/78/ Fri, 27 Nov 2009 23:00:00 GMT La, Fundació, Joan, Miró, presenta František, Kupka,, una, muestra, comisariada, por, Brigitte, Léal,, directora adjunta, del, Musée, National, d'Art, Moderne, -, Centre, Georges, Pompidou,, y patrocinada, por, el, BBVA., La, exposición, reúne,, por, primera, vez, en, el Estado, español,, un, conjunto, de, casi, 80, telas, y, dibujos, de, este, artista checo,, procedentes, de, los, fondos, de, la, institución, francesa, y documentos, pertenecientes, a, la, colección, de, Pierre, Brullé,, gran, experto en, un, artista, considerado, pionero, en, explorar, la, abstracción. La, magnífica, colección, de, obra, del, Centre, Georges, Pompidou, mayoritariamente, donada, por, la, viuda, del, pintor, en, 1963,, permite entender, la, trayectoria, de, Kupka,, desde, sus, primeras, obras, simbolistas hasta, su, última, creación. František Kupka, (1871-1957), inició, su, carrera, en, Chequia,, en, la, prestigiosa Escuela, de, Bellas, Artes, de, Praga,, donde, se, consagró, a, la, pintura académica., Más, tarde,, en, Viena,, empezó, a, interesarse, por, la, pintura simbolista, y, alegórica. Instalado, en, París, en, 1896,, Kupka trabajó, como, ilustrador, de, prensa, y, de, publicidad, al, tiempo, que, se producía, un, acercamiento, a, las, primeras, vanguardias,, como, el, fauvismo, o el, cubismo,, si, bien, manteniendo, su, personalidad, e, independencia., Su interés, por, los, escritos, futuristas, le, llevó, en, 1910, a, una, progresiva abstracción, centrada, en, el, movimiento,, el, estudio, de, los, efectos, del color, y, la, relación, entre, la, música, y, la, pintura., Fruto, de, su, reflexión es, el, libro, "La, Création, dans, les, arts, plastiques",, publicado, en, 1913. A, pesar, de, su, relación, con, los, "ismos", de, la, época,, Kupka, siempre, fue consciente, de, su, individualidad. En, 1931, funda,, junto, a, Auguste Herbin,, Jean, Hélion, y, otros,, el, grupo, Abstraction-Création,, que propugnaba, la, abstracción, frente, al, movimiento, surrealista, liderado, por André, Breton. La, exposición, que, la, Fundació, dedica, a, František Kupka, pretende, destacar, las, aportaciones, de, este, artista:, la, fusión, de los, motivos, fin-de-siècle, austriacos, con, las, exploraciones, formales, de las, primeras, vanguardias, o, un, interés, por, el, movimiento,, que, le, condujo tempranamente, a, la, abstracción., Esta, especial, sensibilidad, sitúa, la obra, de, Kupka, en, un, lugar, relevante, en, la, historia, del, arte, moderno europeo. František, Kupka,, a, quien, se, han, dedicado, significativas muestras, en, los, museos, más, importantes, de, Francia,, Estados, Unidos, o Japón,, no, ha, disfrutado, nunca, de, una, exposición, retrospectiva, en Barcelona., Con, el, propósito, de, subsanar, este, injustificado, olvido,, la Fundació, presenta, ahora, esta, muestra,, que, permitirá, apreciar, y comprender, la, evolución, estilística, y, el, método, de, trabajo, de, este pintor, clave, en, el, desarrollo, de, la, primera, abstracción. (Extraido, de, www.fundaciomiro-bcn.org) La obra de Mira Schendel y León Ferrari, contemporáneos a pesar de la lejanía de sus respectivos lugares de nacimiento Schendel nació en Suiza en 1919 y falleció en Brasil en 1988; Ferrari nació en 1920 en Argentina, donde aún reside está atravesada hasta en sus más silenciosos e íntimos momentos por el furor del lenguaje. Un furor proteico que ha adquirido en ellos innumerables rostros, desde la mudez voluntaria hasta la afasia, pasando por el susurro, la plegaria, la denuncia, la oración, la didascalia, el diálogo, la cita, la poesía, el tartamudeo, el grito, la onomatopeya, el collage, el argumento, el alfabeto. Ambos artistas estuvieron muy cerca de la poesía y de los poetas Haroldo de Campos en el caso de Mira Schendel; Rafael Alberti en el caso de León Ferrari y ambos, en algún momento, fueron poetas. Los años críticos de aparición de la obra de Schendel y Ferrari coinciden con el inicio de la década de los años 60, y quizás el año de 1964 fue un hito para ambos artistas. León Ferrari produce entonces su Cuadro Escrito, tras una intensa práctica dibujística que lo llevó de la abstracción a sus escrituras deformadas e ilegibles y de éstas a la sofisticada caligrafía, no menos hermética, de sus dibujos escritos. Ese mismo año, Mira Schendel inicia un período de trabajo exclusivamente orientado a obras sobre papel utilizando siempre un mismo soporte: hojas rectangulares de papel japonés, usualmente conocido como papel de arroz que la llevará a producir una desbordante cantidad de dibujos para los que concibió una técnica personal de aplicación de la tinta y del gesto, y que concluirá a finales de los años 60 con la creación de sus obras emblemáticas: las Droguinhas (c. 1965-68), el Trenzinho (1965) y los Objetos gráficos (1968-73). Estos años coinciden también, en el mundo europeo y norteamericano, con el surgimiento de una forma de arte opuesto a la idea de género artístico; un arte sin medium específico o que escaparía de la posibilidad de ser aprehendido desde la perspectiva de la especificidad de su medium; un arte en el que, al decir de Sol LeWitt, la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra1: el arte conceptual. Desde su surgimiento, el discurso autorizado del arte conceptual estaba enfocado a lo que llegaría a ser uno de sus mitos originarios, el asunto de la desmaterialización del objeto artístico que el conceptualismo llevaba implícito. Quizá lo que distingue a las obras de Schendel y de Ferrari del conceptualismo es precisamente que mientras éste es un arte centrado en el protagonismo ideal del lenguaje, aquellos son artistas interesados en el aspecto del lenguaje, cuyos trabajos manifiestan y muestran el lenguaje encarnado y vinculante, el lenguaje como materialidad escrita y como huella, el lenguaje como temblor de una mano y como estremecimiento de un cuerpo: el lenguaje estremecido, como sujeto irrepetible y como vicario de la voz. Ferrari y Schendel son artistas visuales que nunca abandonan el oficio del verbo; al contrario, lo erigen en el centro de su operación productora de imágenes, incluso de las más despojadas y silenciosas. Pero más allá de un asunto de lenguaje, lo que se manifiesta en sus trabajos, hasta en aquellos donde no es posible identificar la materia lingüística, es precisamente la escritura en el sentido barthesiano de scription, acto muscular de escribir, de trazar las letras2, su radical reducción material y, por lo tanto, su capacidad para funcionar en la imagen como una representación visual de la enunciación. No es sólo pues el lenguaje lo que en ellos constituye el nervio de la obra, sino la palabra como función vicaria y desbordante de la voz humana; no son frases neutras y sin sujetos que cualquiera puede decir impersonalmente como si la lengua fuese una forma de transparencia, lo que en ellos sobresale; son textos opacos, signos heridos, fragmentados, obsesivos, o letras abandonadas, delirantes, solitarias; no es la lengua, en fin, lo que allí brilla sino la escritura, abstracta o textual, alfabética o arquitectónica, deformada o ínfima, nominal o transitiva y, por encima de todo, la materia de su cuerpo: el gesto gráfico. Si los dibujos abstractos representan uno de los más álgidos momentos de carácter puramente estético en la obra de León Ferrari, sus dibujos escritos comienzan a ser el soporte de contenidos y discursos objetivos en los que el artista señala el mundo con sus contradicciones y absurdos, reflexiona sobre el arte y hace sarcasmo de los poderes constituidos de la Iglesia y el Estado. En ninguno de ellos llega a haber violencia, ni siquiera la furia y la protesta de sus trabajos posteriores como reacción a la trágica historia de Argentina, que golpearía, también, cruelmente a su familia. Se puede sin embargo pensar que el período inaugurado con obras como el Sermón de la Sangre una abstracción que esconde en su mudez un texto escrito por otro, en este caso por Rafael Alberti se concluirá, justo antes de que Ferrari se retire de la producción de objetos artísticos por un tiempo, con la muestra y el rechazo público de una imagen de Cristo crucificado en un bombardero norteamericano, La Civilización Occidental y Cristiana (1965), un gesto de protesta política en contra de la guerra de Vietnam. En el breve período de cuatro años, entre 1962 y 1965, Ferrari produjo el grueso de sus primeros dibujos y concibió la base para todo el repertorio posterior de su trabajo: los dibujos abstractos, como Músicas, Escrituras deformadas y Cartas a un general; las esculturas de alambres y las cajas, y los dibujos con escrituras como el Cuadro escrito. Ferrari y Schendel, a través de sus obras en las que la escritura sustituye a la imagen, no cesaron de producir una constante suspensión de la imagen en beneficio de lo que queda del lenguaje cuando es tratado como un cuerpo: el gesto que liga y desliga en la corporalidad caligráfica, la ligadura del lenguaje, su prelingüística configuración constelar, un arte de alfabetos ingrávidos, arbitrarios, y de palimpsestos; letras y palabras desasidas, fuera de órbita, en el cual también se hace visible, especialmente en Schendel, el sustrato vacío y mudo donde se han alojado los signos y donde pueden llegar a habitar de nuevo como una incesante potencia: el papel, sus estrías, sus desiertos. Así pueden comprenderse las dos grandes conclusiones de la producción sobre papel de Mira Schendel: las Droguinhas y el Trenzinho. En las primeras, sobresale la complejidad de lo deleznable, y también una arqueología abismal que concierne íntimamente a la escritura, a sus míticos orígenes y a sus originarios rechazos: un repertorio de cuerdas y ataduras de papel, lazos que nada enlazan sino a ellos mismos. En el Trenzinho, por su parte, se expone como un expolio el cuerpo inmaculado, la tabula rasa de papel que antes acogía las manchas de lo escrito, presentando la frontalidad de su propia desnudez, su propio vacío, en forma de velos y sudarios. La alternativa o simultánea función de indicación y ocultación es fundamental en la obra de León Ferrari y Mira Schendel. Opuestos a la neutralidad de las operaciones de lenguaje que caracterizan el canon del arte conceptual, lo que prima en Ferrari y en Schendel es una forma de lenguaje apropiado, encarnado, personalizado, un lenguaje-cuerpo: el lenguaje del cuerpo aquel que indica como el dedo la cosa de la que se habla, según los tratadistas de Port Royal y, a la vez, el cuerpo del lenguaje. En lugar de la fascinación lingüística del arte conceptual, que encontró en el lenguaje el sucedáneo artificial de una inmaterialidad imposible, Ferrari y Schendel parecen haber trabajado a contrapelo de aquella afirmación de Merleau-Ponty: la maravilla del lenguaje es que se hace olvidar. Es decir, una obra en la que la significación de los signos no nos lleva a olvidar su aspecto físico, sino que, al contrario, nos confronta ante su opaca presencia. Mira Schendel y León Ferrari parecen haberse empeñado durante toda su vida de artistas en restituir la letra a su voz, la voz a su aliento, el aliento a su cuerpo, el cuerpo a su gesto, el gesto, en fin, a su vida. --- 1 Sol LeWitt. Paragraphs on Conceptual Art, 1967. En Alexander Alberro y Blake Stimson (eds). Conceptual Art: A Critical Anthology. Cambridge: MIT Press, 1999, p.12. 2 Ver Roland Barthes. Variations sur lécriture. En Oeuvres Complètes 1972-1976. Eric Marty (ed). Paris: Editions du Seuil, 2002, 4: 267.  --- (Extraído de www.museoreinasofia.es) arteeq León Ferrari y Mira Schendel: El alfabeto enfurecido La obra de Mira Schendel y León Ferrari, contemporáneos a pesar de la lejanía de sus respectivos lugares de nacimiento Schendel nació en Suiza en 1919 y falleció en Brasil en 1988; Ferrari nació en 1920 en Argentina, donde aún reside está atravesada hasta en sus más silenciosos e íntimos momentos por el furor del lenguaje. Un furor proteico que ha adquirido en ellos innumerables rostros, desde la mudez voluntaria hasta la afasia, pasando por el susurro, la plegaria, la denuncia, la oración, la didascalia, el diálogo, la cita, la poesía, el tartamudeo, el grito, la onomatopeya, el collage, el argumento, el alfabeto. Ambos artistas estuvieron muy cerca de la poesía y de los poetas Haroldo de Campos en el caso de Mira Schendel; Rafael Alberti en el caso de León Ferrari y ambos, en algún momento, fueron poetas. Los años críticos de aparición de la obra de Schendel y Ferrari coinciden con el inicio de la década de los años 60, y quizás el año de 1964 fue un hito para ambos artistas. León Ferrari produce entonces su Cuadro Escrito, tras una intensa práctica dibujística que lo llevó de la abstracción a sus escrituras deformadas e ilegibles y de éstas a la sofisticada caligrafía, no menos hermética, de sus dibujos escritos. Ese mismo año, Mira Schendel inicia un período de trabajo exclusivamente orientado a obras sobre papel utilizando siempre un mismo soporte: hojas rectangulares de papel japonés, usualmente conocido como papel de arroz que la llevará a producir una desbordante cantidad de dibujos para los que concibió una técnica personal de aplicación de la tinta y del gesto, y que concluirá a finales de los años 60 con la creación de sus obras emblemáticas: las Droguinhas (c. 1965-68), el Trenzinho (1965) y los Objetos gráficos (1968-73). Estos años coinciden también, en el mundo europeo y norteamericano, con el surgimiento de una forma de arte opuesto a la idea de género artístico; un arte sin medium específico o que escaparía de la posibilidad de ser aprehendido desde la perspectiva de la especificidad de su medium; un arte en el que, al decir de Sol LeWitt, la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra1: el arte conceptual. Desde su surgimiento, el discurso autorizado del arte conceptual estaba enfocado a lo que llegaría a ser uno de sus mitos originarios, el asunto de la desmaterialización del objeto artístico que el conceptualismo llevaba implícito. Quizá lo que distingue a las obras de Schendel y de Ferrari del conceptualismo es precisamente que mientras éste es un arte centrado en el protagonismo ideal del lenguaje, aquellos son artistas interesados en el aspecto del lenguaje, cuyos trabajos manifiestan y muestran el lenguaje encarnado y vinculante, el lenguaje como materialidad escrita y como huella, el lenguaje como temblor de una mano y como estremecimiento de un cuerpo: el lenguaje estremecido, como sujeto irrepetible y como vicario de la voz. Ferrari y Schendel son artistas visuales que nunca abandonan el oficio del verbo; al contrario, lo erigen en el centro de su operación productora de imágenes, incluso de las más despojadas y silenciosas. Pero más allá de un asunto de lenguaje, lo que se manifiesta en sus trabajos, hasta en aquellos donde no es posible identificar la materia lingüística, es precisamente la escritura en el sentido barthesiano de scription, acto muscular de escribir, de trazar las letras2, su radical reducción material y, por lo tanto, su capacidad para funcionar en la imagen como una representación visual de la enunciación. No es sólo pues el lenguaje lo que en ellos constituye el nervio de la obra, sino la palabra como función vicaria y desbordante de la voz humana; no son frases neutras y sin sujetos que cualquiera puede decir impersonalmente como si la lengua fuese una forma de transparencia, lo que en ellos sobresale; son textos opacos, signos heridos, fragmentados, obsesivos, o letras abandonadas, delirantes, solitarias; no es la lengua, en fin, lo que allí brilla sino la escritura, abstracta o textual, alfabética o arquitectónica, deformada o ínfima, nominal o transitiva y, por encima de todo, la materia de su cuerpo: el gesto gráfico. Si los dibujos abstractos representan uno de los más álgidos momentos de carácter puramente estético en la obra de León Ferrari, sus dibujos escritos comienzan a ser el soporte de contenidos y discursos objetivos en los que el artista señala el mundo con sus contradicciones y absurdos, reflexiona sobre el arte y hace sarcasmo de los poderes constituidos de la Iglesia y el Estado. En ninguno de ellos llega a haber violencia, ni siquiera la furia y la protesta de sus trabajos posteriores como reacción a la trágica historia de Argentina, que golpearía, también, cruelmente a su familia. Se puede sin embargo pensar que el período inaugurado con obras como el Sermón de la Sangre una abstracción que esconde en su mudez un texto escrito por otro, en este caso por Rafael Alberti se concluirá, justo antes de que Ferrari se retire de la producción de objetos artísticos por un tiempo, con la muestra y el rechazo público de una imagen de Cristo crucificado en un bombardero norteamericano, La Civilización Occidental y Cristiana (1965), un gesto de protesta política en contra de la guerra de Vietnam. En el breve período de cuatro años, entre 1962 y 1965, Ferrari produjo el grueso de sus primeros dibujos y concibió la base para todo el repertorio posterior de su trabajo: los dibujos abstractos, como Músicas, Escrituras deformadas y Cartas a un general; las esculturas de alambres y las cajas, y los dibujos con escrituras como el Cuadro escrito. Ferrari y Schendel, a través de sus obras en las que la escritura sustituye a la imagen, no cesaron de producir una constante suspensión de la imagen en beneficio de lo que queda del lenguaje cuando es tratado como un cuerpo: el gesto que liga y desliga en la corporalidad caligráfica, la ligadura del lenguaje, su prelingüística configuración constelar, un arte de alfabetos ingrávidos, arbitrarios, y de palimpsestos; letras y palabras desasidas, fuera de órbita, en el cual también se hace visible, especialmente en Schendel, el sustrato vacío y mudo donde se han alojado los signos y donde pueden llegar a habitar de nuevo como una incesante potencia: el papel, sus estrías, sus desiertos. Así pueden comprenderse las dos grandes conclusiones de la producción sobre papel de Mira Schendel: las Droguinhas y el Trenzinho. En las primeras, sobresale la complejidad de lo deleznable, y también una arqueología abismal que concierne íntimamente a la escritura, a sus míticos orígenes y a sus originarios rechazos: un repertorio de cuerdas y ataduras de papel, lazos que nada enlazan sino a ellos mismos. En el Trenzinho, por su parte, se expone como un expolio el cuerpo inmaculado, la tabula rasa de papel que antes acogía las manchas de lo escrito, presentando la frontalidad de su propia desnudez, su propio vacío, en forma de velos y sudarios. La alternativa o simultánea función de indicación y ocultación es fundamental en la obra de León Ferrari y Mira Schendel. Opuestos a la neutralidad de las operaciones de lenguaje que caracterizan el canon del arte conceptual, lo que prima en Ferrari y en Schendel es una forma de lenguaje apropiado, encarnado, personalizado, un lenguaje-cuerpo: el lenguaje del cuerpo aquel que indica como el dedo la cosa de la que se habla, según los tratadistas de Port Royal y, a la vez, el cuerpo del lenguaje. En lugar de la fascinación lingüística del arte conceptual, que encontró en el lenguaje el sucedáneo artificial de una inmaterialidad imposible, Ferrari y Schendel parecen haber trabajado a contrapelo de aquella afirmación de Merleau-Ponty: la maravilla del lenguaje es que se hace olvidar. Es decir, una obra en la que la significación de los signos no nos lleva a olvidar su aspecto físico, sino que, al contrario, nos confronta ante su opaca presencia. Mira Schendel y León Ferrari parecen haberse empeñado durante toda su vida de artistas en restituir la letra a su voz, la voz a su aliento, el aliento a su cuerpo, el cuerpo a su gesto, el gesto, en fin, a su vida. --- 1 Sol LeWitt. Paragraphs on Conceptual Art, 1967. En Alexander Alberro y Blake Stimson (eds). Conceptual Art: A Critical Anthology. Cambridge: MIT Press, 1999, p.12. 2 Ver Roland Barthes. Variations sur lécriture. En Oeuvres Complètes 1972-1976. Eric Marty (ed). Paris: Editions du Seuil, 2002, 4: 267.  --- (Extraído de www.museoreinasofia.es) http://www.arteeq.com/esp/evento/83/ http://www.arteeq.com/esp/evento/83/ Tue, 24 Nov 2009 23:00:00 GMT La, obra, de, Mira, Schendel, y, León, Ferrari,, contemporáneos, a, pesar, de la, lejanía, de, sus, respectivos, lugares, de, nacimiento, Schendel, nació, en Suiza, en, 1919, y, falleció, en, Brasil, en, 1988;, Ferrari, nació, en, 1920, en Argentina,, donde, aún, reside, está, atravesada, hasta, en, sus, más silenciosos, e, íntimos, momentos, por, el, furor, del, lenguaje., Un, furor proteico, que, ha, adquirido, en, ellos, innumerables, rostros,, desde, la, mudez voluntaria, hasta, la, afasia,, pasando, por, el, susurro,, la, plegaria,, la denuncia,, la, oración,, la, didascalia,, el, diálogo,, la, cita,, la, poesía,, el tartamudeo,, el, grito,, la, onomatopeya,, el, collage,, el argumento,, el, alfabeto., Ambos, artistas, estuvieron, muy, cerca, de, la poesía, y, de, los, poetas, Haroldo, de, Campos, en, el, caso, de, Mira, Schendel; Rafael, Alberti, en, el, caso, de, León, Ferrari, y, ambos,, en, algún, momento, fueron, poetas. Los, años, críticos, de, aparición, de, la, obra, de, Schendel, y, Ferrari coinciden, con, el, inicio, de, la, década, de, los, años, 60,, y, quizás, el, año, de 1964, fue, un, hito, para, ambos, artistas., León, Ferrari, produce, entonces, su, Cuadro, Escrito, tras, una, intensa, práctica, dibujística, que, lo, llevó, de, la, abstracción, a sus, escrituras, deformadas, e, ilegibles, y, de, éstas, a, la, sofisticada caligrafía,, no, menos, hermética,, de, sus, dibujos, escritos., Ese, mismo, año, Mira, Schendel, inicia, un, período, de, trabajo, exclusivamente, orientado, a obras, sobre, papel, utilizando, siempre, un, mismo, soporte:, hojas rectangulares, de, papel, japonés,, usualmente, conocido, como, papel, de arroz, que, la, llevará, a, producir, una, desbordante, cantidad, de, dibujos para, los, que, concibió, una, técnica, personal, de, aplicación, de, la, tinta, y del, gesto,, y, que, concluirá, a, finales, de, los, años, 60, con, la, creación, de sus, obras, emblemáticas:, las, Droguinhas, (c., 1965-68),, el, Trenzinho, (1965), y, los, Objetos, gráficos, (1968-73). Estos, años, coinciden, también,, en, el, mundo, europeo, y, norteamericano,, con el, surgimiento, de, una, forma, de, arte, opuesto, a, la, idea, de, género artístico;, un, arte, sin, medium, específico, o, que, escaparía, de, la, posibilidad, de, ser, aprehendido, desde, la, perspectiva, de, la, especificidad, de, su, medium;, un, arte, en, el, que,, al, decir, de, Sol, LeWitt,, la, idea, o, concepto, es, el, aspecto, más, importante, de, la, obra1: el, arte, conceptual., Desde, su, surgimiento,, el, discurso, autorizado, del arte, conceptual, estaba, enfocado, a, lo, que, llegaría, a, ser, uno, de, sus mitos, originarios,, el, asunto, de, la, desmaterialización, del, objeto artístico, que, el, conceptualismo, llevaba, implícito. Quizá, lo, que, distingue, a, las, obras, de, Schendel, y, de, Ferrari, del conceptualismo, es, precisamente, que, mientras, éste, es, un, arte, centrado, en el, protagonismo, ideal, del, lenguaje,, aquellos, son, artistas, interesados en, el, aspecto , del, lenguaje,, cuyos, trabajos, manifiestan, y, muestran, el lenguaje, encarnado, y, vinculante,, el, lenguaje, como, materialidad, escrita y, como, huella,, el, lenguaje, como, temblor, de, una, mano, y, como estremecimiento, de, un, cuerpo:, el, lenguaje, estremecido,, como, sujeto irrepetible, y, como, vicario, de, la, voz. Ferrari, y, Schendel, son, artistas, visuales, que, nunca, abandonan, el oficio, del, verbo;, al, contrario,, lo, erigen, en, el, centro, de, su, operación productora, de, imágenes,, incluso, de, las, más, despojadas, y, silenciosas. Pero, más, allá, de, un, asunto, de, lenguaje,, lo, que, se, manifiesta, en, sus trabajos,, hasta, en, aquellos, donde, no, es, posible, identificar, la, materia lingüística,, es, precisamente, la, escritura, en, el, sentido, barthesiano, de, scription,, acto, muscular, de, escribir,, de, trazar, las, letras2,, su, radical, reducción, material, y,, por, lo, tanto,, su, capacidad, para, funcionar, en, la, imagen, como, una, representación, visual, de, la, enunciación. No, es, sólo, pues, el, lenguaje, lo, que, en, ellos, constituye, el, nervio, de, la obra,, sino, la, palabra, como, función, vicaria, y, desbordante, de, la, voz humana;, no, son, frases, neutras, y, sin, sujetos, que, cualquiera, puede, decir impersonalmente, como, si, la, lengua, fuese, una, forma, de, transparencia, lo, que, en, ellos, sobresale;, son, textos, opacos,, signos, heridos, fragmentados,, obsesivos,, o, letras, abandonadas,, delirantes,, solitarias; no, es, la, lengua,, en, fin,, lo, que, allí, brilla, sino, la, escritura, abstracta, o, textual,, alfabética, o, arquitectónica,, deformada, o, ínfima, nominal, o, transitiva, y,, por, encima, de, todo,, la, materia, de, su, cuerpo:, el gesto, gráfico. Si, los, dibujos, abstractos, representan, uno, de, los, más, álgidos momentos, de, carácter, puramente, estético, en, la, obra, de, León, Ferrari,, sus dibujos, escritos, comienzan, a, ser, el, soporte, de, contenidos, y, discursos objetivos, en, los, que, el, artista, señala, el, mundo, con, sus, contradicciones y, absurdos,, reflexiona, sobre, el, arte, y, hace, sarcasmo, de, los, poderes constituidos, de, la, Iglesia, y, el, Estado., En, ninguno, de, ellos, llega, a haber, violencia,, ni, siquiera, la, furia, y, la, protesta, de, sus, trabajos posteriores, como, reacción, a, la, trágica, historia, de, Argentina,, que golpearía,, también,, cruelmente, a, su, familia., Se, puede, sin, embargo pensar, que, el, período, inaugurado, con, obras, como, el, Sermón, de, la, Sangre una, abstracción, que, esconde, en, su, mudez, un, texto, escrito, por, otro,, en este, caso, por, Rafael, Alberti, se, concluirá,, justo, antes, de, que, Ferrari se, retire, de, la, producción, de, objetos, artísticos, por, un, tiempo,, con, la muestra, y, el, rechazo, público, de, una, imagen, de, Cristo, crucificado, en un, bombardero, norteamericano,, La, Civilización, Occidental, y, Cristiana (1965),, un, gesto, de, protesta, política, en, contra, de, la, guerra, de Vietnam., En, el, breve, período, de, cuatro, años,, entre, 1962, y, 1965,, Ferrari produjo, el, grueso, de, sus, primeros, dibujos, y, concibió, la, base, para, todo el, repertorio, posterior, de, su, trabajo:, los, dibujos, abstractos,, como, Músicas,, Escrituras, deformadas, y, Cartas, a, un, general;, las, esculturas, de, alambres, y, las, cajas,, y, los, dibujos, con, escrituras, como, el, Cuadro, escrito. Ferrari, y, Schendel,, a, través, de, sus, obras, en, las, que, la, escritura sustituye, a, la, imagen,, no, cesaron, de, producir, una, constante, suspensión de, la, imagen, en, beneficio, de, lo, que, queda, del, lenguaje, cuando, es tratado, como, un, cuerpo:, el, gesto, que, liga, y, desliga, en, la, corporalidad caligráfica,, la, ligadura, del, lenguaje,, su, prelingüística, configuración constelar,, un, arte, de, alfabetos, ingrávidos,, arbitrarios,, y, de palimpsestos;, letras, y, palabras, desasidas,, fuera, de, órbita,, en, el, cual también, se, hace, visible,, especialmente, en, Schendel,, el, sustrato, vacío, y mudo, donde, se, han, alojado, los, signos, y, donde, pueden, llegar, a, habitar, de nuevo, como, una, incesante, potencia:, el, papel,, sus, estrías,, sus desiertos., Así, pueden, comprenderse, las, dos, grandes, conclusiones, de, la producción, sobre, papel, de, Mira, Schendel:, las, Droguinhas, y, el, Trenzinho. En, las, primeras,, sobresale, la, complejidad, de, lo, deleznable,, y, también una, arqueología, abismal, que, concierne, íntimamente, a, la, escritura,, a, sus míticos, orígenes, y, a, sus, originarios, rechazos:, un, repertorio, de, cuerdas y, ataduras, de, papel,, lazos, que, nada, enlazan, sino, a, ellos, mismos., En, el, Trenzinho, por, su, parte,, se, expone, como, un, expolio, el, cuerpo, inmaculado,, la, tabula rasa, de, papel, que, antes, acogía, las, manchas, de, lo, escrito,, presentando la, frontalidad, de, su, propia, desnudez,, su, propio, vacío,, en, forma, de velos, y, sudarios. La, alternativa, o, simultánea, función, de, indicación, y, ocultación, es fundamental, en, la, obra, de, León, Ferrari, y, Mira, Schendel., Opuestos, a, la neutralidad, de, las, operaciones, de, lenguaje, que, caracterizan, el, canon del, arte, conceptual,, lo, que, prima, en, Ferrari, y, en, Schendel, es, una, forma de, lenguaje, apropiado,, encarnado,, personalizado,, un, lenguaje-cuerpo:, el lenguaje, del, cuerpo, aquel, que, indica, como, el, dedo, la, cosa, de, la, que se, habla,, según, los, tratadistas, de, Port, Royal, y,, a, la, vez,, el, cuerpo del, lenguaje., En, lugar, de, la, fascinación, lingüística, del, arte conceptual,, que, encontró, en, el, lenguaje, el, sucedáneo, artificial, de, una inmaterialidad, imposible,, Ferrari, y, Schendel, parecen, haber, trabajado, a contrapelo, de, aquella, afirmación, de, Merleau-Ponty:, la, maravilla, del lenguaje, es, que, se, hace, olvidar., Es, decir,, una, obra, en, la, que, la significación, de, los, signos, no, nos, lleva, a, olvidar, su, aspecto, físico, sino, que,, al, contrario,, nos, confronta, ante, su, opaca, presencia., Mira Schendel, y, León, Ferrari, parecen, haberse, empeñado, durante, toda, su, vida de, artistas, en, restituir, la, letra, a, su, voz,, la, voz, a, su, aliento,, el aliento, a, su, cuerpo,, el, cuerpo, a, su, gesto,, el, gesto,, en, fin,, a, su, vida., --- 1, Sol, LeWitt., Paragraphs, on, Conceptual, Art,, 1967., En, Alexander, Alberro, y, Blake, Stimson, (eds)., Conceptual, Art:, A, Critical, Anthology., Cambridge:, MIT, Press,, 1999,, p.12. 2, Ver, Roland, Barthes., Variations, sur, lécriture., En, Oeuvres, Complètes, 1972-1976., Eric, Marty, (ed)., Paris:, Editions, du, Seuil,, 2002,, 4:, 267.  --- (Extraído, de, www.museoreinasofia.es) El mal de escritura es un proyecto algo distinto a lo que estamos acostumbrados. Se trata de una colección de libros, opúsculos, panfletos, cuartillas, escritos todos por artistas y que constituyen una biblioteca muy singular. Si tradicionalmente se distingue entre libros de artista y textos teóricos/críticos/biográficos escritos por artistas, lo que tenemos aquí son textos de ficción: ficción académica, ficción literaria, ficción política y fi cción poética. Libros pensados, producidos y, en su gran mayoría, publicados por artistas y que, sin embargo, no son libros de artista. Novelas y ficciones de distinto tipo y de dudoso éxito en el mundo literario, puesto que el éxito depende fundamentalmente de dos factores: los canales de distribución y el carácter experimental de los textos. Los circuitos de distribución determinan la presencia de los libros en los lugares corrientes donde uno va a buscar una novela. Estos proyectos ven la luz porque los mismos artistas, editoriales minúsculas e independientes o las instituciones y centros de arte deciden publicarlos. No hay agentes literarios y, por tanto, viven al margen o mejor, en paralelo de las grandes empresas especializadas en literatura. Por otro lado, leyendo estos textos, el lector descubre que se trata de un ejercicio de reinvención del lenguaje y la escritura destinada a relacionarse con la producción artística; así, estos libros quieren ser leídos por aquellos a quienes interese el arte contemporáneo, aunque esta no sea una intención explícita. El proyecto, pensado para el Centro de Estudios y Documentación del MACBA, tiene una fecha de apertura y cierre, pero su presentación pública constituye solo su inicio. Es un primer paso para dar a conocer los volúmenes de los que disponemos hasta el momento: más de 150 títulos escritos por 60 artistas internacionales, la mayoría pertenecientes a una misma generación. Este es el resultado que arroja un año de rastreo y que crecerá a medida que se localicen más textos. En muchos casos sabemos de su existencia y publicación, pero resulta complicado obtener copias. El escaso número de ejemplares publicados y la gran diversidad de mundos en los que se distribuyen no facilitan la tarea de localización, a lo que hay que añadir el hecho de que muchos son ya libros de «culto» o muy buscados por la comunidad artística. La inauguración de El mal de escritura debe entenderse como la apertura al público de una biblioteca que no solo tiene continuación sino que podrá adoptar múltiples formatos expositivos o de consulta. Esta primera versión es fruto de la colaboración con el artista Xabier Salaberria, quien ha diseñado el espacio. La biblioteca no está ordenada por materias. Sería casi imposible realizar esa distribución sin inventar categorías de un modo borgiano para ordenar los volúmenes. Los libros se distribuyen en el espacio de forma que cada cual vaya descubriendo qué es qué y la mejor manera de relacionarse con ellos. Algunos son textos cortos, otros novelas que requieren tiempo para su lectura, lo que signifi ca que hay que acudir con voluntad de leer y de estar con los libros. Hay más de un ejemplar a disposición del lector y usuario, de modo que un mismo texto puede ser leído por varias personas simultáneamente. El mal de escritura da cuenta del creciente interés del Museo por la escritura. Un interés que comparte el Programa de Estudios Independientes (PEI) del MACBA y que en 2010 dará lugar a un debate y a una serie de actividades que abordarán el estado de la crítica y los ejercicios de imaginación radical que suponen las iniciativas como esta exposición. El proyecto incluye tres trabajos realizados específicamente para esta primera presentación: El mundo explicado, del artista mejicano afi ncado en Barcelona Erick Beltrán; el texto Pourquoi Malady?, del danés Jørgen Michaelsen, y 60 cartas, de David Bestué y Marc Vives. El mundo explicado es un compendio de las teorías del denominado «hombre de a pie», cuyo segundo volumen se va produciendo e imprimiendo día a día en el mismo Centro de Estudios y Documentación. Erick Beltrán utiliza una impresora Hartmann instalada en el espacio del Centro para imprimir casi a diario una enciclopedia singular, fruto de las teorías sobre el mundo recogidas por un grupo de entrevistadores en los alrededores del Museo. Así, pliego a pliego va tomando cuerpo un libro, un segundo volumen que se suma al que Beltrán realizase durante la pasada bienal de São Paulo (2008). El dúo Bestué/Vives propone el envío de cien cartas a personas e instituciones de nuestra ciudad. La intención es intentar establecer un contacto directo y personal con una serie de personas escogidas por los artistas a través de estas misivas. El desuso en el que ha caído el género epistolar añade rareza al proyecto, puesto que refleja, en palabras de los artistas, un esfuerzo por generar un «gesto» para propiciar una respuesta, la comunicación con los destinatarios. El texto las cartas tiene la misión de interpelar el modo de insertarse en la realidad de cada una de estas personas que participan muy directamente en la construcción de Barcelona. (Extraido de www.macba.cat) arteeq El mal de escritura. Un proyecto sobre texto e imaginación especulativa El mal de escritura es un proyecto algo distinto a lo que estamos acostumbrados. Se trata de una colección de libros, opúsculos, panfletos, cuartillas, escritos todos por artistas y que constituyen una biblioteca muy singular. Si tradicionalmente se distingue entre libros de artista y textos teóricos/críticos/biográficos escritos por artistas, lo que tenemos aquí son textos de ficción: ficción académica, ficción literaria, ficción política y fi cción poética. Libros pensados, producidos y, en su gran mayoría, publicados por artistas y que, sin embargo, no son libros de artista. Novelas y ficciones de distinto tipo y de dudoso éxito en el mundo literario, puesto que el éxito depende fundamentalmente de dos factores: los canales de distribución y el carácter experimental de los textos. Los circuitos de distribución determinan la presencia de los libros en los lugares corrientes donde uno va a buscar una novela. Estos proyectos ven la luz porque los mismos artistas, editoriales minúsculas e independientes o las instituciones y centros de arte deciden publicarlos. No hay agentes literarios y, por tanto, viven al margen o mejor, en paralelo de las grandes empresas especializadas en literatura. Por otro lado, leyendo estos textos, el lector descubre que se trata de un ejercicio de reinvención del lenguaje y la escritura destinada a relacionarse con la producción artística; así, estos libros quieren ser leídos por aquellos a quienes interese el arte contemporáneo, aunque esta no sea una intención explícita. El proyecto, pensado para el Centro de Estudios y Documentación del MACBA, tiene una fecha de apertura y cierre, pero su presentación pública constituye solo su inicio. Es un primer paso para dar a conocer los volúmenes de los que disponemos hasta el momento: más de 150 títulos escritos por 60 artistas internacionales, la mayoría pertenecientes a una misma generación. Este es el resultado que arroja un año de rastreo y que crecerá a medida que se localicen más textos. En muchos casos sabemos de su existencia y publicación, pero resulta complicado obtener copias. El escaso número de ejemplares publicados y la gran diversidad de mundos en los que se distribuyen no facilitan la tarea de localización, a lo que hay que añadir el hecho de que muchos son ya libros de «culto» o muy buscados por la comunidad artística. La inauguración de El mal de escritura debe entenderse como la apertura al público de una biblioteca que no solo tiene continuación sino que podrá adoptar múltiples formatos expositivos o de consulta. Esta primera versión es fruto de la colaboración con el artista Xabier Salaberria, quien ha diseñado el espacio. La biblioteca no está ordenada por materias. Sería casi imposible realizar esa distribución sin inventar categorías de un modo borgiano para ordenar los volúmenes. Los libros se distribuyen en el espacio de forma que cada cual vaya descubriendo qué es qué y la mejor manera de relacionarse con ellos. Algunos son textos cortos, otros novelas que requieren tiempo para su lectura, lo que signifi ca que hay que acudir con voluntad de leer y de estar con los libros. Hay más de un ejemplar a disposición del lector y usuario, de modo que un mismo texto puede ser leído por varias personas simultáneamente. El mal de escritura da cuenta del creciente interés del Museo por la escritura. Un interés que comparte el Programa de Estudios Independientes (PEI) del MACBA y que en 2010 dará lugar a un debate y a una serie de actividades que abordarán el estado de la crítica y los ejercicios de imaginación radical que suponen las iniciativas como esta exposición. El proyecto incluye tres trabajos realizados específicamente para esta primera presentación: El mundo explicado, del artista mejicano afi ncado en Barcelona Erick Beltrán; el texto Pourquoi Malady?, del danés Jørgen Michaelsen, y 60 cartas, de David Bestué y Marc Vives. El mundo explicado es un compendio de las teorías del denominado «hombre de a pie», cuyo segundo volumen se va produciendo e imprimiendo día a día en el mismo Centro de Estudios y Documentación. Erick Beltrán utiliza una impresora Hartmann instalada en el espacio del Centro para imprimir casi a diario una enciclopedia singular, fruto de las teorías sobre el mundo recogidas por un grupo de entrevistadores en los alrededores del Museo. Así, pliego a pliego va tomando cuerpo un libro, un segundo volumen que se suma al que Beltrán realizase durante la pasada bienal de São Paulo (2008). El dúo Bestué/Vives propone el envío de cien cartas a personas e instituciones de nuestra ciudad. La intención es intentar establecer un contacto directo y personal con una serie de personas escogidas por los artistas a través de estas misivas. El desuso en el que ha caído el género epistolar añade rareza al proyecto, puesto que refleja, en palabras de los artistas, un esfuerzo por generar un «gesto» para propiciar una respuesta, la comunicación con los destinatarios. El texto las cartas tiene la misión de interpelar el modo de insertarse en la realidad de cada una de estas personas que participan muy directamente en la construcción de Barcelona. (Extraido de www.macba.cat) http://www.arteeq.com/esp/evento/91/ http://www.arteeq.com/esp/evento/91/ Thu, 19 Nov 2009 23:00:00 GMT El, mal, de, escritura, es, un, proyecto, algo, distinto, a, lo, que estamos, acostumbrados., Se, trata, de, una, colección, de, libros,, opúsculos, panfletos,, cuartillas,, escritos, todos, por, artistas, y, que, constituyen una, biblioteca, muy, singular., Si, tradicionalmente, se, distingue, entre, libros, de, artista, y, textos teóricos/críticos/biográficos, escritos, por, artistas,, lo, que, tenemos aquí, son, textos, de, ficción:, ficción, académica,, ficción, literaria, ficción, política, y, fi, cción, poética., Libros, pensados,, producidos, y,, en su, gran, mayoría,, publicados, por, artistas, y, que,, sin, embargo,, no, son libros, de, artista., Novelas, y, ficciones, de, distinto, tipo, y, de, dudoso éxito, en, el, mundo, literario,, puesto, que, el, éxito, depende fundamentalmente, de, dos, factores:, los, canales, de, distribución, y, el carácter, experimental, de, los, textos. Los, circuitos, de, distribución, determinan, la, presencia, de, los, libros en, los, lugares, corrientes, donde, uno, va, a, buscar, una, novela., Estos proyectos, ven, la, luz, porque, los, mismos, artistas,, editoriales, minúsculas e, independientes, o, las, instituciones, y, centros, de, arte, deciden publicarlos., No, hay, agentes, literarios, y,, por, tanto,, viven, al, margen, o mejor,, en, paralelo, de, las, grandes, empresas, especializadas, en literatura., Por, otro, lado,, leyendo, estos, textos,, el, lector, descubre, que se, trata, de, un, ejercicio, de, reinvención, del, lenguaje, y, la, escritura destinada, a, relacionarse, con, la, producción, artística;, así,, estos, libros quieren, ser, leídos, por, aquellos, a, quienes, interese, el, arte contemporáneo,, aunque, esta, no, sea, una, intención, explícita., El, proyecto,, pensado, para, el, Centro, de, Estudios, y, Documentación, del MACBA,, tiene, una, fecha, de, apertura, y, cierre,, pero, su, presentación pública, constituye, solo, su, inicio., Es, un, primer, paso, para, dar, a, conocer los, volúmenes, de, los, que, disponemos, hasta, el, momento:, más, de, 150 títulos, escritos, por, 60, artistas, internacionales,, la, mayoría pertenecientes, a, una, misma, generación., Este, es, el, resultado, que, arroja un, año, de, rastreo, y, que, crecerá, a, medida, que, se, localicen, más, textos. En, muchos, casos, sabemos, de, su, existencia, y, publicación,, pero, resulta complicado, obtener, copias., El, escaso, número, de, ejemplares, publicados, y la, gran, diversidad, de, mundos, en, los, que, se, distribuyen, no, facilitan, la tarea, de, localización,, a, lo, que, hay, que, añadir, el, hecho, de, que, muchos son, ya, libros, de, «culto», o, muy, buscados, por, la, comunidad, artística., La inauguración, de, El, mal, de, escritura, debe, entenderse, como, la apertura, al, público, de, una, biblioteca, que, no, solo, tiene, continuación sino, que, podrá, adoptar, múltiples, formatos, expositivos, o, de, consulta. Esta, primera, versión, es, fruto, de, la, colaboración, con, el, artista, Xabier Salaberria,, quien, ha, diseñado, el, espacio., La, biblioteca, no, está, ordenada, por, materias., Sería, casi, imposible realizar, esa, distribución, sin, inventar, categorías, de, un, modo, borgiano para, ordenar, los, volúmenes., Los, libros, se, distribuyen, en, el, espacio, de forma, que, cada, cual, vaya, descubriendo, qué, es, qué, y, la, mejor, manera, de relacionarse, con, ellos., Algunos, son, textos, cortos,, otros, novelas, que requieren, tiempo, para, su, lectura,, lo, que, signifi, ca, que, hay, que, acudir con, voluntad, de, leer, y, de, estar, con, los, libros., Hay, más, de, un, ejemplar a, disposición, del, lector, y, usuario,, de, modo, que, un, mismo, texto, puede ser, leído, por, varias, personas, simultáneamente. El, mal, de, escritura, da, cuenta, del, creciente, interés, del Museo, por, la, escritura., Un, interés, que, comparte, el, Programa, de, Estudios Independientes, (PEI), del, MACBA, y, que, en, 2010, dará, lugar, a, un, debate, y, a una, serie, de, actividades, que, abordarán, el, estado, de, la, crítica, y, los ejercicios, de, imaginación, radical, que, suponen, las, iniciativas, como, esta exposición. El, proyecto, incluye, tres, trabajos, realizados, específicamente, para, esta, primera, presentación:, El, mundo, explicado,, del, artista, mejicano, afi, ncado, en, Barcelona, Erick, Beltrán;, el, texto, Pourquoi, Malady?,, del, danés, Jørgen, Michaelsen,, y, 60, cartas,, de, David, Bestué, y, Marc, Vives. El, mundo, explicado, es, un, compendio, de, las, teorías, del denominado, «hombre, de, a, pie»,, cuyo, segundo, volumen, se, va, produciendo, e imprimiendo, día, a, día, en, el, mismo, Centro, de, Estudios, y, Documentación. Erick, Beltrán, utiliza, una, impresora, Hartmann, instalada, en, el, espacio del, Centro, para, imprimir, casi, a, diario, una, enciclopedia, singular,, fruto de, las, teorías, sobre, el, mundo, recogidas, por, un, grupo, de, entrevistadores en, los, alrededores, del, Museo., Así,, pliego, a, pliego, va, tomando, cuerpo, un libro,, un, segundo, volumen, que, se, suma, al, que, Beltrán, realizase, durante la, pasada, bienal, de, São, Paulo, (2008). El, dúo, Bestué/Vives, propone, el, envío, de, cien, cartas, a, personas, e instituciones, de, nuestra, ciudad., La, intención, es, intentar, establecer, un contacto, directo, y, personal, con, una, serie, de, personas, escogidas, por, los artistas, a, través, de, estas, misivas., El, desuso, en, el, que, ha, caído, el género, epistolar, añade, rareza, al, proyecto,, puesto, que, refleja,, en palabras, de, los, artistas,, un, esfuerzo, por, generar, un, «gesto», para propiciar, una, respuesta,, la, comunicación, con, los, destinatarios., El texto, las, cartas, tiene, la, misión, de, interpelar, el, modo, de, insertarse en, la, realidad, de, cada, una, de, estas, personas, que, participan, muy directamente, en, la, construcción, de, Barcelona. (Extraido, de, www.macba.cat) Para referirnos a cualquier cosa disponemos, al menos, de dos opciones: aludirla directamente o hacerlo a través de una metáfora. Asimismo, para interpretar una imagen también se puede hacer al menos de dos modos: a través de su descripción o dejándonos llevar por lo que dice más allá de lo que vemos. Más allá de los elementos que componen lo que percibimos. Es decir, a partir de lo que nos sugiere. Eso es, entre líneas. Si, en ambos casos, la primera de las dos opciones apenas alberga algún misterio, la segunda es la que nos brinda la posibilidad de interaccionar. Porque en la traslación que opera tanto en la metáfora como en el tino de los elementos que configuran una obra es donde reposa esa parte de nosotros que hasta entonces parecía dormida. Antes de hallarnos frente a lo que interpela. Antes de vernos en lo que contemplamos. O no. Todo depende del poder de persuasión. De un texto, de una obra. Como si de un texto se tratara, las fotografías de Frédéric Nauczyciel nos hablan de nosotros a través de la representación de algunos de esos mitos que se generan en el ámbito familiar. De aquello que hay de nosotros en esta serie de fotografías en las que unos personajes, minuciosamente dirigidos, interpretan una función para conseguir una finalidad: situar al espectador frente a la representación de una realidad aparentemente ajena, aunque íntimamente relacionada con su modo de ser, su forma de pensar, su modo de entender el mundo. Es por ello que sus obras son reflexiones en voz alta. O como fragmentos congelados de la interiorización de una realidad. Impresiones íntimas de una verdad tan hermética como común. Interesado por la fotografía desde 1997 a través del uso de una Polaroid y dedicado de lleno a explorar sus posibilidades tras el impacto que le causaron las exposiciones Anthropologie Involontaire en el Hôtel de Sully y, sobre todo, la retrospectiva consagrada a Philip-Lorca Di Corcia en el Centre National de la Photographie de París en 2003, Frédéric Nauczyciel (París, 1968) es un artista cuya carrera se inicia en 2004 a partir de la decisión de abandonar su trabajo como administrador, realizar una corta formación en técnica fotográfica y, sobre todo, aunar la pasión que siente por la pintura con la fotografía americana, el cine que visiona durante su etapa de adolescente y la variedad de colaboraciones que, a través de sus contactos con el mundo de la danza y el teatro, lleva a cabo desde hace un par de años con actores, coreógrafos, bailarines y el público, esa masa de la que formamos parte tras la cuarta pared en una representación teatral. Iniciada por casualidad en Estocolmo y terminada en Francia tres años después, la serie de la cual surge esta presentación de Íntima morada. Fotogramas de la intimidad familiar, 2005-2008, es lo que se podría denominar un trabajo de campo en torno a los usos, costumbres y actitudes de la familia a partir de una estancia de dos días y dos noches en distintos núcleos familiares escogidos al azar en ciudades de Suecia, Francia y España. De importante carácter autobiográfico por la relación de sus tableaux domésticos con las imágenes que recuerda de su entorno íntimo y familiar, entre los aspectos que hacen de esta serie el retrato polifónico de lo que nos configura como seres humanos deberíamos mencionar, además de su impecable factura técnica, el protagonismo de la luz en el dramatismo de sus imágenes, la reducción de referencias locales a la mínima expresión, la relación que a lo largo de toda la serie se establece entre los espacios interior y exterior, y la certeza de estar contemplando distintas secuencias de una representación de la que, también en su día, fuimos nosotros los protagonistas. ¿Quién no recuerda su complicidad con el abuelo, el sentido adiós de una madre, la distancia con y entre sus progenitores, el descubrimiento de los secretos inconfesables, la distancia entre nosotros y ese mundo abstracto y desconocido? Liberados del yugo de la identidad y convertidos en la encarnación de un sentimiento global, los personajes que aparecen en esta serie de Frédéric Nauczyciel son los protagonistas de un documento susceptible de revelar tanto algo relacionado con nuestra propia presencia en el mundo como con la voluntad secreta de quien, como el artista, se interesa por esas cosas que, por pequeñas que sean, dicen tanto de nosotros como el silencio que nos rodea. (Extraido de www.bcn.cat/virreinacentredelaimatge) arteeq FRÉDÉRIC NAUCZYCIEL. Íntima morada. Fotogramas de la intimidad familiar Para referirnos a cualquier cosa disponemos, al menos, de dos opciones: aludirla directamente o hacerlo a través de una metáfora. Asimismo, para interpretar una imagen también se puede hacer al menos de dos modos: a través de su descripción o dejándonos llevar por lo que dice más allá de lo que vemos. Más allá de los elementos que componen lo que percibimos. Es decir, a partir de lo que nos sugiere. Eso es, entre líneas. Si, en ambos casos, la primera de las dos opciones apenas alberga algún misterio, la segunda es la que nos brinda la posibilidad de interaccionar. Porque en la traslación que opera tanto en la metáfora como en el tino de los elementos que configuran una obra es donde reposa esa parte de nosotros que hasta entonces parecía dormida. Antes de hallarnos frente a lo que interpela. Antes de vernos en lo que contemplamos. O no. Todo depende del poder de persuasión. De un texto, de una obra. Como si de un texto se tratara, las fotografías de Frédéric Nauczyciel nos hablan de nosotros a través de la representación de algunos de esos mitos que se generan en el ámbito familiar. De aquello que hay de nosotros en esta serie de fotografías en las que unos personajes, minuciosamente dirigidos, interpretan una función para conseguir una finalidad: situar al espectador frente a la representación de una realidad aparentemente ajena, aunque íntimamente relacionada con su modo de ser, su forma de pensar, su modo de entender el mundo. Es por ello que sus obras son reflexiones en voz alta. O como fragmentos congelados de la interiorización de una realidad. Impresiones íntimas de una verdad tan hermética como común. Interesado por la fotografía desde 1997 a través del uso de una Polaroid y dedicado de lleno a explorar sus posibilidades tras el impacto que le causaron las exposiciones Anthropologie Involontaire en el Hôtel de Sully y, sobre todo, la retrospectiva consagrada a Philip-Lorca Di Corcia en el Centre National de la Photographie de París en 2003, Frédéric Nauczyciel (París, 1968) es un artista cuya carrera se inicia en 2004 a partir de la decisión de abandonar su trabajo como administrador, realizar una corta formación en técnica fotográfica y, sobre todo, aunar la pasión que siente por la pintura con la fotografía americana, el cine que visiona durante su etapa de adolescente y la variedad de colaboraciones que, a través de sus contactos con el mundo de la danza y el teatro, lleva a cabo desde hace un par de años con actores, coreógrafos, bailarines y el público, esa masa de la que formamos parte tras la cuarta pared en una representación teatral. Iniciada por casualidad en Estocolmo y terminada en Francia tres años después, la serie de la cual surge esta presentación de Íntima morada. Fotogramas de la intimidad familiar, 2005-2008, es lo que se podría denominar un trabajo de campo en torno a los usos, costumbres y actitudes de la familia a partir de una estancia de dos días y dos noches en distintos núcleos familiares escogidos al azar en ciudades de Suecia, Francia y España. De importante carácter autobiográfico por la relación de sus tableaux domésticos con las imágenes que recuerda de su entorno íntimo y familiar, entre los aspectos que hacen de esta serie el retrato polifónico de lo que nos configura como seres humanos deberíamos mencionar, además de su impecable factura técnica, el protagonismo de la luz en el dramatismo de sus imágenes, la reducción de referencias locales a la mínima expresión, la relación que a lo largo de toda la serie se establece entre los espacios interior y exterior, y la certeza de estar contemplando distintas secuencias de una representación de la que, también en su día, fuimos nosotros los protagonistas. ¿Quién no recuerda su complicidad con el abuelo, el sentido adiós de una madre, la distancia con y entre sus progenitores, el descubrimiento de los secretos inconfesables, la distancia entre nosotros y ese mundo abstracto y desconocido? Liberados del yugo de la identidad y convertidos en la encarnación de un sentimiento global, los personajes que aparecen en esta serie de Frédéric Nauczyciel son los protagonistas de un documento susceptible de revelar tanto algo relacionado con nuestra propia presencia en el mundo como con la voluntad secreta de quien, como el artista, se interesa por esas cosas que, por pequeñas que sean, dicen tanto de nosotros como el silencio que nos rodea. (Extraido de www.bcn.cat/virreinacentredelaimatge) http://www.arteeq.com/esp/evento/93/ http://www.arteeq.com/esp/evento/93/ Wed, 18 Nov 2009 23:00:00 GMT Para, referirnos, a, cualquier, cosa disponemos,, al, menos,, de, dos, opciones:, aludirla, directamente, o, hacerlo a, través, de, una, metáfora., Asimismo,, para, interpretar, una, imagen, también se, puede, hacer, al, menos, de, dos, modos:, a, través, de, su, descripción, o dejándonos, llevar, por, lo, que, dice, más, allá, de, lo, que, vemos., Más, allá, de los, elementos, que, componen, lo, que, percibimos., Es, decir,, a, partir, de, lo que, nos, sugiere., Eso, es,, entre, líneas., Si,, en, ambos, casos,, la, primera de, las, dos, opciones, apenas, alberga, algún, misterio,, la, segunda, es, la, que nos, brinda, la, posibilidad, de, interaccionar., Porque, en, la, traslación, que opera, tanto, en, la, metáfora, como, en, el, tino, de, los, elementos, que configuran, una, obra, es, donde, reposa, esa, parte, de, nosotros, que, hasta entonces, parecía, dormida., Antes, de, hallarnos, frente, a, lo, que, interpela. Antes, de, vernos, en, lo, que, contemplamos., O, no., Todo, depende, del, poder, de persuasión., De, un, texto,, de, una, obra. Como si, de, un, texto, se, tratara,, las, fotografías, de, Frédéric, Nauczyciel, nos hablan, de, nosotros, a, través, de, la, representación, de, algunos, de, esos mitos, que, se, generan, en, el, ámbito, familiar., De, aquello, que, hay, de nosotros, en, esta, serie, de, fotografías, en, las, que, unos, personajes, minuciosamente, dirigidos,, interpretan, una, función, para, conseguir, una finalidad:, situar, al, espectador, frente, a, la, representación, de, una realidad, aparentemente, ajena,, aunque, íntimamente, relacionada, con, su modo, de, ser,, su, forma, de, pensar,, su, modo, de, entender, el, mundo., Es, por ello, que, sus, obras, son, reflexiones, en, voz, alta., O, como, fragmentos congelados, de, la, interiorización, de, una, realidad., Impresiones, íntimas de, una, verdad, tan, hermética, como, común. Interesado por, la, fotografía, desde, 1997, a, través, del, uso, de, una, Polaroid, y dedicado, de, lleno, a, explorar, sus, posibilidades, tras, el, impacto, que, le causaron, las, exposiciones, Anthropologie, Involontaire, en, el, Hôtel, de Sully, y,, sobre, todo,, la, retrospectiva, consagrada, a, Philip-Lorca, Di Corcia, en, el, Centre, National, de, la, Photographie, de, París, en, 2003, Frédéric, Nauczyciel, (París,, 1968), es, un, artista, cuya, carrera, se, inicia en, 2004, a, partir, de, la, decisión, de, abandonar, su, trabajo, como administrador,, realizar, una, corta, formación, en, técnica, fotográfica, y, sobre, todo,, aunar, la, pasión, que, siente, por, la, pintura, con, la, fotografía americana,, el, cine, que, visiona, durante, su, etapa, de, adolescente, y, la variedad, de, colaboraciones, que,, a, través, de, sus, contactos, con, el, mundo de, la, danza, y, el, teatro,, lleva, a, cabo, desde, hace, un, par, de, años, con actores,, coreógrafos,, bailarines, y, el, público,, esa, masa, de, la, que formamos, parte, tras, la, cuarta, pared, en, una, representación, teatral. Iniciada por, casualidad, en, Estocolmo, y, terminada, en, Francia, tres, años, después, la, serie, de, la, cual, surge, esta, presentación, de, Íntima, morada. Fotogramas, de, la, intimidad, familiar,, 2005-2008,, es, lo, que, se, podría denominar, un, trabajo, de, campo, en, torno, a, los, usos,, costumbres, y actitudes, de, la, familia, a, partir, de, una, estancia, de, dos, días, y, dos noches, en, distintos, núcleos, familiares, escogidos, al, azar, en, ciudades, de Suecia,, Francia, y, España., De, importante, carácter, autobiográfico, por, la relación, de, sus, tableaux, domésticos, con, las, imágenes, que, recuerda, de, su entorno, íntimo, y, familiar,, entre, los, aspectos, que, hacen, de, esta, serie el, retrato, polifónico, de, lo, que, nos, configura, como, seres, humanos deberíamos, mencionar,, además, de, su, impecable, factura, técnica,, el protagonismo, de, la, luz, en, el, dramatismo, de, sus, imágenes,, la, reducción de, referencias, locales, a, la, mínima, expresión,, la, relación, que, a, lo largo, de, toda, la, serie, se, establece, entre, los, espacios, interior, y exterior,, y, la, certeza, de, estar, contemplando, distintas, secuencias, de una, representación, de, la, que,, también, en, su, día,, fuimos, nosotros, los protagonistas., ¿Quién, no, recuerda, su, complicidad, con, el, abuelo,, el sentido, adiós, de, una, madre,, la, distancia, con, y, entre, sus, progenitores, el, descubrimiento, de, los, secretos, inconfesables,, la, distancia, entre nosotros, y, ese, mundo, abstracto, y, desconocido? Liberados del, yugo, de, la, identidad, y, convertidos, en, la, encarnación, de, un sentimiento, global,, los, personajes, que, aparecen, en, esta, serie, de Frédéric, Nauczyciel, son, los, protagonistas, de, un, documento, susceptible de, revelar, tanto, algo, relacionado, con, nuestra, propia, presencia, en, el mundo, como, con, la, voluntad, secreta, de, quien,, como, el, artista,, se interesa, por, esas, cosas, que,, por, pequeñas, que, sean,, dicen, tanto, de nosotros, como, el, silencio, que, nos, rodea. (Extraido, de, www.bcn.cat/virreinacentredelaimatge) La mirada del artista es el título del ciclo de exposiciones en el que se invita a un artista a realizar una exposición de las obras de la Colección de Arte Contemporáneo. Este año, el artista invitado es Luis Gordillo, uno de los pintores más importantes que ha tenido nuestro país. Durante un año, Gordillo se ha adentrado en este fondo de arte explorando detenidamente cada una de las obras que lo componen. De esta experiencia, ha extraído una selección de cerca de un centenar de obras con las que ofrecerá una visión muy personal de esta colección. En su propuesta, encontramos obras de estilos, soportes y procedencias distintas en un montaje que genera relaciones insospechadas y encuentros insólitos entre obras que no te dejarán indiferente. (Extraido de www.fundacio.lacaixa.es) arteeq La mirada del artista. Cosmética dogmática La mirada del artista es el título del ciclo de exposiciones en el que se invita a un artista a realizar una exposición de las obras de la Colección de Arte Contemporáneo. Este año, el artista invitado es Luis Gordillo, uno de los pintores más importantes que ha tenido nuestro país. Durante un año, Gordillo se ha adentrado en este fondo de arte explorando detenidamente cada una de las obras que lo componen. De esta experiencia, ha extraído una selección de cerca de un centenar de obras con las que ofrecerá una visión muy personal de esta colección. En su propuesta, encontramos obras de estilos, soportes y procedencias distintas en un montaje que genera relaciones insospechadas y encuentros insólitos entre obras que no te dejarán indiferente. (Extraido de www.fundacio.lacaixa.es) http://www.arteeq.com/esp/evento/80/ http://www.arteeq.com/esp/evento/80/ Mon, 16 Nov 2009 23:00:00 GMT La, mirada, del, artista, es, el, título, del, ciclo, de, exposiciones, en, el, que se, invita, a, un, artista, a, realizar, una, exposición, de, las, obras, de, la Colección, de, Arte, Contemporáneo., Este, año,, el, artista, invitado, es, Luis Gordillo,, uno, de, los, pintores, más, importantes, que, ha, tenido, nuestro país., Durante, un, año,, Gordillo, se, ha, adentrado, en, este, fondo, de, arte explorando, detenidamente, cada, una, de, las, obras, que, lo, componen., De, esta experiencia,, ha, extraído, una, selección, de, cerca, de, un, centenar, de, obras con, las, que, ofrecerá, una, visión, muy, personal, de, esta, colección., En, su propuesta,, encontramos, obras, de, estilos,, soportes, y, procedencias distintas, en, un, montaje, que, genera, relaciones, insospechadas, y encuentros, insólitos, entre, obras, que, no, te, dejarán, indiferente. (Extraido, de, www.fundacio.lacaixa.es) Ray Johnson (Detroit, 1927 Nueva York, 1995) es uno de los artistas norteamericanos más desconocidos e influyentes de su generación. Esta exposición, la primera que se le dedica en España, plantea un recorrido a través de sus collages y correspondencias. A finales de los años cuarenta, Ray Johnson estudió pintura con Josef Albers en Black Mountain College, donde conoció a Bill de Kooning, Richard Lippold, Merce Cunningham y John Cage. Tras esta etapa se traslada a Nueva York, donde a mediados de los años cincuenta abandona la pintura en búsqueda de un nuevo modo de expresión, construyendo collages a partir de fragmentos de sus pinturas abstractas. Se trata de collages que a su vez se convertirían en elementos con los que construirá piezas más complejas, en las que estos fragmentos se intercalan con elementos procedentes de la cultura popular. Para ello utiliza imágenes de Elvis Presley, James Dean, Shirley Temple y Marilyn Monroe, entre otros, anticipando el imaginario que emplearía Andy Warhol durante los años sesenta. Entre sus primeros collages destacan los «moticos», unos paneles de formas irregulares que reutilizaría a lo largo de su carrera y que supusieron una crítica a la rigidez abstracta del rectángulo. También durante los años cincuenta, en paralelo al desarrollo de los collages, Ray Johnson comienza a explorar las posibilidades del Arte Postal, construyendo una red de contactos con los que intercambia ideas y trabajos. A través de este circuito envió gran cantidad de elementos, desde postales hasta partes de sus collages, dibujos con instrucciones (please add to & return…), objetos encontrados y recortes de prensa con anotaciones. En 1968 esta red de intercambios postales se consolida como la New York Correspondece School, que llegaría a ser el centro de un sistema de comunicación artística que pronto alcanzaría la dimensión de un fenómeno global. La obra en papel de Ray Johnson se basa en la unión de imágenes e ideas con el fin de generar nuevos significados a través de las yuxtaposiciones que construía y distribuía. Son yuxtaposiciones que, en muchos casos, y sobre todo en los collages, tuvieron el refuerzo de la creación de múltiples estratos que se iban añadiendo a lo largo del tiempo, por lo que la mayoría de sus collages datan de varias fechas sucesivas. También tuvo un gran interés por los sistemas semióticos y los códigos que estos crean, de modo que es frecuente encontrar en su obra juegos de palabras que le llevan a crear nuevos vocablos. La crítica institucional y una relación ambivalente con el mundo del arte también están presentes en su obra a lo largo de toda su trayectoria. Además del Arte Postal y sus collages, las performances son parte importante de su obra. En 1961 inició la serie Nothings en respuesta al trabajo de Allan Kaprow y Fluxus, aunque repetirá estas y otras performances a lo largo de su vida. Ray Johnson. Please add to & return se presenta en el MACBA al mismo tiempo que John Cage y el arte experimental. La anarquía del silencio, con lo que es una oportunidad para explorar las relaciones entre ambos artistas. En el caso de Ray Johnson las referencias a la figura y la obra de John Cage son frecuentes. Su trabajo refleja un profundo interés por la idea del azar aplicada a la práctica artística, según la desarrollara John Cage. Comisaria: Alex Sainsbury en colaboración con Chus Martínez (Extraido de www.macba.cat) arteeq Ray Johnson. Completar y devolver, por favor Ray Johnson (Detroit, 1927 Nueva York, 1995) es uno de los artistas norteamericanos más desconocidos e influyentes de su generación. Esta exposición, la primera que se le dedica en España, plantea un recorrido a través de sus collages y correspondencias. A finales de los años cuarenta, Ray Johnson estudió pintura con Josef Albers en Black Mountain College, donde conoció a Bill de Kooning, Richard Lippold, Merce Cunningham y John Cage. Tras esta etapa se traslada a Nueva York, donde a mediados de los años cincuenta abandona la pintura en búsqueda de un nuevo modo de expresión, construyendo collages a partir de fragmentos de sus pinturas abstractas. Se trata de collages que a su vez se convertirían en elementos con los que construirá piezas más complejas, en las que estos fragmentos se intercalan con elementos procedentes de la cultura popular. Para ello utiliza imágenes de Elvis Presley, James Dean, Shirley Temple y Marilyn Monroe, entre otros, anticipando el imaginario que emplearía Andy Warhol durante los años sesenta. Entre sus primeros collages destacan los «moticos», unos paneles de formas irregulares que reutilizaría a lo largo de su carrera y que supusieron una crítica a la rigidez abstracta del rectángulo. También durante los años cincuenta, en paralelo al desarrollo de los collages, Ray Johnson comienza a explorar las posibilidades del Arte Postal, construyendo una red de contactos con los que intercambia ideas y trabajos. A través de este circuito envió gran cantidad de elementos, desde postales hasta partes de sus collages, dibujos con instrucciones (please add to & return…), objetos encontrados y recortes de prensa con anotaciones. En 1968 esta red de intercambios postales se consolida como la New York Correspondece School, que llegaría a ser el centro de un sistema de comunicación artística que pronto alcanzaría la dimensión de un fenómeno global. La obra en papel de Ray Johnson se basa en la unión de imágenes e ideas con el fin de generar nuevos significados a través de las yuxtaposiciones que construía y distribuía. Son yuxtaposiciones que, en muchos casos, y sobre todo en los collages, tuvieron el refuerzo de la creación de múltiples estratos que se iban añadiendo a lo largo del tiempo, por lo que la mayoría de sus collages datan de varias fechas sucesivas. También tuvo un gran interés por los sistemas semióticos y los códigos que estos crean, de modo que es frecuente encontrar en su obra juegos de palabras que le llevan a crear nuevos vocablos. La crítica institucional y una relación ambivalente con el mundo del arte también están presentes en su obra a lo largo de toda su trayectoria. Además del Arte Postal y sus collages, las performances son parte importante de su obra. En 1961 inició la serie Nothings en respuesta al trabajo de Allan Kaprow y Fluxus, aunque repetirá estas y otras performances a lo largo de su vida. Ray Johnson. Please add to & return se presenta en el MACBA al mismo tiempo que John Cage y el arte experimental. La anarquía del silencio, con lo que es una oportunidad para explorar las relaciones entre ambos artistas. En el caso de Ray Johnson las referencias a la figura y la obra de John Cage son frecuentes. Su trabajo refleja un profundo interés por la idea del azar aplicada a la práctica artística, según la desarrollara John Cage. Comisaria: Alex Sainsbury en colaboración con Chus Martínez (Extraido de www.macba.cat) http://www.arteeq.com/esp/evento/84/ http://www.arteeq.com/esp/evento/84/ Thu, 05 Nov 2009 23:00:00 GMT Ray, Johnson, (Detroit,, 1927, , Nueva, York,, 1995), es, uno, de, los, artistas norteamericanos, más, desconocidos, e, influyentes, de, su, generación., Esta exposición,, la, primera, que, se, le, dedica, en, España,, plantea, un, recorrido a, través, de, sus, collages, y, correspondencias. A, finales, de, los, años, cuarenta,, Ray, Johnson, estudió, pintura, con Josef, Albers, en, Black, Mountain, College,, donde, conoció, a, Bill, de Kooning,, Richard, Lippold,, Merce, Cunningham, y, John, Cage., Tras, esta, etapa se, traslada, a, Nueva, York,, donde, a, mediados, de, los, años, cincuenta abandona, la, pintura, en, búsqueda, de, un, nuevo, modo, de, expresión, construyendo, collages, a, partir, de, fragmentos, de, sus, pinturas abstractas., Se, trata, de, collages, que, a, su, vez, se, convertirían, en elementos, con, los, que, construirá, piezas, más, complejas,, en, las, que, estos fragmentos, se, intercalan, con, elementos, procedentes, de, la, cultura popular., Para, ello, utiliza, imágenes, de, Elvis, Presley,, James, Dean, Shirley, Temple, y, Marilyn, Monroe,, entre, otros,, anticipando, el, imaginario que, emplearía, Andy, Warhol, durante, los, años, sesenta., Entre, sus, primeros collages, destacan, los, «moticos»,, unos, paneles, de, formas, irregulares, que reutilizaría, a, lo, largo, de, su, carrera, y, que, supusieron, una, crítica, a, la rigidez, abstracta, del, rectángulo. También, durante, los, años, cincuenta,, en, paralelo, al, desarrollo, de los, collages,, Ray, Johnson, comienza, a, explorar, las, posibilidades, del Arte, Postal,, construyendo, una, red, de, contactos, con, los, que, intercambia ideas, y, trabajos., A, través, de, este, circuito, envió, gran, cantidad, de elementos,, desde, postales, hasta, partes, de, sus, collages,, dibujos, con instrucciones, (please, add, to, &, return…),, objetos, encontrados, y, recortes, de, prensa, con, anotaciones., En, 1968, esta, red, de, intercambios, postales, se, consolida, como, la, , New, York, Correspondece, School, que, llegaría, a, ser, el, centro, de, un, sistema, de, comunicación, artística que, pronto, alcanzaría, la, dimensión, de, un, fenómeno, global., La, obra, en, papel, de, Ray, Johnson, se, basa, en, la, unión, de, imágenes, e ideas, con, el, fin, de, generar, nuevos, significados, a, través, de, las yuxtaposiciones, que, construía, y, distribuía., Son, yuxtaposiciones, que,, en muchos, casos,, y, sobre, todo, en, los, collages,, tuvieron, el, refuerzo, de, la creación, de, múltiples, estratos, que, se, iban, añadiendo, a, lo, largo, del tiempo,, por, lo, que, la, mayoría, de, sus, collages, datan, de, varias, fechas sucesivas., También, tuvo, un, gran, interés, por, los, sistemas, semióticos, y los, códigos, que, estos, crean,, de, modo, que, es, frecuente, encontrar, en, su obra, juegos, de, palabras, que, le, llevan, a, crear, nuevos, vocablos., La crítica, institucional, y, una, relación, ambivalente, con, el, mundo, del, arte también, están, presentes, en, su, obra, a, lo, largo, de, toda, su, trayectoria. Además, del, Arte, Postal, y, sus, collages,, las, performances, son, parte, importante, de, su, obra., En, 1961, inició, la, serie, Nothings, en, respuesta, al, trabajo, de, Allan, Kaprow, y, Fluxus,, aunque, repetirá, estas, y, otras, performances, a, lo, largo, de, su, vida. Ray, Johnson., Please, add, to, &, return, se, presenta, en, el, MACBA, al, mismo, tiempo, que, John, Cage, y, el, arte, experimental., La, anarquía, del, silencio, con, lo, que, es, una, oportunidad, para, explorar, las, relaciones, entre, ambos artistas., En, el, caso, de, Ray, Johnson, las, referencias, a, la, figura, y, la obra, de, John, Cage, son, frecuentes., Su, trabajo, refleja, un, profundo interés, por, la, idea, del, azar, aplicada, a, la, práctica, artística,, según, la desarrollara, John, Cage., Comisaria:, Alex, Sainsbury, en, colaboración, con, Chus, Martínez (Extraido, de, www.macba.cat) La exposición muestra un recorrido por la obra del escultor, pintor, arquitecto y teórico del arte Georges Vantongerloo (Amberes, 1886 París, 1965). A pesar de ser uno de los artistas-pensadores más importantes del siglo XX, las exposiciones que se han realizado de Vantongerloo hasta el momento han sido escasas. Comisariada por Guy Brett, la exposición que el Museo organiza sobre el artista tratará de mostrar la base de su obra en la que la re-conceptualización del espacio pictórico y escultórico marcó las tendencias artísticas del arte abstracto de los primeros años del siglo XX. También se intentará resaltar el último periodo de su trabajo después de la Segunda Guerra Mundial en el que, en una sucesión de saltos radicales, el creador llegó a una original e intuitiva encapsulación visual de las energías del Universo. La muestra trazará, por lo tanto, la evolución del artista desde sus inicios con Constructions in the Sphere (1917), hasta sus años como miembro del Grupo De Stijl o del grupo Abstraction-Création (cuando producía pinturas geométricas basadas en un ángulo recto), pasando por la introducción de la curva en sus pinturas de finales de los años 30. Por otro lado, la exposición recogerá los trabajos realizados después de la Segunda Guerra Mundial con las series realizadas en plexiglás, modelos prismáticos y pinturas que buscaban un parecido o equivalencia con el fenómeno cósmico -radiación, radioactividad, electromagnetismo, atracción/repulsión- que continuaría hasta su muerte. Inscrito en la experiencia de las vanguardias históricas y marcado por la invención de la abstracción que ha visto la eclosión de obras maestras como las de Mondrian, Malevitch y Kandisky, en 1917, Vantongerloo firmaría el manifiesto del grupo De Stijl, junto a Mondrian y Van Doesburg. En los años veinte, una parte importante de su investigación se centró en el color como fenómeno físico y perceptivo. Más tarde, Vantongerloo concebirá sus obras según reglas estrictamente geométricas, después algebraicas, para convertirse así en el fundador del pensamiento matemático en el arte de nuestra época. Verdadero pionero en el terreno de la escultura abstracta, el artista seguirá, después de 1945, proponiendo versiones peculiares de la misma, abandonando toda referencia a una geometría construida y abriéndose a un acercamiento subjetivo al universo de la cosmología. (Extraido de www.museoreinasofia.es) arteeq Georges Vantongerloo. Un anhelo de infinito La exposición muestra un recorrido por la obra del escultor, pintor, arquitecto y teórico del arte Georges Vantongerloo (Amberes, 1886 París, 1965). A pesar de ser uno de los artistas-pensadores más importantes del siglo XX, las exposiciones que se han realizado de Vantongerloo hasta el momento han sido escasas. Comisariada por Guy Brett, la exposición que el Museo organiza sobre el artista tratará de mostrar la base de su obra en la que la re-conceptualización del espacio pictórico y escultórico marcó las tendencias artísticas del arte abstracto de los primeros años del siglo XX. También se intentará resaltar el último periodo de su trabajo después de la Segunda Guerra Mundial en el que, en una sucesión de saltos radicales, el creador llegó a una original e intuitiva encapsulación visual de las energías del Universo. La muestra trazará, por lo tanto, la evolución del artista desde sus inicios con Constructions in the Sphere (1917), hasta sus años como miembro del Grupo De Stijl o del grupo Abstraction-Création (cuando producía pinturas geométricas basadas en un ángulo recto), pasando por la introducción de la curva en sus pinturas de finales de los años 30. Por otro lado, la exposición recogerá los trabajos realizados después de la Segunda Guerra Mundial con las series realizadas en plexiglás, modelos prismáticos y pinturas que buscaban un parecido o equivalencia con el fenómeno cósmico -radiación, radioactividad, electromagnetismo, atracción/repulsión- que continuaría hasta su muerte. Inscrito en la experiencia de las vanguardias históricas y marcado por la invención de la abstracción que ha visto la eclosión de obras maestras como las de Mondrian, Malevitch y Kandisky, en 1917, Vantongerloo firmaría el manifiesto del grupo De Stijl, junto a Mondrian y Van Doesburg. En los años veinte, una parte importante de su investigación se centró en el color como fenómeno físico y perceptivo. Más tarde, Vantongerloo concebirá sus obras según reglas estrictamente geométricas, después algebraicas, para convertirse así en el fundador del pensamiento matemático en el arte de nuestra época. Verdadero pionero en el terreno de la escultura abstracta, el artista seguirá, después de 1945, proponiendo versiones peculiares de la misma, abandonando toda referencia a una geometría construida y abriéndose a un acercamiento subjetivo al universo de la cosmología. (Extraido de www.museoreinasofia.es) http://www.arteeq.com/esp/evento/81/ http://www.arteeq.com/esp/evento/81/ Tue, 03 Nov 2009 23:00:00 GMT La, exposición, muestra, un, recorrido, por, la, obra, del, escultor,, pintor, arquitecto, y, teórico, del, arte, Georges, Vantongerloo, (Amberes,, 1886, París,, 1965)., A, pesar, de, ser, uno, de, los, artistas-pensadores, más, importantes, del, siglo XX,, las, exposiciones, que, se, han, realizado, de, Vantongerloo, hasta, el momento, han, sido, escasas., Comisariada, por, Guy, Brett,, la, exposición, que el, Museo, organiza, sobre, el, artista, tratará, de, mostrar, la, base, de, su obra, en, la, que, la, re-conceptualización, del, espacio, pictórico, y escultórico, marcó, las, tendencias, artísticas, del, arte, abstracto, de, los primeros, años, del, siglo, XX., También, se, intentará, resaltar, el, último periodo, de, su, trabajo, después, de, la, Segunda, Guerra, Mundial, en, el, que, en, una, sucesión, de, saltos, radicales,, el, creador, llegó, a, una, original, e intuitiva, encapsulación, visual, de, las, energías, del, Universo., La, muestra, trazará,, por, lo, tanto,, la, evolución, del, artista, desde, sus, inicios, con, Constructions, in, the, Sphere, (1917),, hasta, sus, años, como, miembro, del, Grupo, De, Stijl, o, del, grupo, Abstraction-Création (cuando, producía, pinturas, geométricas, basadas, en, un, ángulo, recto), pasando, por, la, introducción, de, la, curva, en, sus, pinturas, de, finales, de los, años, 30., Por, otro, lado,, la, exposición, recogerá, los, trabajos, realizados, después de, la, Segunda, Guerra, Mundial, con, las, series, realizadas, en, plexiglás, modelos, prismáticos, y, pinturas, que, buscaban, un, parecido, o, equivalencia con, el, fenómeno, cósmico, -radiación,, radioactividad,, electromagnetismo, atracción/repulsión-, que, continuaría, hasta, su, muerte., Inscrito, en, la, experiencia, de, las, vanguardias, históricas, y, marcado, por la, invención, de, la, abstracción, que, ha, visto, la, eclosión, de, obras maestras, como, las, de, Mondrian,, Malevitch, y, Kandisky,, en, 1917, Vantongerloo, firmaría, el, manifiesto, del, grupo, De, Stijl,, junto, a, Mondrian, y, Van, Doesburg., En, los, años, veinte,, una, parte, importante, de, su, investigación, se, centró en, el, color, como, fenómeno, físico, y, perceptivo., Más, tarde,, Vantongerloo concebirá, sus, obras, según, reglas, estrictamente, geométricas,, después algebraicas,, para, convertirse, así, en, el, fundador, del, pensamiento matemático, en, el, arte, de, nuestra, época., Verdadero, pionero, en, el, terreno de, la, escultura, abstracta,, el, artista, seguirá,, después, de, 1945, proponiendo, versiones, peculiares, de, la, misma,, abandonando, toda referencia, a, una, geometría, construida, y, abriéndose, a, un, acercamiento subjetivo, al, universo, de, la, cosmología. (Extraido, de, www.museoreinasofia.es) La Virreina Centro de la Imagen presenta la primera gran exposición individual del fotógrafo surcoreano NOH Suntag que puede verse en España, compuesta por unas 200 fotografías. NOH, nacido en Seúl en 1971, se encuentra entre los fotógrafos más avanzados de Corea del Sur, y en los últimos años su trabajo ha sido objeto de gran atención en aquel país. Las obras de esta exposición corresponden al periodo comprendido entre los años 2000 y 2007. Sus series, que el artista suele desarrollar a lo largo de varios años y que están formadas por fotografías tanto en blanco y negro como en color, reflejan situaciones de conflicto en la sociedad coreana contemporánea. Estos conflictos se remontan a la división y la guerra entre Corea del Norte y Corea del Sur, las dictaduras en ambas partes del país (en el Sur, hasta 1987) y el capitalismo galopante en Corea del Sur desde la década de 1990. La imagen de Corea que nos muestra NOH es la de un constante estado de excepción. NOH, que crea sus fotografías tanto en Corea del Norte como en Corea del Sur, está interesado en las ambivalencias y las rupturas dentro de las dos sociedades y entre ellas: su relación especular, la presencia militar y los extremismos ideológicos en ambos lados, la relación entre el individuo y las masas, y las situaciones —tanto sutiles como abiertamente violentas— que impregnan la vida cotidiana por igual en Corea del Sur y en Corea del Norte. (Extraido de www.bcn.cat/virreinacentredelaimatge) arteeq NOH Suntag. Estado de excepción La Virreina Centro de la Imagen presenta la primera gran exposición individual del fotógrafo surcoreano NOH Suntag que puede verse en España, compuesta por unas 200 fotografías. NOH, nacido en Seúl en 1971, se encuentra entre los fotógrafos más avanzados de Corea del Sur, y en los últimos años su trabajo ha sido objeto de gran atención en aquel país. Las obras de esta exposición corresponden al periodo comprendido entre los años 2000 y 2007. Sus series, que el artista suele desarrollar a lo largo de varios años y que están formadas por fotografías tanto en blanco y negro como en color, reflejan situaciones de conflicto en la sociedad coreana contemporánea. Estos conflictos se remontan a la división y la guerra entre Corea del Norte y Corea del Sur, las dictaduras en ambas partes del país (en el Sur, hasta 1987) y el capitalismo galopante en Corea del Sur desde la década de 1990. La imagen de Corea que nos muestra NOH es la de un constante estado de excepción. NOH, que crea sus fotografías tanto en Corea del Norte como en Corea del Sur, está interesado en las ambivalencias y las rupturas dentro de las dos sociedades y entre ellas: su relación especular, la presencia militar y los extremismos ideológicos en ambos lados, la relación entre el individuo y las masas, y las situaciones —tanto sutiles como abiertamente violentas— que impregnan la vida cotidiana por igual en Corea del Sur y en Corea del Norte. (Extraido de www.bcn.cat/virreinacentredelaimatge) http://www.arteeq.com/esp/evento/92/ http://www.arteeq.com/esp/evento/92/ Tue, 03 Nov 2009 23:00:00 GMT La, Virreina, Centro, de, la, Imagen, presenta, la, primera, gran, exposición individual, del, fotógrafo, surcoreano, NOH, Suntag, que, puede, verse, en España,, compuesta, por, unas, 200, fotografías., NOH,, nacido, en, Seúl, en 1971,, se, encuentra, entre, los, fotógrafos, más, avanzados, de, Corea, del, Sur, y, en, los, últimos, años, su, trabajo, ha, sido, objeto, de, gran, atención, en aquel, país., Las, obras, de, esta, exposición, corresponden, al, periodo comprendido, entre, los, años, 2000, y, 2007. Sus, series,, que, el, artista, suele, desarrollar, a, lo, largo, de, varios años, y, que, están, formadas, por, fotografías, tanto, en, blanco, y, negro, como en, color,, reflejan, situaciones, de, conflicto, en, la, sociedad, coreana contemporánea., Estos, conflictos, se, remontan, a, la, división, y, la, guerra entre, Corea, del, Norte, y, Corea, del, Sur,, las, dictaduras, en, ambas, partes del, país, (en, el, Sur,, hasta, 1987), y, el, capitalismo, galopante, en, Corea del, Sur, desde, la, década, de, 1990., La, imagen, de, Corea, que, nos, muestra, NOH es, la, de, un, constante, estado, de, excepción. NOH, que, crea, sus, fotografías, tanto, en, Corea, del, Norte, como, en, Corea, del Sur,, está, interesado, en, las, ambivalencias, y, las, rupturas, dentro, de, las dos, sociedades, y, entre, ellas:, su, relación, especular,, la, presencia militar, y, los, extremismos, ideológicos, en, ambos, lados,, la, relación, entre el, individuo, y, las, masas,, y, las, situaciones, —tanto, sutiles, como abiertamente, violentas—, que, impregnan, la, vida, cotidiana, por, igual, en Corea, del, Sur, y, en, Corea, del, Norte. (Extraido, de, www.bcn.cat/virreinacentredelaimatge) Su nombre resulta muy familiar, pero su obra no es conocida de manera extensa y profunda. John Cage (1912-1992) definió una práctica tan radical de la composición musical que cambió el curso de la música moderna en el siglo pasado, y configuró un nuevo horizonte conceptual para el arte de posguerra. Con el fin de plasmar la relevante contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor exposición que se dedica a este artista en el ámbito internacional desde su muerte. La muestra trazará un recorrido por la trayectoria del artista, desde sus primeras obras de la década de 1930, las piezas que ampliaron los parámetros de la música de percusión incorporando los instrumentos menos convencionales, pasando por su «piano preparado», hasta su famosa teoría sobre el «silencio» (y la composición 4'33") y su despliegue rompedor del azar y luego la indeterminación, y culminará con su innovadora obra multimedia, que empezó en la década de 1960 y prosiguió hasta la de 1980. Una de las secciones principales de la exposición mostrará la red de repercusiones a medida que la radical transformación conceptual de la «composición» por parte de Cage introducía las estrategias del arte avanzado. Una trayectoria enmarcada por los diálogos con artistas Marcel Duchamp y Robert Rauschenberg, entre muchos otros que reacciona ante los mismos medios de comunicación incipientes que Andy Warhol. La exposición revela las estrategias radicales utilizadas por Cage para perfeccionar la composición y ampliar sus parámetros, forjando un nuevo camino relevante para la generación de artistas post-Pollock. En un momento en que la pintura moderna y la subjetividad dejaban de ser fórmulas viables de la práctica artística, Cage impartía clases de composición experimental a una nueva generación de artistas en la New School for Social Research de Nueva York (1956-1960). Muchos de los alumnos de Cage y coetáneos suyos hallarían pronto su lugar en el centro de las nuevas vanguardias, desde Fluxus hasta el arte conceptual. Cage pasó a ser de este modo una de les fuerzas vivas tras el giro copernicano del arte de la posguerra a principios de la década de 1960, situado en la cúspide de la modernidad y la posmodernidad. Las grabaciones de sonidos, los filmes, las músicas y los materiales documentales dan una idea del extraordinario alcance de las innovaciones conceptuales y teóricas de Cage. Para ilustrarlo, la exposición presentará una parte de la obra que llevó a cabo en colaboración con otros artistas, desde la música que compuso para amplificar la experiencia visual de los rotorrelieves de Marcel Duchamp al principio de su trayectoria (1947) hasta la colaboración músico-poética con su compañero anarquista Jackson Mac Low, pasando por las obras con luz aleatoria, sombras y sonidos ambiente de la ciudad de Nueva York realizadas como parte del proyecto «Experimentos en arte y tecnología» de Rauschenberg. Si Duchamp se ha revelado como la figura fundamental de principios-mediados del siglo XX, el trabajo de Cage aparece actualmente como un paradigma indispensable de finales del siglo XX y principios del XXI. Los hitos de su obra revelan un «Cage conceptual» y se expondrán en relación directa con obras clave de contemporáneos suyos que compartieron sus compromisos con lo nuevo, lo no subjetivo y lo cambiante, y abrazaron la tecnología que redefiniría toda la experiencia perceptiva: desde White Paintings de Rauschenberg (1951) y Box with the Sound of its Own Making de Robert Morris (1961) hasta el nuevo mediascape de «Exploding Plastic Inevitable» de Warhol, y más allá. Comisaria: Julia Robinson (Extraido de www.macba.cat) arteeq La anarquía del silencio. John Cage y el arte experimental Su nombre resulta muy familiar, pero su obra no es conocida de manera extensa y profunda. John Cage (1912-1992) definió una práctica tan radical de la composición musical que cambió el curso de la música moderna en el siglo pasado, y configuró un nuevo horizonte conceptual para el arte de posguerra. Con el fin de plasmar la relevante contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor exposición que se dedica a este artista en el ámbito internacional desde su muerte. La muestra trazará un recorrido por la trayectoria del artista, desde sus primeras obras de la década de 1930, las piezas que ampliaron los parámetros de la música de percusión incorporando los instrumentos menos convencionales, pasando por su «piano preparado», hasta su famosa teoría sobre el «silencio» (y la composición 4'33") y su despliegue rompedor del azar y luego la indeterminación, y culminará con su innovadora obra multimedia, que empezó en la década de 1960 y prosiguió hasta la de 1980. Una de las secciones principales de la exposición mostrará la red de repercusiones a medida que la radical transformación conceptual de la «composición» por parte de Cage introducía las estrategias del arte avanzado. Una trayectoria enmarcada por los diálogos con artistas Marcel Duchamp y Robert Rauschenberg, entre muchos otros que reacciona ante los mismos medios de comunicación incipientes que Andy Warhol. La exposición revela las estrategias radicales utilizadas por Cage para perfeccionar la composición y ampliar sus parámetros, forjando un nuevo camino relevante para la generación de artistas post-Pollock. En un momento en que la pintura moderna y la subjetividad dejaban de ser fórmulas viables de la práctica artística, Cage impartía clases de composición experimental a una nueva generación de artistas en la New School for Social Research de Nueva York (1956-1960). Muchos de los alumnos de Cage y coetáneos suyos hallarían pronto su lugar en el centro de las nuevas vanguardias, desde Fluxus hasta el arte conceptual. Cage pasó a ser de este modo una de les fuerzas vivas tras el giro copernicano del arte de la posguerra a principios de la década de 1960, situado en la cúspide de la modernidad y la posmodernidad. Las grabaciones de sonidos, los filmes, las músicas y los materiales documentales dan una idea del extraordinario alcance de las innovaciones conceptuales y teóricas de Cage. Para ilustrarlo, la exposición presentará una parte de la obra que llevó a cabo en colaboración con otros artistas, desde la música que compuso para amplificar la experiencia visual de los rotorrelieves de Marcel Duchamp al principio de su trayectoria (1947) hasta la colaboración músico-poética con su compañero anarquista Jackson Mac Low, pasando por las obras con luz aleatoria, sombras y sonidos ambiente de la ciudad de Nueva York realizadas como parte del proyecto «Experimentos en arte y tecnología» de Rauschenberg. Si Duchamp se ha revelado como la figura fundamental de principios-mediados del siglo XX, el trabajo de Cage aparece actualmente como un paradigma indispensable de finales del siglo XX y principios del XXI. Los hitos de su obra revelan un «Cage conceptual» y se expondrán en relación directa con obras clave de contemporáneos suyos que compartieron sus compromisos con lo nuevo, lo no subjetivo y lo cambiante, y abrazaron la tecnología que redefiniría toda la experiencia perceptiva: desde White Paintings de Rauschenberg (1951) y Box with the Sound of its Own Making de Robert Morris (1961) hasta el nuevo mediascape de «Exploding Plastic Inevitable» de Warhol, y más allá. Comisaria: Julia Robinson (Extraido de www.macba.cat) http://www.arteeq.com/esp/evento/85/ http://www.arteeq.com/esp/evento/85/ Thu, 22 Oct 2009 22:00:00 GMT Su, nombre, resulta, muy, familiar,, pero, su, obra, no, es, conocida, de, manera extensa, y, profunda., John, Cage, (1912-1992), definió, una, práctica, tan radical, de, la, composición, musical, que, cambió, el, curso, de, la, música moderna, en, el, siglo, pasado,, y, configuró, un, nuevo, horizonte, conceptual para, el, arte, de, posguerra., Con, el, fin, de, plasmar, la, relevante contribución, de, Cage, al, arte, contemporáneo,, el, MACBA, presenta, la, mayor exposición, que, se, dedica, a, este, artista, en, el, ámbito, internacional desde, su, muerte. La, muestra, trazará, un, recorrido, por, la, trayectoria, del, artista, desde, sus, primeras, obras, de, la, década, de, 1930,, las, piezas, que, ampliaron los, parámetros, de, la, música, de, percusión, incorporando, los, instrumentos menos, convencionales,, pasando, por, su, «piano, preparado»,, hasta, su, famosa teoría, sobre, el, «silencio», (y, la, composición, 4'33"), y, su despliegue, rompedor, del, azar, y, luego, la, indeterminación,, y, culminará con, su, innovadora, obra, multimedia,, que, empezó, en, la, década, de, 1960, y prosiguió, hasta, la, de, 1980., Una, de, las, secciones, principales, de, la exposición, mostrará, la, red, de, repercusiones, a, medida, que, la, radical transformación, conceptual, de, la, «composición», por, parte, de, Cage introducía, las, estrategias, del, arte, avanzado., Una, trayectoria, enmarcada por, los, diálogos, con, artistas, Marcel, Duchamp, y, Robert, Rauschenberg, entre, muchos, otros, que, reacciona, ante, los, mismos, medios, de comunicación, incipientes, que, Andy, Warhol., La, exposición, revela, las, estrategias, radicales, utilizadas, por, Cage para, perfeccionar, la, composición, y, ampliar, sus, parámetros,, forjando, un nuevo, camino, relevante, para, la, generación, de, artistas, post-Pollock., En un, momento, en, que, la, pintura, moderna, y, la, subjetividad, dejaban, de, ser fórmulas, viables, de, la, práctica, artística,, Cage, impartía, clases, de composición, experimental, a, una, nueva, generación, de, artistas, en, la, New School, for, Social, Research, de, Nueva, York, (1956-1960)., Muchos, de, los alumnos, de, Cage, y, coetáneos, suyos, hallarían, pronto, su, lugar, en, el centro, de, las, nuevas, vanguardias,, desde, Fluxus, hasta, el, arte conceptual., Cage, pasó, a, ser, de, este, modo, una, de, les, fuerzas, vivas, tras el, giro, copernicano, del, arte, de, la, posguerra, a, principios, de, la, década de, 1960,, situado, en, la, cúspide, de, la, modernidad, y, la, posmodernidad. Las, grabaciones, de, sonidos,, los, filmes,, las, músicas, y, los materiales, documentales, dan, una, idea, del, extraordinario, alcance, de, las innovaciones, conceptuales, y, teóricas, de, Cage., Para, ilustrarlo,, la exposición, presentará, una, parte, de, la, obra, que, llevó, a, cabo, en colaboración, con, otros, artistas,, desde, la, música, que, compuso, para amplificar, la, experiencia, visual, de, los, rotorrelieves, de, Marcel Duchamp, al, principio, de, su, trayectoria, (1947), hasta, la, colaboración músico-poética, con, su, compañero, anarquista, Jackson, Mac, Low,, pasando, por las, obras, con, luz, aleatoria,, sombras, y, sonidos, ambiente, de, la, ciudad, de Nueva, York, realizadas, como, parte, del, proyecto, «Experimentos, en, arte, y tecnología», de, Rauschenberg., Si, Duchamp, se, ha, revelado, como, la, figura fundamental, de, principios-mediados, del, siglo, XX,, el, trabajo, de, Cage aparece, actualmente, como, un, paradigma, indispensable, de, finales, del siglo, XX, y, principios, del, XXI., Los, hitos, de, su, obra, revelan, un, «Cage conceptual», y, se, expondrán, en, relación, directa, con, obras, clave, de contemporáneos, suyos, que, compartieron, sus, compromisos, con, lo, nuevo,, lo no, subjetivo, y, lo, cambiante,, y, abrazaron, la, tecnología, que, redefiniría toda, la, experiencia, perceptiva:, desde, White, Paintings, de, Rauschenberg (1951), y, Box, with, the, Sound, of, its, Own, Making, de, Robert, Morris, (1961), hasta, el, nuevo, mediascape, de, «Exploding, Plastic, Inevitable», de, Warhol,, y, más, allá., , , , Comisaria:, , Julia, Robinson (Extraido, de, www.macba.cat) El ángel de la Historia aborda el actual momento histórico en el que los escombros del conflicto político y la desigualdad económica se amontonan mientras las fuerzas globalizadas, reforzadas en gran medida por el progreso de las tecnologías digitales de la información, nos empujan inexorablemente hacia delante. El título de la muestra hace referencia al cuadro Angelus Novus de Paul Klee, que Walter Benjamin interpretó, como es bien sabido, como un ángel de la historia paralizado por las ruinas de un pasado que se apilan frente a él mientras una tormenta le empuja hacia atrás, desde el paraíso hacia un futuro incierto (el progreso). La exposición, comisariada por Steve Dietz (Director Artístico de la 01SJ Biennial) y Christiane Paul (Directora del Programa de Graduados de Estudios Mediales, New School, NY; Comisaria Adjunta de New Media Arts, Whitney Museum of American Art), incluye 29 obras realizadas por 27 creadores y equipos de artistas. Los proyectos se presentan, como en un espejo retrovisor del progreso, en secciones relacionados con cinco temas: los escombros del siglo XX generados por las guerras y conflictos; las contramedidas de control y represión instituidas tanto por el estado como por el capital global en su intento por mantener el control; la estética y el lenguaje simbólico de los media de nuestro tiempo; las fuerzas de la globalización económica, como las deslocalizaciones o las migraciones; y las posibilidades de reconstrucción y agencia o capacidad de acción. En su conjunto, los proyectos expuestos en Feedforward  dibujan una imagen compleja de las fuerzas políticas y sociales globales que nos empujan hacia el futuro. La muestra incluye tanto los aspectos problemáticos del presente y del futuro, como el potencial para la acción colectiva y responsable. En el momento más dramático de la actual crisis económica mundial, Feedforward propone, en efecto, una limpieza de lo que queda del siglo XX y lanza un interrogante: ¿qué es el progreso hoy? (Extraido de www.laboralcentrodearte.org) arteeq FEEDFORWARD. El ángel de la Historia El ángel de la Historia aborda el actual momento histórico en el que los escombros del conflicto político y la desigualdad económica se amontonan mientras las fuerzas globalizadas, reforzadas en gran medida por el progreso de las tecnologías digitales de la información, nos empujan inexorablemente hacia delante. El título de la muestra hace referencia al cuadro Angelus Novus de Paul Klee, que Walter Benjamin interpretó, como es bien sabido, como un ángel de la historia paralizado por las ruinas de un pasado que se apilan frente a él mientras una tormenta le empuja hacia atrás, desde el paraíso hacia un futuro incierto (el progreso). La exposición, comisariada por Steve Dietz (Director Artístico de la 01SJ Biennial) y Christiane Paul (Directora del Programa de Graduados de Estudios Mediales, New School, NY; Comisaria Adjunta de New Media Arts, Whitney Museum of American Art), incluye 29 obras realizadas por 27 creadores y equipos de artistas. Los proyectos se presentan, como en un espejo retrovisor del progreso, en secciones relacionados con cinco temas: los escombros del siglo XX generados por las guerras y conflictos; las contramedidas de control y represión instituidas tanto por el estado como por el capital global en su intento por mantener el control; la estética y el lenguaje simbólico de los media de nuestro tiempo; las fuerzas de la globalización económica, como las deslocalizaciones o las migraciones; y las posibilidades de reconstrucción y agencia o capacidad de acción. En su conjunto, los proyectos expuestos en Feedforward  dibujan una imagen compleja de las fuerzas políticas y sociales globales que nos empujan hacia el futuro. La muestra incluye tanto los aspectos problemáticos del presente y del futuro, como el potencial para la acción colectiva y responsable. En el momento más dramático de la actual crisis económica mundial, Feedforward propone, en efecto, una limpieza de lo que queda del siglo XX y lanza un interrogante: ¿qué es el progreso hoy? (Extraido de www.laboralcentrodearte.org) http://www.arteeq.com/esp/evento/79/ http://www.arteeq.com/esp/evento/79/ Wed, 21 Oct 2009 22:00:00 GMT El, ángel, de, la, Historia, aborda, el, actual, momento, histórico en, el, que, los, escombros, del, conflicto, político, y, la, desigualdad económica, se, amontonan, mientras, las, fuerzas, globalizadas,, reforzadas, en gran, medida, por, el, progreso, de, las, tecnologías, digitales, de, la información,, nos, empujan, inexorablemente, hacia, delante., El, título, de, la muestra, hace, referencia, al, cuadro, Angelus, Novus, de, Paul, Klee, que, Walter, Benjamin, interpretó,, como, es, bien, sabido,, como, un, ángel, de la, historia, paralizado, por, las, ruinas, de, un, pasado, que, se, apilan frente, a, él, mientras, una, tormenta, le, empuja, hacia, atrás,, desde, el paraíso, hacia, un, futuro, incierto, (el, progreso)., La, exposición,, comisariada, por, Steve, Dietz, (Director, Artístico, de, la 01SJ, Biennial), y, Christiane, Paul, (Directora, del, Programa, de, Graduados de, Estudios, Mediales,, New, School,, NY;, Comisaria, Adjunta, de, New, Media Arts,, Whitney, Museum, of, American, Art),, incluye, 29, obras, realizadas, por 27, creadores, y, equipos, de, artistas. Los, proyectos, se, presentan,, como, en, un, espejo retrovisor, del, progreso,, en, secciones, relacionados, con, cinco, temas:, los escombros, del, siglo, XX, generados, por, las, guerras, y, conflictos;, las contramedidas, de, control, y, represión, instituidas, tanto, por, el, estado como, por, el, capital, global, en, su, intento, por, mantener, el, control;, la estética, y, el, lenguaje, simbólico, de, los, media, de, nuestro, tiempo;, las fuerzas, de, la, globalización, económica,, como, las, deslocalizaciones, o, las migraciones;, y, las, posibilidades, de, reconstrucción, y, agencia, o capacidad, de, acción., En, su, conjunto,, los, proyectos, expuestos, en Feedforward,  dibujan una, imagen, compleja, de, las, fuerzas, políticas, y, sociales, globales, que nos, empujan, hacia, el, futuro., La, muestra, incluye, tanto, los, aspectos problemáticos, del, presente, y, del, futuro,, como, el, potencial, para, la acción, colectiva, y, responsable., En, el, momento, más, dramático, de, la actual, crisis, económica, mundial,, Feedforward, propone,, en, efecto,, una, limpieza, de, lo, que, queda, del, siglo, XX, y, lanza, un, interrogante:, ¿qué, es, el, progreso, hoy?, (Extraido, de, www.laboralcentrodearte.org) Pasar de ser una colección privada a convertirse en museo público constituye una metamorfosis verdaderamente extraordinaria. En el caso del Museo Guggenheim el cambio comenzó en 1937, cuando Solomon R. Guggenheim constituyó una fundación con el objetivo de inaugurar un museo en el que preservar y exponer al público su colección de arte moderno. Desde entonces, la colección fundacional del Solomon R. Guggenheim Museum se ha visto ampliada con importantes donaciones y adquisiciones procedentes de otros pioneros que compartían el mismo espíritu de Guggenheim. Estas adquisiciones incluyen los fondos de Expresionismo Alemán y del primer Expresionismo Abstracto reunidos por el eminente galerista Karl Nierendorf; la colección de pintura y escultura abstracta y surrealista de Peggy Guggenheim, sobrina de Solomon; el conjunto de obras maestras del Impresionismo y Posimpresionismo, y del incipiente arte moderno de Justin K. Thannhauser; e importantes obras procedentes de los respectivos patrimonios de dos mujeres visionarias, Hilla Rebay y Katherine S. Dreier. Fiel a su misión original de promover "el arte del mañana", la Guggenheim Foundation persevera en su compromiso de ampliar su colección de arte contemporáneo. Adquisiciones tan importantes como la donación de la Bohen Foundation le permiten presentar el arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva transversal, que resulta vital y dinámica. La historia de esta singular colección sigue en evolución. (Extraido de www.guggenheim-bilbao.es) arteeq De lo privado a lo público: Las Colecciones Guggenheim Pasar de ser una colección privada a convertirse en museo público constituye una metamorfosis verdaderamente extraordinaria. En el caso del Museo Guggenheim el cambio comenzó en 1937, cuando Solomon R. Guggenheim constituyó una fundación con el objetivo de inaugurar un museo en el que preservar y exponer al público su colección de arte moderno. Desde entonces, la colección fundacional del Solomon R. Guggenheim Museum se ha visto ampliada con importantes donaciones y adquisiciones procedentes de otros pioneros que compartían el mismo espíritu de Guggenheim. Estas adquisiciones incluyen los fondos de Expresionismo Alemán y del primer Expresionismo Abstracto reunidos por el eminente galerista Karl Nierendorf; la colección de pintura y escultura abstracta y surrealista de Peggy Guggenheim, sobrina de Solomon; el conjunto de obras maestras del Impresionismo y Posimpresionismo, y del incipiente arte moderno de Justin K. Thannhauser; e importantes obras procedentes de los respectivos patrimonios de dos mujeres visionarias, Hilla Rebay y Katherine S. Dreier. Fiel a su misión original de promover "el arte del mañana", la Guggenheim Foundation persevera en su compromiso de ampliar su colección de arte contemporáneo. Adquisiciones tan importantes como la donación de la Bohen Foundation le permiten presentar el arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva transversal, que resulta vital y dinámica. La historia de esta singular colección sigue en evolución. (Extraido de www.guggenheim-bilbao.es) http://www.arteeq.com/esp/evento/82/ http://www.arteeq.com/esp/evento/82/ Thu, 25 Jun 2009 22:00:00 GMT Pasar, de, ser, una, colección, privada, a convertirse, en, museo, público, constituye, una, metamorfosis, verdaderamente extraordinaria., En, el, caso, del, Museo, Guggenheim, el, cambio, comenzó, en 1937,, cuando, Solomon, R., Guggenheim, constituyó, una, fundación, con, el objetivo, de, inaugurar, un, museo, en, el, que, preservar, y, exponer, al, público su, colección, de, arte, moderno., Desde, entonces,, la, colección, fundacional del, Solomon, R., Guggenheim, Museum, se, ha, visto, ampliada, con, importantes donaciones, y, adquisiciones, procedentes, de, otros, pioneros, que, compartían el, mismo, espíritu, de, Guggenheim., Estas, adquisiciones, incluyen, los fondos, de, Expresionismo, Alemán, y, del, primer, Expresionismo, Abstracto reunidos, por, el, eminente, galerista, Karl, Nierendorf;, la, colección, de pintura, y, escultura, abstracta, y, surrealista, de, Peggy, Guggenheim, sobrina, de, Solomon;, el, conjunto, de, obras, maestras, del, Impresionismo, y Posimpresionismo,, y, del, incipiente, arte, moderno, de, Justin, K. Thannhauser;, e, importantes, obras, procedentes, de, los, respectivos patrimonios, de, dos, mujeres, visionarias,, Hilla, Rebay, y, Katherine, S. Dreier., Fiel, a, su, misión, original, de, promover, "el, arte, del mañana",, la, Guggenheim, Foundation, persevera, en, su, compromiso, de, ampliar su, colección, de, arte, contemporáneo., Adquisiciones, tan, importantes, como la, donación, de, la, Bohen, Foundation, le, permiten, presentar, el, arte moderno, y, contemporáneo, desde, una, perspectiva, transversal,, que, resulta vital, y, dinámica., La, historia, de, esta, singular, colección, sigue, en evolución. (Extraido, de, www.guggenheim-bilbao.es) La exposición Cildo Meireles plantea, sin ánimo retrospectivo, un recorrido por la obra del artista (Río de Janeiro, 1948) a través de sus grandes instalaciones, dibujos y objetos realizados entre 1967 y 2008. Cildo Meireles es autor de una obra de extraordinaria complejidad, que hunde sus raíces en la confluencia de la política, la filosofía y la simbología de nuestro tiempo. La reciente concesión del Premio Velázquez de Artes Plásticas a Meireles (2008) confirma la fascinación e interés que suscita el trabajo de este artista brasileño fuera de las fronteras de su país. La figura de Cildo Meireles es fundamental para entender la vanguardia artística brasileña de posguerra ya que supone un puente entre el neoconcretismo de finales de los años cincuenta y el arte conceptual brasileño de finales de los sesenta. El neoconcretismo, cuyos principales representantes Hélio Oiticica, Lygia Clark y Lygia Pape son referencias constantes en la obra de Meireles, rechaza el racionalismo extremo de la abstracción geométrica para crear obras más sensoriales y participativas, que apelan no solo a la mente sino también al cuerpo. El optimismo utópico de este movimiento se vino abajo tras el golpe de Estado de 1964, que abrió paso a un régimen militar dictatorial, y que marcó a una nueva generación de artistas, la de Cildo Meireles, cuya obra tiene un mayor compromiso político, reflejo del contexto histórico. La obra de Meireles podría definirse como un acercamiento poético al estudio de la sociedad, ya que busca responder a preguntas relacionadas con todos los ámbitos sociales: examina los procesos de comunicación, la figura del espectador y el valor del arte o los legados de la historia. La temática de su obra incluye desde la expansión del capitalismo en el ámbito internacional hasta la cultura de los indios brasileños en el Amazonas, y no responde a ninguna jerarquía de materiales o tamaños. Sus obras suelen partir de un elemento concreto que se desarrolla de tal manera que lo real, lo simbólico y lo imaginario se combinan hasta encontrar el equilibrio. Los primeros trabajos de Meireles se plasmaron en forma de dibujos. Así, en sus series Espaços virtuais: Cantos (Espacios virtuales: Rincones, 1968), Volumes virtuais (Volúmenes virtuales, 1968-1969) y Ocupações (Ocupaciones, 1968-1969), Meireles investiga las posibilidades del espacio geométrico euclidiano, utilizando tres planos para definir una figura en el espacio. Se trata de un concepto abstracto que intentará concretar en la serie de esculturas Cantos (Rincones, 1967-1968), que funciona bajo el mismo principio y en las que, a través de modelos a escala natural, reconstruye rincones domésticos típicos. Mutações geográficas (Mutaciones geográficas, 1969) es una serie de obras que analiza el inmenso territorio de Brasil y la naturaleza de las fronteras geográficas. Al mismo tiempo hace referencia a la infancia de Cildo Meireles y a los constantes desplazamientos de su familia por el vasto territorio brasileño a raíz del trabajo de su padre en el Servicio de Protección a los Indios. La serie Arte física (Arte físico, 1969) se basa en collages que plantean propuestas para posibles acciones relacionadas con el espacio geográfico y topológico y que en muchos casos nunca llegaron a realizarse. A finales de la década de los sesenta Meireles comienza a trabajar en el concepto de Condensados, pequeños objetos que demuestran cómo el poder simbólico de una obra de arte no tiene que ver con su tamaño. Un ejemplo paradigmático de estos es Cruzeiro do Sul (Cruz del Sur, 1969-1970), en la que un cubo diminuto de madera de roble y pino, maderas sagradas para los indios, se convierte en un emblema de la condición moderna. Es una obra que, a pesar de sus reducidas dimensiones, sienta las bases de muchos de los temas que Meireles desarrollará a lo largo de toda su carrera, ya que supone un primer acercamiento a la dimensión espacial desde el punto de vista de la escala; al mismo tiempo es una crítica de la concepción eurocéntrica de la historia y una reflexión sobre la necesidad de los mitos; planteando un diálogo entre Occidente y las tradiciones de los pueblos nativos, a su vez crítico e irresuelto. En Árvore do dinheiro (Árbol del dinero, 1969) Meireles analiza la paradoja del valor simbólico frente al valor real de las cosas: un fajo de cien billetes de un cruceiro, que presenta como una obra de arte sobre un pedestal, se puso a la venta a un precio veinte veces superior a esa cantidad. De este modo cuestiona las diferencias entre valor real, simbólico y de intercambio. Para profundizar en ese análisis del valor, de 1974 a 1978 se aventuró en el terreno de la falsificación artística y produjo, a modo de parodia, Zero cruzeiro (Cero cruceiros) y Zero centavo (Cero centavos), reduciendo el valor del dinero a cero. También sustituyó los personajes ilustres que suelen adornar los billetes por dos personas, en principio, al margen de la sociedad brasileña: un interno de un psiquiátrico que había visitado en Trinidad y un indio Kraô. En Zero dollar (Cero dólares, 1978-1984) y Zero cent (Cero centavos, 1978-1984), profundiza en el significado de lo monetario, entendiendo la divisa como representación icónica de un país. En estas obras el dinero se convierte en paradigma de la relación entre materia y símbolo, puesto que puede ser ambas cosas a la vez. El endurecimiento de la dictadura militar a principios de la década de los setenta tendrá como resultado una mayor radicalización del contenido político en la obra de Meireles. Este momento está marcado por las Inserções em circuitos ideológicos (Inserciones en circuitos ideológicos, 1970), que se relacionan con la idea del intercambio y se basan en la investigación de los mecanismos sociales que articulan la circulación de bienes de consumo y de información. Así, su obra más conocida de esta serie es el Projeto Coca-Cola (Proyecto Coca-Cola), en el que Meireles imprimió sobre botellas de este refresco mensajes como «Yankees Go Home», y después puso las botellas nuevamente en circulación. Las Malhas da liberdade (Mallas de libertad, 1976-1977) empezaron como un garabato: Meireles dibujó una línea y luego otra que la cruzaba hasta formar una retícula. Si no hay limitaciones formales, la retícula puede crecer indefinidamente hasta crear un sistema de bifurcaciones, divisiones y duplicaciones cada vez más desordenado, según el principio definido por el matemático Mitchell Feigenbaum en sus estudios sobre la teoría del caos. Mediante una malla metálica, material asociado con mecanismos restrictivos, Malhas da liberdade transforma ese sistema desordenado en una posibilidad de librarse de la coacción y represión de la vida bajo la dictadura militar. Cildo Meireles ha manifestado en varias ocasiones que el espacio posee connotaciones «físicas, geométricas, históricas, psicológicas, topológicas y antropológicas» y que estas constituyen el núcleo básico de su obra. Esto se refleja en una de sus obras más emblemáticas, Eureka/Blindhotland (1970-1975), en la que analiza la relación entre el conocimiento y la percepción, la construcción mental y la experiencia sensorial. En esta escultura se combinan varios elementos (una banda sonora, inserciones en prensa y esferas del mismo tamaño con diferentes pesos). La sorpresa es que peso y volumen no se corresponden; es una invitación al juego y a la participación del espectador. El exceso y la acumulación están presentes en Missão/Missões (Como construir catedrais) (Misión/Misiones [Cómo construir catedrales], 1987), en la que Meireles retoma la idea de la colonización religiosa de Brasil, y trata de cuantificar el coste humano de la evangelización y su conexión con la explotación de las riquezas de las colonias. También se observa en Através (A través, 1983-1989/2007) un laberinto de rejas, mallas, en el que el suelo está formado por cristales rotos y donde se invita al público a enfrentarse a sus miedos, las creencias heredadas o impuestas. En el laberinto de Meireles, el acceso se permite y deniega a la vez: la mirada puede penetrar lo que el cuerpo no puede franquear. Como antítesis al exceso encontramos la reducción extrema, una de cuyas formas más intensas es la monocromía, utilizada a principios del siglo xx como elemento de búsqueda del «arte puro» y que Meireles carga de simbolismo y connotaciones no-artísticas. Así, acumulación y reducción extrema caracterizan Desvio para o vermelho (Desvío al rojo, 1967-1984), una instalación en tres partes en la que el color rojo actúa como elemento vertebrador y hace que nuestra percepción del mundo se transforme y pierda su lógica visual. El sonido es otro de los elementos que Cildo Meireles utiliza para crear espacios. En Babel (2001), una enorme torre de aparatos de radio, emparentada con la historia bíblica de la torre de Babel, plantea la incapacidad para comunicarse como causa de todos los conflictos de la humanidad. Debido a la naturaleza esencialmente temporal de un medio como la radio, en esta obra nunca hay dos experiencias iguales. La obra de Meireles se caracteriza por la búsqueda de nuevos significados a través de la confrontación, de la exploración de los límites en los ámbitos de la estética, la percepción, la ciencia y la economía. Se trata de un conjunto de obras que, en su búsqueda incesante, reflexionan sobre su propio lugar en el arte y pretenden ser huella, vestigio, residuo de una actividad, la del artista consciente de que la memoria es la única posibilidad de permanencia que le resta a una obra. ©2006 MACBA. All rights reserved arteeq Cildo Meireles - MACBA La exposición Cildo Meireles plantea, sin ánimo retrospectivo, un recorrido por la obra del artista (Río de Janeiro, 1948) a través de sus grandes instalaciones, dibujos y objetos realizados entre 1967 y 2008. Cildo Meireles es autor de una obra de extraordinaria complejidad, que hunde sus raíces en la confluencia de la política, la filosofía y la simbología de nuestro tiempo. La reciente concesión del Premio Velázquez de Artes Plásticas a Meireles (2008) confirma la fascinación e interés que suscita el trabajo de este artista brasileño fuera de las fronteras de su país. La figura de Cildo Meireles es fundamental para entender la vanguardia artística brasileña de posguerra ya que supone un puente entre el neoconcretismo de finales de los años cincuenta y el arte conceptual brasileño de finales de los sesenta. El neoconcretismo, cuyos principales representantes Hélio Oiticica, Lygia Clark y Lygia Pape son referencias constantes en la obra de Meireles, rechaza el racionalismo extremo de la abstracción geométrica para crear obras más sensoriales y participativas, que apelan no solo a la mente sino también al cuerpo. El optimismo utópico de este movimiento se vino abajo tras el golpe de Estado de 1964, que abrió paso a un régimen militar dictatorial, y que marcó a una nueva generación de artistas, la de Cildo Meireles, cuya obra tiene un mayor compromiso político, reflejo del contexto histórico. La obra de Meireles podría definirse como un acercamiento poético al estudio de la sociedad, ya que busca responder a preguntas relacionadas con todos los ámbitos sociales: examina los procesos de comunicación, la figura del espectador y el valor del arte o los legados de la historia. La temática de su obra incluye desde la expansión del capitalismo en el ámbito internacional hasta la cultura de los indios brasileños en el Amazonas, y no responde a ninguna jerarquía de materiales o tamaños. Sus obras suelen partir de un elemento concreto que se desarrolla de tal manera que lo real, lo simbólico y lo imaginario se combinan hasta encontrar el equilibrio. Los primeros trabajos de Meireles se plasmaron en forma de dibujos. Así, en sus series Espaços virtuais: Cantos (Espacios virtuales: Rincones, 1968), Volumes virtuais (Volúmenes virtuales, 1968-1969) y Ocupações (Ocupaciones, 1968-1969), Meireles investiga las posibilidades del espacio geométrico euclidiano, utilizando tres planos para definir una figura en el espacio. Se trata de un concepto abstracto que intentará concretar en la serie de esculturas Cantos (Rincones, 1967-1968), que funciona bajo el mismo principio y en las que, a través de modelos a escala natural, reconstruye rincones domésticos típicos. Mutações geográficas (Mutaciones geográficas, 1969) es una serie de obras que analiza el inmenso territorio de Brasil y la naturaleza de las fronteras geográficas. Al mismo tiempo hace referencia a la infancia de Cildo Meireles y a los constantes desplazamientos de su familia por el vasto territorio brasileño a raíz del trabajo de su padre en el Servicio de Protección a los Indios. La serie Arte física (Arte físico, 1969) se basa en collages que plantean propuestas para posibles acciones relacionadas con el espacio geográfico y topológico y que en muchos casos nunca llegaron a realizarse. A finales de la década de los sesenta Meireles comienza a trabajar en el concepto de Condensados, pequeños objetos que demuestran cómo el poder simbólico de una obra de arte no tiene que ver con su tamaño. Un ejemplo paradigmático de estos es Cruzeiro do Sul (Cruz del Sur, 1969-1970), en la que un cubo diminuto de madera de roble y pino, maderas sagradas para los indios, se convierte en un emblema de la condición moderna. Es una obra que, a pesar de sus reducidas dimensiones, sienta las bases de muchos de los temas que Meireles desarrollará a lo largo de toda su carrera, ya que supone un primer acercamiento a la dimensión espacial desde el punto de vista de la escala; al mismo tiempo es una crítica de la concepción eurocéntrica de la historia y una reflexión sobre la necesidad de los mitos; planteando un diálogo entre Occidente y las tradiciones de los pueblos nativos, a su vez crítico e irresuelto. En Árvore do dinheiro (Árbol del dinero, 1969) Meireles analiza la paradoja del valor simbólico frente al valor real de las cosas: un fajo de cien billetes de un cruceiro, que presenta como una obra de arte sobre un pedestal, se puso a la venta a un precio veinte veces superior a esa cantidad. De este modo cuestiona las diferencias entre valor real, simbólico y de intercambio. Para profundizar en ese análisis del valor, de 1974 a 1978 se aventuró en el terreno de la falsificación artística y produjo, a modo de parodia, Zero cruzeiro (Cero cruceiros) y Zero centavo (Cero centavos), reduciendo el valor del dinero a cero. También sustituyó los personajes ilustres que suelen adornar los billetes por dos personas, en principio, al margen de la sociedad brasileña: un interno de un psiquiátrico que había visitado en Trinidad y un indio Kraô. En Zero dollar (Cero dólares, 1978-1984) y Zero cent (Cero centavos, 1978-1984), profundiza en el significado de lo monetario, entendiendo la divisa como representación icónica de un país. En estas obras el dinero se convierte en paradigma de la relación entre materia y símbolo, puesto que puede ser ambas cosas a la vez. El endurecimiento de la dictadura militar a principios de la década de los setenta tendrá como resultado una mayor radicalización del contenido político en la obra de Meireles. Este momento está marcado por las Inserções em circuitos ideológicos (Inserciones en circuitos ideológicos, 1970), que se relacionan con la idea del intercambio y se basan en la investigación de los mecanismos sociales que articulan la circulación de bienes de consumo y de información. Así, su obra más conocida de esta serie es el Projeto Coca-Cola (Proyecto Coca-Cola), en el que Meireles imprimió sobre botellas de este refresco mensajes como «Yankees Go Home», y después puso las botellas nuevamente en circulación. Las Malhas da liberdade (Mallas de libertad, 1976-1977) empezaron como un garabato: Meireles dibujó una línea y luego otra que la cruzaba hasta formar una retícula. Si no hay limitaciones formales, la retícula puede crecer indefinidamente hasta crear un sistema de bifurcaciones, divisiones y duplicaciones cada vez más desordenado, según el principio definido por el matemático Mitchell Feigenbaum en sus estudios sobre la teoría del caos. Mediante una malla metálica, material asociado con mecanismos restrictivos, Malhas da liberdade transforma ese sistema desordenado en una posibilidad de librarse de la coacción y represión de la vida bajo la dictadura militar. Cildo Meireles ha manifestado en varias ocasiones que el espacio posee connotaciones «físicas, geométricas, históricas, psicológicas, topológicas y antropológicas» y que estas constituyen el núcleo básico de su obra. Esto se refleja en una de sus obras más emblemáticas, Eureka/Blindhotland (1970-1975), en la que analiza la relación entre el conocimiento y la percepción, la construcción mental y la experiencia sensorial. En esta escultura se combinan varios elementos (una banda sonora, inserciones en prensa y esferas del mismo tamaño con diferentes pesos). La sorpresa es que peso y volumen no se corresponden; es una invitación al juego y a la participación del espectador. El exceso y la acumulación están presentes en Missão/Missões (Como construir catedrais) (Misión/Misiones [Cómo construir catedrales], 1987), en la que Meireles retoma la idea de la colonización religiosa de Brasil, y trata de cuantificar el coste humano de la evangelización y su conexión con la explotación de las riquezas de las colonias. También se observa en Através (A través, 1983-1989/2007) un laberinto de rejas, mallas, en el que el suelo está formado por cristales rotos y donde se invita al público a enfrentarse a sus miedos, las creencias heredadas o impuestas. En el laberinto de Meireles, el acceso se permite y deniega a la vez: la mirada puede penetrar lo que el cuerpo no puede franquear. Como antítesis al exceso encontramos la reducción extrema, una de cuyas formas más intensas es la monocromía, utilizada a principios del siglo xx como elemento de búsqueda del «arte puro» y que Meireles carga de simbolismo y connotaciones no-artísticas. Así, acumulación y reducción extrema caracterizan Desvio para o vermelho (Desvío al rojo, 1967-1984), una instalación en tres partes en la que el color rojo actúa como elemento vertebrador y hace que nuestra percepción del mundo se transforme y pierda su lógica visual. El sonido es otro de los elementos que Cildo Meireles utiliza para crear espacios. En Babel (2001), una enorme torre de aparatos de radio, emparentada con la historia bíblica de la torre de Babel, plantea la incapacidad para comunicarse como causa de todos los conflictos de la humanidad. Debido a la naturaleza esencialmente temporal de un medio como la radio, en esta obra nunca hay dos experiencias iguales. La obra de Meireles se caracteriza por la búsqueda de nuevos significados a través de la confrontación, de la exploración de los límites en los ámbitos de la estética, la percepción, la ciencia y la economía. Se trata de un conjunto de obras que, en su búsqueda incesante, reflexionan sobre su propio lugar en el arte y pretenden ser huella, vestigio, residuo de una actividad, la del artista consciente de que la memoria es la única posibilidad de permanencia que le resta a una obra. ©2006 MACBA. All rights reserved http://www.arteeq.com/esp/evento/75/ http://www.arteeq.com/esp/evento/75/ Tue, 10 Feb 2009 23:00:00 GMT La, exposición, Cildo, Meireles, plantea,, sin, ánimo, retrospectivo, un, recorrido, por, la, obra, del, artista, (Río, de, Janeiro,, 1948), a, través, de sus, grandes, instalaciones,, dibujos, y, objetos, realizados, entre, 1967, y 2008., Cildo, Meireles, es, autor, de, una, obra, de, extraordinaria complejidad,, que, hunde, sus, raíces, en, la, confluencia, de, la, política,, la filosofía, y, la, simbología, de, nuestro, tiempo., La, reciente, concesión, del Premio, Velázquez, de, Artes, Plásticas, a, Meireles, (2008), confirma, la fascinación, e, interés, que, suscita, el, trabajo, de, este, artista, brasileño fuera, de, las, fronteras, de, su, país. La, figura, de, Cildo, Meireles, es, fundamental, para, entender, la vanguardia, artística, brasileña, de, posguerra, ya, que, supone, un, puente entre, el, neoconcretismo, de, finales, de, los, años, cincuenta, y, el, arte conceptual, brasileño, de, finales, de, los, sesenta., El, neoconcretismo, cuyos, principales, representantes, Hélio, Oiticica,, Lygia, Clark, y, Lygia Pape, son, referencias, constantes, en, la, obra, de, Meireles,, rechaza, el racionalismo, extremo, de, la, abstracción, geométrica, para, crear, obras, más sensoriales, y, participativas,, que, apelan, no, solo, a, la, mente, sino también, al, cuerpo., El, optimismo, utópico, de, este, movimiento, se, vino abajo, tras, el, golpe, de, Estado, de, 1964,, que, abrió, paso, a, un, régimen militar, dictatorial,, y, que, marcó, a, una, nueva, generación, de, artistas,, la de, Cildo, Meireles,, cuya, obra, tiene, un, mayor, compromiso, político, reflejo, del, contexto, histórico., La, obra, de, Meireles, podría, definirse, como, un, acercamiento, poético al, estudio, de, la, sociedad,, ya, que, busca, responder, a, preguntas relacionadas, con, todos, los, ámbitos, sociales:, examina, los, procesos, de comunicación,, la, figura, del, espectador, y, el, valor, del, arte, o, los legados, de, la, historia., La, temática, de, su, obra, incluye, desde, la expansión, del, capitalismo, en, el, ámbito, internacional, hasta, la, cultura de, los, indios, brasileños, en, el, Amazonas,, y, no, responde, a, ninguna jerarquía, de, materiales, o, tamaños., Sus, obras, suelen, partir, de, un elemento, concreto, que, se, desarrolla, de, tal, manera, que, lo, real,, lo simbólico, y, lo, imaginario, se, combinan, hasta, encontrar, el, equilibrio., Los, primeros, trabajos, de, Meireles, se, plasmaron, en, forma, de, dibujos., Así,, en, sus, series, Espaços, virtuais:, Cantos, (Espacios, virtuales:, Rincones,, 1968),, Volumes, virtuais, (Volúmenes, virtuales,, 1968-1969), y, Ocupações (Ocupaciones,, 1968-1969),, Meireles, investiga, las, posibilidades, del espacio, geométrico, euclidiano,, utilizando, tres, planos, para, definir, una figura, en, el, espacio., Se, trata, de, un, concepto, abstracto, que, intentará concretar, en, la, serie, de, esculturas, Cantos, (Rincones, 1967-1968),, que, funciona, bajo, el, mismo, principio, y, en, las, que,, a, través de, modelos, a, escala, natural,, reconstruye, rincones, domésticos, típicos. Mutações, geográficas, (Mutaciones, geográficas,, 1969), es, una serie, de, obras, que, analiza, el, inmenso, territorio, de, Brasil, y, la naturaleza, de, las, fronteras, geográficas., Al, mismo, tiempo, hace referencia, a, la, infancia, de, Cildo, Meireles, y, a, los, constantes desplazamientos, de, su, familia, por, el, vasto, territorio, brasileño, a, raíz del, trabajo, de, su, padre, en, el, Servicio, de, Protección, a, los, Indios., La serie, Arte, física, (Arte, físico,, 1969), se, basa, en, collages, que plantean, propuestas, para, posibles, acciones, relacionadas, con, el, espacio geográfico, y, topológico, y, que, en, muchos, casos, nunca, llegaron, a realizarse., A, finales, de, la, década, de, los, sesenta, Meireles, comienza, a, trabajar, en, el, concepto, de, Condensados, pequeños, objetos, que, demuestran, cómo, el, poder, simbólico, de, una, obra, de arte, no, tiene, que, ver, con, su, tamaño., Un, ejemplo, paradigmático, de, estos es, Cruzeiro, do, Sul, (Cruz, del, Sur,, 1969-1970),, en, la, que, un, cubo diminuto, de, madera, de, roble, y, pino,, maderas, sagradas, para, los, indios, se, convierte, en, un, emblema, de, la, condición, moderna., Es, una, obra, que,, a pesar, de, sus, reducidas, dimensiones,, sienta, las, bases, de, muchos, de, los temas, que, Meireles, desarrollará, a, lo, largo, de, toda, su, carrera,, ya, que supone, un, primer, acercamiento, a, la, dimensión, espacial, desde, el, punto, de vista, de, la, escala;, al, mismo, tiempo, es, una, crítica, de, la, concepción eurocéntrica, de, la, historia, y, una, reflexión, sobre, la, necesidad, de, los mitos;, planteando, un, diálogo, entre, Occidente, y, las, tradiciones, de, los pueblos, nativos,, a, su, vez, crítico, e, irresuelto., En, Árvore, do, dinheiro, (Árbol, del, dinero,, 1969), Meireles analiza, la, paradoja, del, valor, simbólico, frente, al, valor, real, de, las cosas:, un, fajo, de, cien, billetes, de, un, cruceiro,, que, presenta, como, una obra, de, arte, sobre, un, pedestal,, se, puso, a, la, venta, a, un, precio, veinte veces, superior, a, esa, cantidad., De, este, modo, cuestiona, las, diferencias entre, valor, real,, simbólico, y, de, intercambio., Para, profundizar, en, ese análisis, del, valor,, de, 1974, a, 1978, se, aventuró, en, el, terreno, de, la falsificación, artística, y, produjo,, a, modo, de, parodia,, Zero, cruzeiro, (Cero, cruceiros), y, Zero, centavo (Cero, centavos),, reduciendo, el, valor, del, dinero, a, cero., También sustituyó, los, personajes, ilustres, que, suelen, adornar, los, billetes, por dos, personas,, en, principio,, al, margen, de, la, sociedad, brasileña:, un interno, de, un, psiquiátrico, que, había, visitado, en, Trinidad, y, un, indio Kraô., En, Zero, dollar, (Cero, dólares,, 1978-1984), y, Zero, cent (Cero, centavos,, 1978-1984),, profundiza, en, el, significado, de, lo monetario,, entendiendo, la, divisa, como, representación, icónica, de, un país., En, estas, obras, el, dinero, se, convierte, en, paradigma, de, la, relación entre, materia, y, símbolo,, puesto, que, puede, ser, ambas, cosas, a, la, vez. El, endurecimiento, de, la, dictadura, militar, a, principios, de, la, década de, los, setenta, tendrá, como, resultado, una, mayor, radicalización, del contenido, político, en, la, obra, de, Meireles., Este, momento, está, marcado por, las, Inserções, em, circuitos, ideológicos, (Inserciones, en circuitos, ideológicos,, 1970),, que, se, relacionan, con, la, idea, del intercambio, y, se, basan, en, la, investigación, de, los, mecanismos, sociales que, articulan, la, circulación, de, bienes, de, consumo, y, de, información. Así,, su, obra, más, conocida, de, esta, serie, es, el, Projeto, Coca-Cola (Proyecto, Coca-Cola),, en, el, que, Meireles, imprimió, sobre, botellas, de este, refresco, mensajes, como, «Yankees, Go, Home»,, y, después, puso, las botellas, nuevamente, en, circulación., Las, Malhas, da, liberdade, (Mallas, de, libertad,, 1976-1977) empezaron, como, un, garabato:, Meireles, dibujó, una, línea, y, luego, otra, que la, cruzaba, hasta, formar, una, retícula., Si, no, hay, limitaciones, formales, la, retícula, puede, crecer, indefinidamente, hasta, crear, un, sistema, de bifurcaciones,, divisiones, y, duplicaciones, cada, vez, más, desordenado, según, el, principio, definido, por, el, matemático, Mitchell, Feigenbaum, en sus, estudios, sobre, la, teoría, del, caos., Mediante, una, malla, metálica, material, asociado, con, mecanismos, restrictivos,, Malhas, da, liberdade transforma, ese, sistema, desordenado, en, una, posibilidad, de, librarse, de, la coacción, y, represión, de, la, vida, bajo, la, dictadura, militar., Cildo, Meireles, ha, manifestado, en, varias, ocasiones, que, el, espacio posee, connotaciones, «físicas,, geométricas,, históricas,, psicológicas, topológicas, y, antropológicas», y, que, estas, constituyen, el, núcleo, básico de, su, obra., Esto, se, refleja, en, una, de, sus, obras, más, emblemáticas,, Eureka/Blindhotland (1970-1975),, en, la, que, analiza, la, relación, entre, el, conocimiento, y, la percepción,, la, construcción, mental, y, la, experiencia, sensorial., En, esta escultura, se, combinan, varios, elementos, (una, banda, sonora,, inserciones en, prensa, y, esferas, del, mismo, tamaño, con, diferentes, pesos)., La, sorpresa es, que, peso, y, volumen, no, se, corresponden;, es, una, invitación, al, juego, y a, la, participación, del, espectador., El, exceso, y, la, acumulación, están, presentes, en, Missão/Missões, (Como, construir, catedrais), (Misión/Misiones, [Cómo, construir, catedrales],, 1987),, en, la, que, Meireles retoma, la, idea, de, la, colonización, religiosa, de, Brasil,, y, trata, de cuantificar, el, coste, humano, de, la, evangelización, y, su, conexión, con, la explotación, de, las, riquezas, de, las, colonias., También, se, observa, en, Através (A, través,, 1983-1989/2007), un, laberinto, de, rejas,, mallas,, en, el, que, el suelo, está, formado, por, cristales, rotos, y, donde, se, invita, al, público, a enfrentarse, a, sus, miedos,, las, creencias, heredadas, o, impuestas., En, el laberinto, de, Meireles,, el, acceso, se, permite, y, deniega, a, la, vez:, la mirada, puede, penetrar, lo, que, el, cuerpo, no, puede, franquear., Como, antítesis, al, exceso, encontramos, la, reducción, extrema,, una, de cuyas, formas, más, intensas, es, la, monocromía,, utilizada, a, principios, del siglo, xx, como, elemento, de, búsqueda, del, «arte, puro», y, que, Meireles, carga de, simbolismo, y, connotaciones, no-artísticas., Así,, acumulación, y reducción, extrema, caracterizan, Desvio, para, o, vermelho, (Desvío al, rojo,, 1967-1984),, una, instalación, en, tres, partes, en, la, que, el, color rojo, actúa, como, elemento, vertebrador, y, hace, que, nuestra, percepción, del mundo, se, transforme, y, pierda, su, lógica, visual., El, sonido, es, otro, de, los, elementos, que, Cildo, Meireles, utiliza, para, crear, espacios., En, Babel, (2001),, una, enorme, torre, de, aparatos, de, radio,, emparentada, con, la historia, bíblica, de, la, torre, de, Babel,, plantea, la, incapacidad, para comunicarse, como, causa, de, todos, los, conflictos, de, la, humanidad., Debido a, la, naturaleza, esencialmente, temporal, de, un, medio, como, la, radio,, en esta, obra, nunca, hay, dos, experiencias, iguales., La, obra, de, Meireles, se, caracteriza, por, la, búsqueda, de, nuevos significados, a, través, de, la, confrontación,, de, la, exploración, de, los límites, en, los, ámbitos, de, la, estética,, la, percepción,, la, ciencia, y, la economía., Se, trata, de, un, conjunto, de, obras, que,, en, su, búsqueda incesante,, reflexionan, sobre, su, propio, lugar, en, el, arte, y, pretenden, ser huella,, vestigio,, residuo, de, una, actividad,, la, del, artista, consciente de, que, la, memoria, es, la, única, posibilidad, de, permanencia, que, le, resta, a una, obra. ©2006, MACBA., All, rights, reserved El objetivo de esta exposición es presentar el amplio espectro de implicaciones, problemas y soluciones suscitado por la representación de la sombra proyectada en el arte, desde el Renacimiento hasta nuestros días. La muestra está planteada en dos grandes bloques estrechamente relacionados entre sí: En primer lugar, un completo recorrido por la obra de artistas y movimientos que, desde el Renacimiento hasta finales del siglo XIX, han representado y utilizado el elemento sombra de uno u otro modo en sus composiciones: desde las connotaciones simbólicas o su estudio y utilización en la creación de perspectivas de los artistas del Renacimiento, hasta la representación de la luz y la sombra en el Impresionismo, pasando por su espectacular uso por parte de los pintores tenebristas del Barroco o su incorporación como elemento narrativo fundamental en la época romántica y postromántica. La segunda parte, que se presenta en las salas de exposición de la Fundación Caja Madrid, se abre con una sección consagrada a las sombras y luces de la Modernidad, tal como éstas se representan a lo largo del siglo XX, con especial atención a su utilización en los juegos de proyección de los pintores surrealistas y a su papel protagonista en el Expresionismo alemán. Los demás capítulos de esta segunda parte ofrecerán un panorama de la utilización multimedia y lúdica del juego de sombras, desde la fotografía de Man Ray y André Kertész hasta las experiencias cinematográficas de Murnau, Orson Welles o Peter Greenaway. © Caja Madrid. 2001 - 2009. España. Todos los derechos reservados arteeq La Sombra - Fundación Caja Madrid El objetivo de esta exposición es presentar el amplio espectro de implicaciones, problemas y soluciones suscitado por la representación de la sombra proyectada en el arte, desde el Renacimiento hasta nuestros días. La muestra está planteada en dos grandes bloques estrechamente relacionados entre sí: En primer lugar, un completo recorrido por la obra de artistas y movimientos que, desde el Renacimiento hasta finales del siglo XIX, han representado y utilizado el elemento sombra de uno u otro modo en sus composiciones: desde las connotaciones simbólicas o su estudio y utilización en la creación de perspectivas de los artistas del Renacimiento, hasta la representación de la luz y la sombra en el Impresionismo, pasando por su espectacular uso por parte de los pintores tenebristas del Barroco o su incorporación como elemento narrativo fundamental en la época romántica y postromántica. La segunda parte, que se presenta en las salas de exposición de la Fundación Caja Madrid, se abre con una sección consagrada a las sombras y luces de la Modernidad, tal como éstas se representan a lo largo del siglo XX, con especial atención a su utilización en los juegos de proyección de los pintores surrealistas y a su papel protagonista en el Expresionismo alemán. Los demás capítulos de esta segunda parte ofrecerán un panorama de la utilización multimedia y lúdica del juego de sombras, desde la fotografía de Man Ray y André Kertész hasta las experiencias cinematográficas de Murnau, Orson Welles o Peter Greenaway. © Caja Madrid. 2001 - 2009. España. Todos los derechos reservados http://www.arteeq.com/esp/evento/76/ http://www.arteeq.com/esp/evento/76/ Mon, 09 Feb 2009 23:00:00 GMT El, objetivo, de, esta, exposición, es, presentar, el, amplio, espectro, de, implicaciones,, problemas, y, soluciones, suscitado, por, la, representación, de, la, sombra, proyectada, en, el, arte,, desde, el, Renacimiento, hasta, nuestros, días., La, muestra, está, planteada, en, dos, grandes, bloques, estrechamente, relacionados, entre, sí:, En, primer, lugar,, un, completo, recorrido, por, la, obra, de, artistas, y, movimientos, que,, desde, el, Renacimiento, hasta, finales, del, siglo, XIX,, han, representado, y, utilizado, el, elemento, sombra, de, uno, u, otro, modo, en, sus, composiciones:, desde, las, connotaciones, simbólicas, o, su, estudio, y, utilización, en, la, creación, de, perspectivas, de, los, artistas, del, Renacimiento,, hasta, la, representación, de, la, luz, y, la, sombra, en, el, Impresionismo,, pasando, por, su, espectacular, uso, por, parte, de, los, pintores, tenebristas, del, Barroco, o, su, incorporación, como, elemento, narrativo, fundamental, en, la, época, romántica, y, postromántica. La, segunda, parte,, que, se, presenta, en, las, salas, de, exposición, de, la, Fundación, Caja, Madrid,, se, abre, con, una, sección, consagrada, a, las, sombras, y, luces, de, la, Modernidad,, tal, como, éstas, se, representan, a, lo, largo, del, siglo, XX,, con, especial, atención, a, su, utilización, en, los, juegos, de, proyección, de, los, pintores, surrealistas, y, a, su, papel, protagonista, en, el, Expresionismo, alemán., Los, demás, capítulos, de, esta, segunda, parte, ofrecerán, un, panorama, de, la, utilización, multimedia, y, lúdica, del, juego, de, sombras,, desde, la, fotografía, de, Man, Ray, y, André, Kertész, hasta, las, experiencias, cinematográficas, de, Murnau,, Orson, Welles, o, Peter, Greenaway. ©, Caja, Madrid., 2001, -, 2009., España., Todos, los, derechos, reservados Bajo el título Hipótesis Urbana. Investigación sobre diseño contemporáneo arranca la primera de las exposiciones que en 2009 albergará el CBA del ciclo dedicado al diseño que se viene celebrando en esta institución desde hace dos años con el fin de generar una reflexión teórica que permita apreciar en su justa medida las aportaciones a la historia del diseño de cada uno de sus artífices. Hipótesis Urbana... es una exposición audiovisual cuyas proyecciones muestran diferentes intervenciones urbanas desde el punto de vista de arquitectos, diseñadores y performers. Deshacerse de lo aprendido y analizar nuevamente el objeto urbano desde su conclusión hasta la raíz del proceso creativo y la motivación es el objetivo de esta muestra dividida en diversos espacios diferenciados por la relación existente entre el ciudadano y los objetos urbanísticos con los que interactúa. arteeq Hipóteis Urbana - CBA Bajo el título Hipótesis Urbana. Investigación sobre diseño contemporáneo arranca la primera de las exposiciones que en 2009 albergará el CBA del ciclo dedicado al diseño que se viene celebrando en esta institución desde hace dos años con el fin de generar una reflexión teórica que permita apreciar en su justa medida las aportaciones a la historia del diseño de cada uno de sus artífices. Hipótesis Urbana... es una exposición audiovisual cuyas proyecciones muestran diferentes intervenciones urbanas desde el punto de vista de arquitectos, diseñadores y performers. Deshacerse de lo aprendido y analizar nuevamente el objeto urbano desde su conclusión hasta la raíz del proceso creativo y la motivación es el objetivo de esta muestra dividida en diversos espacios diferenciados por la relación existente entre el ciudadano y los objetos urbanísticos con los que interactúa. http://www.arteeq.com/esp/evento/74/ http://www.arteeq.com/esp/evento/74/ Wed, 28 Jan 2009 23:00:00 GMT Bajo, el, título, Hipótesis, Urbana., Investigación, sobre, diseño, contemporáneo, arranca la, primera, de, las, exposiciones, que, en, 2009, albergará, el, CBA, del, ciclo dedicado, al, diseño, que, se, viene, celebrando, en, esta, institución, desde hace, dos, años, con, el, fin, de, generar, una, reflexión, teórica, que, permita apreciar, en, su, justa, medida, las, aportaciones, a, la, historia, del, diseño de, cada, uno, de, sus, artífices. Hipótesis, Urbana..., es, una, exposición, audiovisual, cuyas, proyecciones muestran, diferentes, intervenciones, urbanas, desde, el, punto, de, vista, de arquitectos,, diseñadores, y, performers., Deshacerse, de, lo, aprendido, y analizar, nuevamente, el, objeto, urbano, desde, su, conclusión, hasta, la, raíz del, proceso, creativo, y, la, motivación, es, el, objetivo, de, esta, muestra dividida, en, diversos, espacios, diferenciados, por, la, relación, existente entre, el, ciudadano, y, los, objetos, urbanísticos, con, los, que, interactúa. Estrategias para la convivencia Comisariada por Xabier Arakistain y Emma Dexter Daniel Baker, Claire Fontaine, Marcus Coates, Gardar Eide Einarsson, Nicole Eisenman, Dora García, Delaine Le Bas, Josephine Meckseper, Mai-Thu Perret, Société Réaliste, Paula Trope, Eulàlia Valdosera, Lynette Yiadom-Boakye y Artur Zmijewski. ¿Qué está ocurriendo con el espacio interrelacional del mundo contemporáneo?, ¿qué mecanismos operan, a menudo veladamente, para ordenarlo?, ¿qué valores debemos revisar, construir, consensuar y afianzar para que sirvan de cimientos sobre los que asentar las bases de una mejor convivencia en el siglo XXI? "Living Together" aborda un abanico de conflictos sociales, políticos, económicos y emocionales que están marcando este comienzo de siglo incidiendo en la íntima articulación que existe entre esas esferas. Invocando los conflictos que enfrentan entre sí a la pluralidad de sujetos que comparten el momento actual, se desea cuestionar cómo se construyen y negocian las distintas narrativas que, en nuestras sociedades, nutren y regulan la idea de convivencia. Narrativas de largo, medio y corto recorrido como las que conciernen a los valores sociales, las libertades individuales y su control, los flujos migratorios, la diferencia sexual, la étnica, el trabajo, el desempleo, la pobreza, los derechos humanos, hasta tejer un largo etcétera de relatos que perpetuamos o construimos a diario. La exposición se plantea como un dispositivo de análisis que pretende desvelar la red de ideologías que nutre esas narrativas -y que produce esos conflictos-, y destacar el papel que juegan los sistemas de representación en los procesos de negociación o imposición de la convivencia. "Living Together" reúne a 14 artistas procedentes de diversos contextos que exhiben piezas realizadas en los últimos 6 años y producciones específicas para esta muestra. Desde diferentes perspectivas, las obras proponen una reflexión abierta y múltiple sobre las cuestiones anteriormente enunciadas, a la par que formulan estrategias, alternativas a las hegemónicas, para la convivencia. En pleno auge del individualismo, las piezas muestran cómo se constituyen grupos y comunidades en base a estructuras creadas con el fin de progresar y de apoyarse mutuamente. Asimismo, inciden en como frente a un contexto generalizado de apatía política, la esperanza reside en el compromiso y las acciones de tipo hazlo tu mismo/a. Los signos austeros y las banderas de Gardar Eide Einarsson expresan una enérgica crítica a la autoridad y al control ejercido sobre los individuos y los grupos. Los cuadros de Nicole Eisenman exploran la naturaleza misma de la condición humana, que, utilizando un humor crudo, describe la sociedad como grupos de individuos aislados, que subsisten más que viven. Las monedas, neones y otros objetos aparentemente inofensivos, customizados por el colectivo artístico Claire Fontaine, hacen las veces de interfaz entre el arte y el activismo, dejando al descubierto la agresión y la violencia inherentes al hipercapitalismo. El proyecto "EU Green Card Lottery: The Lagos File" del colectivo Société Réaliste investiga la industria de la migración y cómo Europa controla sus fronteras y mano de obra. La serie fotográfica de Paula Trope, "Sem Simpatia", muestra a los jóvenes y niños de las favelas de Río imágenes creadas por los propios sujetos marginales utilizando cámaras oscuras caseras hechas con latas y distribuidas por la artista. El vídeo de Dora García, "Cellule Cité Lénine", examina el legado diatópico del fracaso que se percibe en la arquitectura experimental modernista a través de los habitantes de un edificio situado en los suburbios parisinos, mientras que las fotografías de Eulàlia Valldosera trazan un mapa de los dramas ocultos y las estructuras que operan en las realidades sociales contemporáneas. Las esculturas e instalaciones de Josephine Meckseper exploran las relaciones entre la alta costura, el fetichismo mercantil y el activismo político, estableciendo analogías en el espacio simbólico de las sociedades de consumo entre ámbitos aparentemente distantes. Mai-Thu Perret crea una meta-narrativa sobre una comunidad de mujeres que ha dado la espalda a la sociedad, su tetera gigante funciona a modo de reliquia de la fantasía cultural alternativa producida por esa comunidad imaginaria del desierto del sudeste estadounidense. La instalación de Daniel Baker idea un laberinto desorientador de signos y mensajes ambiguos y contradictorios, creando múltiples capas de lectura, que hacen referencia a la cultura y la historia. El conceptualismo poético de Marcus Coates reactiva la esperanza en la cohesión social y en la idea de comunidad utilizando la belleza y la espiritualidad para combatir el aislamiento y el fracaso. Por su parte, las instalaciones de Delaine Le Bas, collages delicadamente bordados, ocultan una cólera amarga ante la hipocresía continuada y los prejuicios contra las comunidades marginadas. Los vídeos de Artur Zmijewski son experimentos diseñados con el fin de reflejar los conflictos inherentes a la sociedad; en "Them", el artista organiza una reunión polémica entre grupos sociales radicalmente diferentes pero igualmente polarizados el resultado es tan cómico como deprimente. Los cuadros de Lynette Yiadom-Boakye se centran siempre en un sujeto imaginario; en "Please to meet you" analiza cómo un mismo individuo se transforma en relación a diferentes entornos y en el contexto de la interacción con una comunidad de otros. La muestra irá acompañada de una serie de actividades: un ciclo de conferencias sobre los ejes conceptuales del proyecto a cargo de teóricas y teóricos de las ciencias sociales y humanas y artistas participantes en la exposición; un ciclo de cine documental en torno a la problemática de los derechos humanos acompañado de debates; y varios programas educativos con el fin de promover la reflexión y la participación de los públicos sobre las problemáticas de la convivencia contemporánea. Xabier Arakistain & Emma Dexter. arteeq Living Together - Centre Cultural Montehermoso Kulturunea Estrategias para la convivencia Comisariada por Xabier Arakistain y Emma Dexter Daniel Baker, Claire Fontaine, Marcus Coates, Gardar Eide Einarsson, Nicole Eisenman, Dora García, Delaine Le Bas, Josephine Meckseper, Mai-Thu Perret, Société Réaliste, Paula Trope, Eulàlia Valdosera, Lynette Yiadom-Boakye y Artur Zmijewski. ¿Qué está ocurriendo con el espacio interrelacional del mundo contemporáneo?, ¿qué mecanismos operan, a menudo veladamente, para ordenarlo?, ¿qué valores debemos revisar, construir, consensuar y afianzar para que sirvan de cimientos sobre los que asentar las bases de una mejor convivencia en el siglo XXI? "Living Together" aborda un abanico de conflictos sociales, políticos, económicos y emocionales que están marcando este comienzo de siglo incidiendo en la íntima articulación que existe entre esas esferas. Invocando los conflictos que enfrentan entre sí a la pluralidad de sujetos que comparten el momento actual, se desea cuestionar cómo se construyen y negocian las distintas narrativas que, en nuestras sociedades, nutren y regulan la idea de convivencia. Narrativas de largo, medio y corto recorrido como las que conciernen a los valores sociales, las libertades individuales y su control, los flujos migratorios, la diferencia sexual, la étnica, el trabajo, el desempleo, la pobreza, los derechos humanos, hasta tejer un largo etcétera de relatos que perpetuamos o construimos a diario. La exposición se plantea como un dispositivo de análisis que pretende desvelar la red de ideologías que nutre esas narrativas -y que produce esos conflictos-, y destacar el papel que juegan los sistemas de representación en los procesos de negociación o imposición de la convivencia. "Living Together" reúne a 14 artistas procedentes de diversos contextos que exhiben piezas realizadas en los últimos 6 años y producciones específicas para esta muestra. Desde diferentes perspectivas, las obras proponen una reflexión abierta y múltiple sobre las cuestiones anteriormente enunciadas, a la par que formulan estrategias, alternativas a las hegemónicas, para la convivencia. En pleno auge del individualismo, las piezas muestran cómo se constituyen grupos y comunidades en base a estructuras creadas con el fin de progresar y de apoyarse mutuamente. Asimismo, inciden en como frente a un contexto generalizado de apatía política, la esperanza reside en el compromiso y las acciones de tipo hazlo tu mismo/a. Los signos austeros y las banderas de Gardar Eide Einarsson expresan una enérgica crítica a la autoridad y al control ejercido sobre los individuos y los grupos. Los cuadros de Nicole Eisenman exploran la naturaleza misma de la condición humana, que, utilizando un humor crudo, describe la sociedad como grupos de individuos aislados, que subsisten más que viven. Las monedas, neones y otros objetos aparentemente inofensivos, customizados por el colectivo artístico Claire Fontaine, hacen las veces de interfaz entre el arte y el activismo, dejando al descubierto la agresión y la violencia inherentes al hipercapitalismo. El proyecto "EU Green Card Lottery: The Lagos File" del colectivo Société Réaliste investiga la industria de la migración y cómo Europa controla sus fronteras y mano de obra. La serie fotográfica de Paula Trope, "Sem Simpatia", muestra a los jóvenes y niños de las favelas de Río imágenes creadas por los propios sujetos marginales utilizando cámaras oscuras caseras hechas con latas y distribuidas por la artista. El vídeo de Dora García, "Cellule Cité Lénine", examina el legado diatópico del fracaso que se percibe en la arquitectura experimental modernista a través de los habitantes de un edificio situado en los suburbios parisinos, mientras que las fotografías de Eulàlia Valldosera trazan un mapa de los dramas ocultos y las estructuras que operan en las realidades sociales contemporáneas. Las esculturas e instalaciones de Josephine Meckseper exploran las relaciones entre la alta costura, el fetichismo mercantil y el activismo político, estableciendo analogías en el espacio simbólico de las sociedades de consumo entre ámbitos aparentemente distantes. Mai-Thu Perret crea una meta-narrativa sobre una comunidad de mujeres que ha dado la espalda a la sociedad, su tetera gigante funciona a modo de reliquia de la fantasía cultural alternativa producida por esa comunidad imaginaria del desierto del sudeste estadounidense. La instalación de Daniel Baker idea un laberinto desorientador de signos y mensajes ambiguos y contradictorios, creando múltiples capas de lectura, que hacen referencia a la cultura y la historia. El conceptualismo poético de Marcus Coates reactiva la esperanza en la cohesión social y en la idea de comunidad utilizando la belleza y la espiritualidad para combatir el aislamiento y el fracaso. Por su parte, las instalaciones de Delaine Le Bas, collages delicadamente bordados, ocultan una cólera amarga ante la hipocresía continuada y los prejuicios contra las comunidades marginadas. Los vídeos de Artur Zmijewski son experimentos diseñados con el fin de reflejar los conflictos inherentes a la sociedad; en "Them", el artista organiza una reunión polémica entre grupos sociales radicalmente diferentes pero igualmente polarizados el resultado es tan cómico como deprimente. Los cuadros de Lynette Yiadom-Boakye se centran siempre en un sujeto imaginario; en "Please to meet you" analiza cómo un mismo individuo se transforma en relación a diferentes entornos y en el contexto de la interacción con una comunidad de otros. La muestra irá acompañada de una serie de actividades: un ciclo de conferencias sobre los ejes conceptuales del proyecto a cargo de teóricas y teóricos de las ciencias sociales y humanas y artistas participantes en la exposición; un ciclo de cine documental en torno a la problemática de los derechos humanos acompañado de debates; y varios programas educativos con el fin de promover la reflexión y la participación de los públicos sobre las problemáticas de la convivencia contemporánea. Xabier Arakistain & Emma Dexter. http://www.arteeq.com/esp/evento/77/ http://www.arteeq.com/esp/evento/77/ Thu, 22 Jan 2009 23:00:00 GMT Estrategias, para, la, convivencia Comisariada, por, Xabier, Arakistain, y, Emma, Dexter Daniel, Baker,, Claire, Fontaine,, Marcus, Coates,, Gardar, Eide, Einarsson, Nicole, Eisenman,, Dora, García,, Delaine, Le, Bas,, Josephine, Meckseper, Mai-Thu, Perret,, Société, Réaliste,, Paula, Trope,, Eulàlia, Valdosera, Lynette, Yiadom-Boakye, y, Artur, Zmijewski. ¿Qué, está, ocurriendo, con, el, espacio, interrelacional, del, mundo contemporáneo?,, ¿qué, mecanismos, operan,, a, menudo, veladamente,, para ordenarlo?,, ¿qué, valores, debemos, revisar,, construir,, consensuar, y afianzar, para, que, sirvan, de, cimientos, sobre, los, que, asentar, las, bases de, una, mejor, convivencia, en, el, siglo, XXI? "Living, Together", aborda, un, abanico, de, conflictos, sociales,, políticos, económicos, y, emocionales, que, están, marcando, este, comienzo, de, siglo incidiendo, en, la, íntima, articulación, que, existe, entre, esas, esferas. Invocando, los, conflictos, que, enfrentan, entre, sí, a, la, pluralidad, de sujetos, que, comparten, el, momento, actual,, se, desea, cuestionar, cómo, se construyen, y, negocian, las, distintas, narrativas, que,, en, nuestras sociedades,, nutren, y, regulan, la, idea, de, convivencia., Narrativas, de largo,, medio, y, corto, recorrido, como, las, que, conciernen, a, los, valores sociales,, las, libertades, individuales, y, su, control,, los, flujos migratorios,, la, diferencia, sexual,, la, étnica,, el, trabajo,, el, desempleo, la, pobreza,, los, derechos, humanos,, hasta, tejer, un, largo, etcétera, de relatos, que, perpetuamos, o, construimos, a, diario., La, exposición, se plantea, como, un, dispositivo, de, análisis, que, pretende, desvelar, la, red, de ideologías, que, nutre, esas, narrativas, -y, que, produce, esos, conflictos-,, y destacar, el, papel, que, juegan, los, sistemas, de, representación, en, los procesos, de, negociación, o, imposición, de, la, convivencia. "Living, Together", reúne, a, 14, artistas, procedentes, de, diversos, contextos que, exhiben, piezas, realizadas, en, los, últimos, 6, años, y, producciones específicas, para, esta, muestra., Desde, diferentes, perspectivas,, las, obras proponen, una, reflexión, abierta, y, múltiple, sobre, las, cuestiones anteriormente, enunciadas,, a, la, par, que, formulan, estrategias, alternativas, a, las, hegemónicas,, para, la, convivencia., En, pleno, auge, del individualismo,, las, piezas, muestran, cómo, se, constituyen, grupos, y comunidades, en, base, a, estructuras, creadas, con, el, fin, de, progresar, y, de apoyarse, mutuamente., Asimismo,, inciden, en, como, frente, a, un, contexto generalizado, de, apatía, política,, la, esperanza, reside, en, el, compromiso, y las, acciones, de, tipo, hazlo, tu, mismo/a. Los, signos, austeros, y, las, banderas, de, Gardar, Eide, Einarsson, expresan una, enérgica, crítica, a, la, autoridad, y, al, control, ejercido, sobre, los individuos, y, los, grupos., Los, cuadros, de, Nicole, Eisenman, exploran, la naturaleza, misma, de, la, condición, humana,, que,, utilizando, un, humor crudo,, describe, la, sociedad, como, grupos, de, individuos, aislados,, que subsisten, más, que, viven., Las, monedas,, neones, y, otros, objetos aparentemente, inofensivos,, customizados, por, el, colectivo, artístico Claire, Fontaine,, hacen, las, veces, de, interfaz, entre, el, arte, y, el activismo,, dejando, al, descubierto, la, agresión, y, la, violencia, inherentes al, hipercapitalismo., El, proyecto, "EU, Green, Card, Lottery:, The, Lagos File", del, colectivo, Société, Réaliste, investiga, la, industria, de, la migración, y, cómo, Europa, controla, sus, fronteras, y, mano, de, obra., La, serie fotográfica, de, Paula, Trope,, "Sem, Simpatia",, muestra, a, los, jóvenes, y niños, de, las, favelas, de, Río, imágenes, creadas, por, los, propios, sujetos marginales, utilizando, cámaras, oscuras, caseras, hechas, con, latas, y distribuidas, por, la, artista., El, vídeo, de, Dora, García,, "Cellule, Cité Lénine",, examina, el, legado, diatópico, del, fracaso, que, se, percibe, en, la arquitectura, experimental, modernista, a, través, de, los, habitantes, de, un edificio, situado, en, los, suburbios, parisinos,, mientras, que, las fotografías, de, Eulàlia, Valldosera, trazan, un, mapa, de, los, dramas, ocultos y, las, estructuras, que, operan, en, las, realidades, sociales, contemporáneas. Las, esculturas, e, instalaciones, de, Josephine, Meckseper, exploran, las relaciones, entre, la, alta, costura,, el, fetichismo, mercantil, y, el activismo, político,, estableciendo, analogías, en, el, espacio, simbólico, de las, sociedades, de, consumo, entre, ámbitos, aparentemente, distantes. Mai-Thu, Perret, crea, una, meta-narrativa, sobre, una, comunidad, de, mujeres que, ha, dado, la, espalda, a, la, sociedad,, su, tetera, gigante, funciona, a, modo de, reliquia, de, la, fantasía, cultural, alternativa, producida, por, esa comunidad, imaginaria, del, desierto, del, sudeste, estadounidense., La instalación, de, Daniel, Baker, idea, un, laberinto, desorientador, de, signos, y mensajes, ambiguos, y, contradictorios,, creando, múltiples, capas, de lectura,, que, hacen, referencia, a, la, cultura, y, la, historia., El conceptualismo, poético, de, Marcus, Coates, reactiva, la, esperanza, en, la cohesión, social, y, en, la, idea, de, comunidad, utilizando, la, belleza, y, la espiritualidad, para, combatir, el, aislamiento, y, el, fracaso., Por, su, parte, las, instalaciones, de, Delaine, Le, Bas,, collages, delicadamente, bordados, ocultan, una, cólera, amarga, ante, la, hipocresía, continuada, y, los prejuicios, contra, las, comunidades, marginadas., Los, vídeos, de, Artur Zmijewski, son, experimentos, diseñados, con, el, fin, de, reflejar, los conflictos, inherentes, a, la, sociedad;, en, "Them",, el, artista, organiza, una reunión, polémica, entre, grupos, sociales, radicalmente, diferentes, pero igualmente, polarizados, , el, resultado, es, tan, cómico, como, deprimente. Los, cuadros, de, Lynette, Yiadom-Boakye, se, centran, siempre, en, un, sujeto imaginario;, en, "Please, to, meet, you", analiza, cómo, un, mismo, individuo, se transforma, en, relación, a, diferentes, entornos, y, en, el, contexto, de, la interacción, con, una, comunidad, de, otros., La, muestra, irá, acompañada, de, una, serie, de, actividades:, un, ciclo, de conferencias, sobre, los, ejes, conceptuales, del, proyecto, a, cargo, de teóricas, y, teóricos, de, las, ciencias, sociales, y, humanas, y, artistas participantes, en, la, exposición;, un, ciclo, de, cine, documental, en, torno, a la, problemática, de, los, derechos, humanos, acompañado, de, debates;, y, varios programas, educativos, con, el, fin, de, promover, la, reflexión, y, la participación, de, los, públicos, sobre, las, problemáticas, de, la, convivencia contemporánea. Xabier, Arakistain, &, Emma, Dexter. El viaje supone un desplazamiento geográfico más o menos extenso en el tiempo. El resultado es una experiencia, una vivencia de lo exótico. Estas circulaciones (excursiones, aventuras, salidas de fin de semana, mudanzas, paseos, merodeos, peregrinaciones, incursiones...) pueden haber sido impulsadas por las ofertas de las agencias de viaje y low-cost, planeadas sin destino final, surgidas de modo espontáneo, impuestas por necesidad u obligación, organizadas en paquetes de viaje en diversos itinerarios, adquiridas con billete de ida y vuelta o de un único trayecto... Su acumulación en la memoria, o su visión en las estanterías de la sección de guías turísticas de las librerías, convierte al espacio extraño plural en un todo homogéneo.El ir y venir de nuestros viajes se materializa en el gran velo de billetes de tren que vemos en una de las obras de esta exposición de Paola Ruiz. Expedido por la propia empresa de transporte, el billete es siempre el documento que nos autentifica como viajeros y certifica nuestro desplazamiento. La proyección de video muestra la experiencia común de todos los usuarios del tren: el paisaje en movimiento desde la ventanilla, que es el entretenimiento paralelo al libro adquirido en la estación o a la oferta audiovisual de la compañía ferroviaria durante los ratos de vigilia. Porque el desplazamiento no es el origen ni el destino, sino un tiempo a llenar entre ambos puntos, aunque hay quien encuentra en el desplazamiento en sí el verdadero viaje. Sin embargo, las imágenes (fotografías, postales ...) resultado de este movimiento, suponen el anhelo de experiencias únicas e individuales que se convierten en la esencia misma del impulso del viaje: ese otro sitio en donde no estoy. Paola Ruiz nos presenta entonces un conjunto de obras que reflexionan sobre el viaje, sobre sus viajes. La calle puede ser observada a través del cristal de una ventana, de modo que sus ruidos nos llegan amortiguados, los movimientos se vuelven fantasmales y toda ella, pese a la transparencia del vidrio rígido y frío, aparezca como un ser latente del otro lado.La vinculación con el paisaje, la experiencia dada por los sucesivos cambios vividos. Todo ello dando pie a esta instalación escultórica que une los conceptos de espacio-tiempo. VOLVER A PONER. Una relación del dentro-afuera. Escultura construida a partir de billetes de transporte guardados durante largo periodo de tiempo, unidos entre sí dando formando un manto de recuerdos, de vivencias, que se adaptará perfectamente al lugar.Encontramos una parte de documentación gráfica y visual, podríamos decir casi un proceso antropológico de análisis de distintos lugares. Pequeñas esculturas formadas a través de imágenes, postales que nos dan otra visión de la realidad y video construido a partir de viajes realizados en distintos recorridos de trenes, grabados desde durante largo periodo de tiempo, dando forma a una pieza formada por 20 vídeos, dando lugar a un único video. arteeq Volver a poner El viaje supone un desplazamiento geográfico más o menos extenso en el tiempo. El resultado es una experiencia, una vivencia de lo exótico. Estas circulaciones (excursiones, aventuras, salidas de fin de semana, mudanzas, paseos, merodeos, peregrinaciones, incursiones...) pueden haber sido impulsadas por las ofertas de las agencias de viaje y low-cost, planeadas sin destino final, surgidas de modo espontáneo, impuestas por necesidad u obligación, organizadas en paquetes de viaje en diversos itinerarios, adquiridas con billete de ida y vuelta o de un único trayecto... Su acumulación en la memoria, o su visión en las estanterías de la sección de guías turísticas de las librerías, convierte al espacio extraño plural en un todo homogéneo.El ir y venir de nuestros viajes se materializa en el gran velo de billetes de tren que vemos en una de las obras de esta exposición de Paola Ruiz. Expedido por la propia empresa de transporte, el billete es siempre el documento que nos autentifica como viajeros y certifica nuestro desplazamiento. La proyección de video muestra la experiencia común de todos los usuarios del tren: el paisaje en movimiento desde la ventanilla, que es el entretenimiento paralelo al libro adquirido en la estación o a la oferta audiovisual de la compañía ferroviaria durante los ratos de vigilia. Porque el desplazamiento no es el origen ni el destino, sino un tiempo a llenar entre ambos puntos, aunque hay quien encuentra en el desplazamiento en sí el verdadero viaje. Sin embargo, las imágenes (fotografías, postales ...) resultado de este movimiento, suponen el anhelo de experiencias únicas e individuales que se convierten en la esencia misma del impulso del viaje: ese otro sitio en donde no estoy. Paola Ruiz nos presenta entonces un conjunto de obras que reflexionan sobre el viaje, sobre sus viajes. La calle puede ser observada a través del cristal de una ventana, de modo que sus ruidos nos llegan amortiguados, los movimientos se vuelven fantasmales y toda ella, pese a la transparencia del vidrio rígido y frío, aparezca como un ser latente del otro lado.La vinculación con el paisaje, la experiencia dada por los sucesivos cambios vividos. Todo ello dando pie a esta instalación escultórica que une los conceptos de espacio-tiempo. VOLVER A PONER. Una relación del dentro-afuera. Escultura construida a partir de billetes de transporte guardados durante largo periodo de tiempo, unidos entre sí dando formando un manto de recuerdos, de vivencias, que se adaptará perfectamente al lugar.Encontramos una parte de documentación gráfica y visual, podríamos decir casi un proceso antropológico de análisis de distintos lugares. Pequeñas esculturas formadas a través de imágenes, postales que nos dan otra visión de la realidad y video construido a partir de viajes realizados en distintos recorridos de trenes, grabados desde durante largo periodo de tiempo, dando forma a una pieza formada por 20 vídeos, dando lugar a un único video. http://www.arteeq.com/esp/evento/72/ http://www.arteeq.com/esp/evento/72/ Wed, 07 Jan 2009 23:00:00 GMT El, viaje, supone, un, desplazamiento, geográfico, más, o, menos, extenso, en, el, tiempo., El, resultado, es, una, experiencia,, una, vivencia, de, lo, exótico., Estas, circulaciones, (excursiones,, aventuras,, salidas, de, fin, de, semana,, mudanzas,, paseos,, merodeos,, peregrinaciones,, incursiones...), pueden, haber, sido, impulsadas, por, las, ofertas, de, las, agencias, de, viaje, y, low-cost,, planeadas, sin, destino, final,, surgidas, de, modo, espontáneo,, impuestas, por, necesidad, u, obligación,, organizadas, en, paquetes, de, viaje, en, diversos, itinerarios,, adquiridas, con, billete, de, ida, y, vuelta, o, de, un, único, trayecto..., Su, acumulación, en, la, memoria,, o, su, visión, en, las, estanterías, de, la, sección, de, guías, turísticas, de, las, librerías,, convierte, al, espacio, extraño, plural, en, un, todo, homogéneo.El, ir, y, venir, de, nuestros, viajes, se, materializa, en, el, gran, velo, de, billetes, de, tren, que, vemos, en, una, de, las, obras, de, esta, exposición, de, Paola, Ruiz. Expedido, por, la, propia, empresa, de, transporte,, el, billete, es, siempre, el, documento, que, nos, autentifica, como, viajeros, y, certifica, nuestro, desplazamiento., La, proyección, de, video, muestra, la, experiencia, común, de, todos, los, usuarios, del, tren:, el, paisaje, en, movimiento, desde, la, ventanilla,, que, es, el, entretenimiento, paralelo, al, libro, adquirido, en, la, estación, o, a, la, oferta, audiovisual, de, la, compañía, ferroviaria, durante, los, ratos, de, vigilia., Porque, el, desplazamiento, no, es, el, origen, ni, el, destino,, sino, un, tiempo, a, llenar, entre, ambos, puntos,, aunque, hay, quien, encuentra, en, el, desplazamiento, en, sí, el, verdadero, viaje., Sin, embargo,, las, imágenes, (fotografías,, postales, ...), resultado, de, este, movimiento,, suponen, el, anhelo, de, experiencias, únicas, e, individuales, que, se, convierten, en, la, esencia, misma, del, impulso, del, viaje:, ese, otro, sitio, en, donde, no, estoy., Paola, Ruiz, nos, presenta, entonces, un, conjunto, de, obras, que, reflexionan, sobre, el, viaje,, sobre, sus, viajes. La, calle, puede, ser, observada, a, través, del, cristal, de, una, ventana,, de, modo, que, sus, ruidos, nos, llegan, amortiguados,, los, movimientos, se, vuelven, fantasmales, y, toda, ella,, pese, a, la, transparencia, del, vidrio, rígido, y, frío,, aparezca, como, un, ser, latente, del, otro, lado.La, vinculación, con, el, paisaje,, la, experiencia, dada, por, los, sucesivos, cambios, vividos., Todo, ello, dando, pie, a, esta, instalación, escultórica, que, une, los, conceptos, de, espacio-tiempo., VOLVER, A, PONER., Una, relación, del, dentro-afuera., Escultura, construida, a, partir, de, billetes, de, transporte, guardados, durante, largo, periodo, de, tiempo,, unidos, entre, sí, dando, formando, un, manto, de, recuerdos,, de, vivencias,, que, se, adaptará, perfectamente, al, lugar.Encontramos, una, parte, de, documentación, gráfica, y, visual,, podríamos, decir, casi, un, proceso, antropológico, de, análisis, de, distintos, lugares., Pequeñas, esculturas, formadas, a, través, de, imágenes,, postales, que, nos, dan, otra, visión, de, la, realidad, y, video, construido, a, partir, de, viajes, realizados, en, distintos, recorridos, de, trenes,, grabados, desde, durante, largo, periodo, de, tiempo,, dando, forma, a, una, pieza, formada, por, 20, vídeos,, dando, lugar, a, un, único, video. Con el fin de recompensar la labor creadora de jóvenes artistas noveles, el Instituto de la Juventud auspicia de nuevo Creación Injuve 2008, una muestra que tendrá lugar en el CBA y que reunirá las obras seleccionadas en los Premios Injuve para la Creación Joven en las diferentes categorías: artes visuales, cómic e ilustración, diseño, composición de música contemporánea, textos teatrales Marqués de Bradomín, propuestas escénicas y narrativa y poesía. MUESTRA DE ARTE JOVEN 04.12.08 > 18.01.09 sala picasso Exposición de la obra de los jóvenes ganadores del Premio Injuve a la Creación en sus diferentes modalidades: cómic, ilustración y diseño. arteeq Creación Injuve 2008 Con el fin de recompensar la labor creadora de jóvenes artistas noveles, el Instituto de la Juventud auspicia de nuevo Creación Injuve 2008, una muestra que tendrá lugar en el CBA y que reunirá las obras seleccionadas en los Premios Injuve para la Creación Joven en las diferentes categorías: artes visuales, cómic e ilustración, diseño, composición de música contemporánea, textos teatrales Marqués de Bradomín, propuestas escénicas y narrativa y poesía. MUESTRA DE ARTE JOVEN 04.12.08 > 18.01.09 sala picasso Exposición de la obra de los jóvenes ganadores del Premio Injuve a la Creación en sus diferentes modalidades: cómic, ilustración y diseño. http://www.arteeq.com/esp/evento/71/ http://www.arteeq.com/esp/evento/71/ Wed, 03 Dec 2008 23:00:00 GMT Con, el, fin, de, recompensar, la, labor, creadora, de, jóvenes, artistas, noveles,, el, Instituto, de, la, Juventud, auspicia, de, nuevo, Creación, Injuve, 2008, una, muestra, que, tendrá, lugar, en, el, CBA, y, que, reunirá, las, obras seleccionadas, en, los, Premios, Injuve, para, la, Creación, Joven, en, las diferentes, categorías:, artes, visuales,, cómic, e, ilustración,, diseño, composición, de, música, contemporánea,, textos, teatrales, Marqués, de, Bradomín,, propuestas, escénicas, y, narrativa, y, poesía. MUESTRA, DE, ARTE, JOVEN 04.12.08, >, 18.01.09, sala, picasso Exposición, de, la, obra, de, los, jóvenes, ganadores, del, Premio Injuve, a, la, Creación, en, sus, diferentes, modalidades:, cómic, ilustración, y, diseño. A principios de los 90 un grupo de artistas norteamericanos provenientes de un entorno familiar humilde, sin estudios de arte ni diseño y con el DIY (do it yourself) como principio vital, formaron una de las generaciones más brillantes aparecidas en Estados Unidos en las últimas décadas. Se hicieron llamar Beautiful Losers y juntos iniciaron un estilo artístico que no era más que un reflejo de su propio estilo de vida. Influenciados por la subcultura juvenil del skate, graffiti y música independiente, promovieron una nueva forma de comunicarse basada en el uso variado de soportes urbanos pero siempre bajo un mismo léxico iconográfico, una misma estética común. Eran pintores y grafiteros, artistas multimedia y directores de videoclips, todos ellos creadores de imagen que han desarrollado un estilo personal y único, elevando estas manifestaciones callejeras a la categoría de arte. Entre estos están muchos de los artistas que participan en esta exposición: Barry McGee, Thomas Campbell, Cynthia Connolly, Evan Hecox, Jo Jackson, Chris Johanson, Harmony Korine, Geoff McFetridge, Ryan McGinley, Ryan McGinness, Terry Richardson, Clare E. Rojas, Ed Templeton, Romon Yang, Tobin Yelland, Glen E. Friedman, Ari Marcopoulos, Raymond Pettibon. Paralelamente a la exposición se proyectará por primera vez en España (viernes 14 de noviembre y viernes 26 de diciembre) la película documental Beautiful Losers (http://www.beautifullosers.com) dirigida por el cineasta Aaron Rose y Joshua Leonard. Además, todos los jueves y viernes desde el 14 de noviembre hasta el 26 de diciembre se proyectará un ciclo de películas que reflejan la contribución cinematográfica de este grupo de artistas. En la entreplanta de La Casa Encendida se ofrecerá una selección de trabajos en vídeo de algunos de los artistas participantes en la exposición. Paralelamente, la artista Cynthia Connolly impartirá el taller de fotografía Cómo sacar fotos bonitas de nada y del 21 al 30 de diciembre el patio de La Casa Encendida estará ocupado por un Skatepark Beautiful Losers, a disposición de todos los aficionados al skate. Lugar: espacios A, B y C arteeq "Beautiful Losers": Arte actual y cultura urbana A principios de los 90 un grupo de artistas norteamericanos provenientes de un entorno familiar humilde, sin estudios de arte ni diseño y con el DIY (do it yourself) como principio vital, formaron una de las generaciones más brillantes aparecidas en Estados Unidos en las últimas décadas. Se hicieron llamar Beautiful Losers y juntos iniciaron un estilo artístico que no era más que un reflejo de su propio estilo de vida. Influenciados por la subcultura juvenil del skate, graffiti y música independiente, promovieron una nueva forma de comunicarse basada en el uso variado de soportes urbanos pero siempre bajo un mismo léxico iconográfico, una misma estética común. Eran pintores y grafiteros, artistas multimedia y directores de videoclips, todos ellos creadores de imagen que han desarrollado un estilo personal y único, elevando estas manifestaciones callejeras a la categoría de arte. Entre estos están muchos de los artistas que participan en esta exposición: Barry McGee, Thomas Campbell, Cynthia Connolly, Evan Hecox, Jo Jackson, Chris Johanson, Harmony Korine, Geoff McFetridge, Ryan McGinley, Ryan McGinness, Terry Richardson, Clare E. Rojas, Ed Templeton, Romon Yang, Tobin Yelland, Glen E. Friedman, Ari Marcopoulos, Raymond Pettibon. Paralelamente a la exposición se proyectará por primera vez en España (viernes 14 de noviembre y viernes 26 de diciembre) la película documental Beautiful Losers (http://www.beautifullosers.com) dirigida por el cineasta Aaron Rose y Joshua Leonard. Además, todos los jueves y viernes desde el 14 de noviembre hasta el 26 de diciembre se proyectará un ciclo de películas que reflejan la contribución cinematográfica de este grupo de artistas. En la entreplanta de La Casa Encendida se ofrecerá una selección de trabajos en vídeo de algunos de los artistas participantes en la exposición. Paralelamente, la artista Cynthia Connolly impartirá el taller de fotografía Cómo sacar fotos bonitas de nada y del 21 al 30 de diciembre el patio de La Casa Encendida estará ocupado por un Skatepark Beautiful Losers, a disposición de todos los aficionados al skate. Lugar: espacios A, B y C http://www.arteeq.com/esp/evento/70/ http://www.arteeq.com/esp/evento/70/ Wed, 12 Nov 2008 23:00:00 GMT A, principios, de, los, 90, un, grupo, de, artistas, norteamericanos provenientes, de, un, entorno, familiar, humilde,, sin, estudios, de, arte, ni diseño, y, con, el, DIY, (do, it, yourself), como, principio vital,, formaron, una, de, las, generaciones, más, brillantes, aparecidas, en Estados, Unidos, en, las, últimas, décadas., Se, hicieron, llamar, Beautiful Losers, y, juntos, iniciaron, un, estilo, artístico, que, no, era, más, que, un reflejo, de, su, propio, estilo, de, vida., Influenciados, por, la, subcultura juvenil, del, skate,, graffiti, y, música, independiente,, promovieron, una nueva, forma, de, comunicarse, basada, en, el, uso, variado, de, soportes, urbanos pero, siempre, bajo, un, mismo, léxico, iconográfico,, una, misma, estética común., Eran, pintores, y, grafiteros,, artistas, multimedia, y, directores, de videoclips,, todos, ellos, creadores, de, imagen, que, han, desarrollado, un estilo, personal, y, único,, elevando, estas, manifestaciones, callejeras, a, la categoría, de, arte. Entre, estos, están, muchos, de, los, artistas, que, participan, en, esta, exposición:, Barry McGee,, Thomas, Campbell,, Cynthia, Connolly,, Evan, Hecox,, Jo, Jackson,, Chris Johanson,, Harmony, Korine,, Geoff, McFetridge,, Ryan, McGinley,, Ryan McGinness,, Terry, Richardson,, Clare, E., Rojas,, Ed, Templeton,, Romon, Yang, Tobin, Yelland,, Glen, E., Friedman,, Ari, Marcopoulos,, Raymond, Pettibon. Paralelamente, a, la, exposición, se, proyectará, por, primera, vez, en España, (viernes, 14, de, noviembre, y, viernes, 26, de, diciembre), la, película, documental, Beautiful, Losers, (http://www.beautifullosers.com), dirigida, por, el, cineasta, Aaron, Rose, y, Joshua, Leonard., Además,, todos, los, jueves, y, viernes, desde, el, 14, de, noviembre, hasta, el, 26, de, diciembre, se, proyectará, un, ciclo, de, películas que, reflejan, la, contribución, cinematográfica, de, este, grupo, de, artistas. En, la, entreplanta, de, La, Casa, Encendida, se, ofrecerá, una, selección, de trabajos, en, vídeo, de, algunos, de, los, artistas, participantes, en, la exposición., Paralelamente,, la, artista, Cynthia, Connolly, impartirá, el, taller, de, fotografía, Cómo, sacar, fotos, bonitas, de, nada, y, del, 21, al, 30, de, diciembre, el, patio, de, La, Casa, Encendida, estará, ocupado, por, un, Skatepark, Beautiful, Losers,, a, disposición, de, todos, los, aficionados, al, skate. Lugar:, espacios, A,, B, y, C La exposición presenta tres series de grabados realizados por Henry Moore, considerado el escultor británico más importante del siglo XX: Meditations on the Effigy, Elephant Skull y La poésie. Moore explora en ellos sus temas preferidos: el desnudo femenino reclinado, las figuras de madre e hijo y los estudios de animales y otros seres vivos. Moore había tratado esos temas en su obra escultórica, pero en la segunda parte de su larga vida lo hizo también y cada vez más en dibujos y en el grabado, el género menos conocido de su trabajo artístico. En esta exposición se muestran 12 litografías y 2 aguafuertes, en color y en blanco y negro, de la serie Meditations on the Effigy, publicada por la Marlborough Gallery de Londres con motivo del 70º aniversario del artista en 1968. Además, se presentan los 28 grabados al aguafuerte en blanco y negro, editados en 1970 por Gerald Cramer bajo el título Elephant Skull, y que se inspiran en el cráneo monumental de un elefante africano que le regalaron en 1966 el biólogo Sir Julian y Lady Juliet Huxley. El cráneo fascinó a Moore, y a partir de él creó esta serie de aguafuertes. La serie titulada La poésie, editada en 1976 por la Asociación de Bibliófilos Art et Poésie en París, se compone de 8 litografías en color realizadas por Henry Moore en los Curwen Studios de Londres. El álbum le había sido encargado inicialmente para ilustrar los poemas de un grupo de poetas franceses elegidos por el entonces presidente francés, Georges Pompidou, pero como no recibió los textos hasta más tarde, Moore eligió los motivos libremente, recurriendo a sus temas preferidos: figuras de pie y reclinadas, retratos femeninos, ideas para esculturas, formas de piedra, etc. En esta serie Moore empleó la técnica llamada litografía de diazo, desarrollada por él junto con Stanley Jones, que consiste en dibujar el motivo con tinta negra sobre una película y transferirlo luego sobre la piedra litográfica mediante luz ultravioleta. El mismo motivo se puede repetir sobre varias piedras con intensidades y tonalidad diferentes, según el tiempo de exposición a la luz ultravioleta.   Henry Moore (Castleford, Yorkshire, Gran Bretaña 1898 Perry Green, Hertfordshire, Gran Bretaña, 1986). Hijo de un ingeniero de minas, en 1916 se ganaba la vida dando clases en la escuela elemental a la que había asistido de niño. En la Primera Guerra Mundial, en la que resultó herido, sirvió en el regimiento de Fusileros del Servicio Civil. En 1919 asistió a las clases de la Leeds School of Art, gracias a su pensión de excombatiente. Dos años después ganó una beca para estudiar en Londres, en el prestigioso Royal College of Art, donde fue profesor hasta 1931, año en el que se trasladó a la Chelsea School of Art, de cuyo departamento de Escultura fue director. En la década de los años veinte estudió las esculturas de otras culturas en el British Museum de Londres. También viajó a otras ciudades europeas, ampliando su formación. En 1926 celebró su primera exposición individual y en 1930 participó en la Bienal de Venecia. Tras suscitar duras reacciones de la crítica, que consideraba que sus esculturas distorsionaban las proporciones de la figura humana, en 1948 obtuvo el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia de ese año, galardón con el que Moore fue reconocido internacionalmente. Sus esculturas de bronce y mármol tallado de gran formato contribuyeron a introducir una particular forma de modernismo en su país. Fallecido en 1986, Henry Moore es considerado el escultor británico más importante del siglo XX, y uno de los más relevantes de esa centuria. arteeq HENRY MOORE. OBRA GRÁFICA La exposición presenta tres series de grabados realizados por Henry Moore, considerado el escultor británico más importante del siglo XX: Meditations on the Effigy, Elephant Skull y La poésie. Moore explora en ellos sus temas preferidos: el desnudo femenino reclinado, las figuras de madre e hijo y los estudios de animales y otros seres vivos. Moore había tratado esos temas en su obra escultórica, pero en la segunda parte de su larga vida lo hizo también y cada vez más en dibujos y en el grabado, el género menos conocido de su trabajo artístico. En esta exposición se muestran 12 litografías y 2 aguafuertes, en color y en blanco y negro, de la serie Meditations on the Effigy, publicada por la Marlborough Gallery de Londres con motivo del 70º aniversario del artista en 1968. Además, se presentan los 28 grabados al aguafuerte en blanco y negro, editados en 1970 por Gerald Cramer bajo el título Elephant Skull, y que se inspiran en el cráneo monumental de un elefante africano que le regalaron en 1966 el biólogo Sir Julian y Lady Juliet Huxley. El cráneo fascinó a Moore, y a partir de él creó esta serie de aguafuertes. La serie titulada La poésie, editada en 1976 por la Asociación de Bibliófilos Art et Poésie en París, se compone de 8 litografías en color realizadas por Henry Moore en los Curwen Studios de Londres. El álbum le había sido encargado inicialmente para ilustrar los poemas de un grupo de poetas franceses elegidos por el entonces presidente francés, Georges Pompidou, pero como no recibió los textos hasta más tarde, Moore eligió los motivos libremente, recurriendo a sus temas preferidos: figuras de pie y reclinadas, retratos femeninos, ideas para esculturas, formas de piedra, etc. En esta serie Moore empleó la técnica llamada litografía de diazo, desarrollada por él junto con Stanley Jones, que consiste en dibujar el motivo con tinta negra sobre una película y transferirlo luego sobre la piedra litográfica mediante luz ultravioleta. El mismo motivo se puede repetir sobre varias piedras con intensidades y tonalidad diferentes, según el tiempo de exposición a la luz ultravioleta.   Henry Moore (Castleford, Yorkshire, Gran Bretaña 1898 Perry Green, Hertfordshire, Gran Bretaña, 1986). Hijo de un ingeniero de minas, en 1916 se ganaba la vida dando clases en la escuela elemental a la que había asistido de niño. En la Primera Guerra Mundial, en la que resultó herido, sirvió en el regimiento de Fusileros del Servicio Civil. En 1919 asistió a las clases de la Leeds School of Art, gracias a su pensión de excombatiente. Dos años después ganó una beca para estudiar en Londres, en el prestigioso Royal College of Art, donde fue profesor hasta 1931, año en el que se trasladó a la Chelsea School of Art, de cuyo departamento de Escultura fue director. En la década de los años veinte estudió las esculturas de otras culturas en el British Museum de Londres. También viajó a otras ciudades europeas, ampliando su formación. En 1926 celebró su primera exposición individual y en 1930 participó en la Bienal de Venecia. Tras suscitar duras reacciones de la crítica, que consideraba que sus esculturas distorsionaban las proporciones de la figura humana, en 1948 obtuvo el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia de ese año, galardón con el que Moore fue reconocido internacionalmente. Sus esculturas de bronce y mármol tallado de gran formato contribuyeron a introducir una particular forma de modernismo en su país. Fallecido en 1986, Henry Moore es considerado el escultor británico más importante del siglo XX, y uno de los más relevantes de esa centuria. http://www.arteeq.com/esp/evento/68/ http://www.arteeq.com/esp/evento/68/ Sun, 09 Nov 2008 23:00:00 GMT La, exposición, presenta, tres, series, de, grabados, realizados, por, Henry Moore,, considerado, el, escultor, británico, más, importante, del, siglo, XX:, Meditations, on, the, Effigy,, Elephant, , Skull, y, La, poésie. Moore, explora, en, ellos, sus, temas, preferidos:, el, desnudo, femenino reclinado,, las, figuras, de, madre, e, hijo, y, los, estudios, de, animales, y otros, seres, vivos., Moore, había, tratado, esos, temas, en, su, obra escultórica,, pero, en, la, segunda, parte, de, su, larga, vida, lo, hizo, también y, cada, vez, más, en, dibujos, y, en, el, grabado,, el, género, menos, conocido, de su, trabajo, artístico., En, , esta, exposición, se, muestran, 12, litografías, y, 2, aguafuertes,, en, color, y, en, , blanco, y, negro,, de, la, serie, Meditations, , on, the, Effigy, publicada, por, la, Marlborough, Gallery, de, Londres, con, motivo, del, 70º aniversario, del, artista, en, 1968., Además,, se, presentan, los, 28, grabados al, aguafuerte, en, blanco, y, negro,, editados, en, 1970, por, Gerald, Cramer bajo, el, título, Elephant, Skull,, y, que, se, inspiran, en, el, cráneo monumental, de, un, elefante, africano, que, le, regalaron, en, 1966, el, biólogo Sir, Julian, y, Lady, Juliet, Huxley., El, cráneo, fascinó, a, Moore,, y, a, partir de, él, creó, esta, serie, de, aguafuertes. La, serie, titulada, La, poésie, editada, en, 1976, por, la, Asociación, de, Bibliófilos, Art, et, Poésie, en París,, se, compone, de, 8, litografías, en, color, realizadas, por, Henry, Moore en, los, Curwen, Studios, de, Londres., El, álbum, le, había, sido, encargado inicialmente, para, ilustrar, los, poemas, de, un, grupo, de, poetas, franceses elegidos, por, el, entonces, presidente, francés,, Georges, Pompidou,, pero como, no, recibió, los, textos, hasta, más, tarde,, Moore, eligió, los, motivos libremente,, recurriendo, a, sus, temas, preferidos:, figuras, de, pie, y reclinadas,, retratos, femeninos,, ideas, para, esculturas,, formas, de piedra,, etc., En, esta, serie, Moore, empleó, la, técnica, llamada, litografía de, diazo,, desarrollada, por, él, junto, con, Stanley, Jones,, que, consiste, en dibujar, el, motivo, con, tinta, negra, sobre, una, película, y, transferirlo luego, sobre, la, piedra, litográfica, mediante, luz, ultravioleta., El, mismo motivo, se, puede, repetir, sobre, varias, piedras, con, intensidades, y tonalidad, diferentes,, según, el, tiempo, de, exposición, a, la, luz ultravioleta.   Henry, , Moore , (Castleford, Yorkshire,, Gran, Bretaña, 1898, , Perry, Green,, Hertfordshire,, Gran Bretaña,, 1986)., Hijo, de, un, ingeniero, de, minas,, en, 1916, se, ganaba, la, vida, dando, clases, en, la, escuela, elemental, a, la, que, había, asistido, , de, niño., En, la, Primera, Guerra, , Mundial,, en, la, que, resultó, herido,, sirvió, en, el, regimiento, de, , Fusileros, del, Servicio, Civil., En, 1919 asistió, a, las, clases, de, la, Leeds, School, of, Art,, gracias, a, su, pensión, de excombatiente., Dos, años, después, ganó, una, beca, para, estudiar, en, Londres, en, el, prestigioso, Royal, College, of, Art,, donde, fue, profesor, hasta, 1931, año, en, el, que, se, trasladó, a, la, Chelsea, School, of, Art,, de, cuyo departamento, de, Escultura, fue, director., En, la, década, de, los, años, veinte estudió, las, esculturas, de, otras, culturas, en, el, British, Museum, de Londres., También, viajó, a, otras, ciudades, europeas,, ampliando, su formación., En, 1926 celebró, su, primera, exposición, individual, y, en, 1930, participó, en, la Bienal, de, Venecia., Tras, suscitar, duras, reacciones, de, la, crítica,, que consideraba, que, sus, esculturas, distorsionaban, las, proporciones, de, la figura, humana,, en, 1948, obtuvo, el, Premio, Internacional, de, Escultura, en la, Bienal, de, Venecia, de, ese, año,, galardón, con, el, que, Moore, fue reconocido, internacionalmente. , Sus, esculturas, de, bronce, y, mármol tallado, de, gran, formato, contribuyeron, a, introducir, una, particular, forma de, modernismo, en, su, país., Fallecido, en, 1986,, Henry, Moore, es, considerado el, escultor, británico, más, importante, del, siglo, XX,, y, uno, de, los, más relevantes, de, esa, centuria. Es una colectiva fotográfica en la que se dan cita 60 grandes maestros de la fotografía, y un centenar de obras emblemáticas, que muestran la belleza y complejidad de la mujer del siglo XX. Artistas como Rodchenko, Man Ray o Horst P. Horst encontraron la inspiración tanto en estrellas de cine como en perfectas desconocidas. Los grandes fotógrafos de moda (Munkacsi, Irving Penn, William Klein, Cecil Beaton, Lillian Bassman, Marcus Leatherdale o Gundlach) y los expertos notarios de la realidad del siglo XX (Boubat, Elliot Erwitt, Inge Morath, Bill Brandt o Robert Doisneau) componen un retrato plural en el que conviven sofisticación y naturalidad, inocencia y provocación, éxito y resignación; sueños y ambiciones. Además de presentar un formidable recorrido estético por la historia de la fotografía del siglo pasado, La exposición se adentra en el inefable universo femenino a través de la belleza singular de cada rostro. Imagen: Portrait 1983 © Marcus Leatherdale. Cortesía M. Leatherdale Foundation. arteeq MUJERES EN PLURAL Es una colectiva fotográfica en la que se dan cita 60 grandes maestros de la fotografía, y un centenar de obras emblemáticas, que muestran la belleza y complejidad de la mujer del siglo XX. Artistas como Rodchenko, Man Ray o Horst P. Horst encontraron la inspiración tanto en estrellas de cine como en perfectas desconocidas. Los grandes fotógrafos de moda (Munkacsi, Irving Penn, William Klein, Cecil Beaton, Lillian Bassman, Marcus Leatherdale o Gundlach) y los expertos notarios de la realidad del siglo XX (Boubat, Elliot Erwitt, Inge Morath, Bill Brandt o Robert Doisneau) componen un retrato plural en el que conviven sofisticación y naturalidad, inocencia y provocación, éxito y resignación; sueños y ambiciones. Además de presentar un formidable recorrido estético por la historia de la fotografía del siglo pasado, La exposición se adentra en el inefable universo femenino a través de la belleza singular de cada rostro. Imagen: Portrait 1983 © Marcus Leatherdale. Cortesía M. Leatherdale Foundation. http://www.arteeq.com/esp/evento/66/ http://www.arteeq.com/esp/evento/66/ Tue, 21 Oct 2008 22:00:00 GMT Es, una, colectiva, fotográfica, en, la, que, se, dan, cita, 60, grandes, maestros, de, la, fotografía,, y, un, centenar, de, obras, emblemáticas,, que, muestran, la, belleza, y, complejidad, de, la, mujer, del, siglo, XX., Artistas, como, Rodchenko,, Man, Ray, o, Horst, P., Horst, encontraron, la, inspiración, tanto, en, estrellas, de, cine, como, en, perfectas, desconocidas., Los, grandes, fotógrafos, de, moda, (Munkacsi,, Irving, Penn,, William, Klein,, Cecil, Beaton,, Lillian, Bassman,, Marcus, Leatherdale, o, Gundlach), y, los, expertos, notarios, de, la, realidad, del, siglo, XX, (Boubat,, Elliot, Erwitt,, Inge, Morath,, Bill, Brandt, o, Robert, Doisneau), componen, un, retrato, plural, en, el, que, conviven, sofisticación, y, naturalidad,, inocencia, y, , provocación,, éxito, y, resignación;, sueños, y, ambiciones., , Además, de, presentar, un, formidable, recorrido, estético, por, la, historia, de, la, fotografía, del, siglo, pasado,, La, exposición, se, adentra, en, el, inefable, universo, femenino, a, través, de, la, belleza, singular, de, cada, rostro. Imagen:, Portrait, 1983, ©, Marcus, Leatherdale., Cortesía, M., Leatherdale, Foundation. India es un país plural, inmenso, de multitudes. Un país que no entra en una metáfora por la riqueza inabarcable de sus diferentes tradiciones y por la yuxtaposición de diversos niveles de realidad. Tradiciones ancestrales conviven con la complejidad del reto de la contemporaneidad. Y la escena artística de la India es también, como un reflejo, necesariamente amplia y rica. Reflejos de la India contemporánea muestra el trabajo de cuatro artistas originarios de diferentes partes del país y que dirigen su atención hacia lo más profundo de la realidad que les rodea. Sus obras marcan el punto de encuentro entre los lenguajes contemporáneos del arte y la mirada introspectiva, en la tensión con que las tradiciones religiosas y culturales conviven con la modernidad. A través del itinerario de estos cuatro autores se construye un evocativo collage de la compleja experiencia vital del la sociedad india. La selección es fruto del trabajo de campo que Luisa Ortinez, comisaria de la exposición, ha realizado durante más de dos años en la India, visitando a los artistas en sus estudios, conociendo la realidad que los construye e investigando la escena artística de ese país. La mirada de Sheela Gowda (Bhadravati, 1957), Amar Kanwar (Delhi, 1964), N S Harsha (Mysore, 1969), Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), nos acerca desde diferentes campos disciplinarios instalación, video, pintura y fotografía- a cuestiones importantes presentes hoy en la sociedad India como son las fricciones provocadas por la rápida transformación de las áreas urbanas y rurales -originada por el acelerado crecimiento económico- o los choques y contrastes entre tradición y modernidad. Hay también otros conflictos que afloran en sus trabajos, comunes al mundo de hoy, como son la violencia, la identidad cultural, la emigración, los problemas de género o la globalización. Es la oportunidad para el espectador europeo de ver el mundo desde la perspectiva de una sociedad lejana en su distancia pero llamada a ser cada vez más protagonista del contradictorio siglo que inauguramos. Una sociedad que ya camina por las calles de muchas de nuestras ciudades. La obra de estos artistas expresan la complejidad de su escena cultural y política al tiempo que da una visión que huye de los estereotipos estéticos que se construyen de este país milenario. La muestra se complementa con cuatro videos realizados en la India entre 2006 y 2008 por Luisa Ortinez sobre cada uno de los artistas participantes. Los videos, a modo de documental, nos acercan de una manera privilegiada a sus formas de trabajar a través del hilo conductor de las conversaciones con los autores al tiempo que nos descubren los diferentes contextos y paisajes humanos del que son originarios. Paralelamente se proyectará en el auditorio de La Casa Encendida en días señalados una programación del videoarte que se esta haciendo en estos momentos en la India, con sesiones monográficas sobre temas y autores. Del 21 de Octubre 2008 al 4 de Enero de 2009. Espacios D y E. La exposición se acompañará de un ciclo de cine y un ciclo de conciertos. arteeq Reflejos de la India contemporánea India es un país plural, inmenso, de multitudes. Un país que no entra en una metáfora por la riqueza inabarcable de sus diferentes tradiciones y por la yuxtaposición de diversos niveles de realidad. Tradiciones ancestrales conviven con la complejidad del reto de la contemporaneidad. Y la escena artística de la India es también, como un reflejo, necesariamente amplia y rica. Reflejos de la India contemporánea muestra el trabajo de cuatro artistas originarios de diferentes partes del país y que dirigen su atención hacia lo más profundo de la realidad que les rodea. Sus obras marcan el punto de encuentro entre los lenguajes contemporáneos del arte y la mirada introspectiva, en la tensión con que las tradiciones religiosas y culturales conviven con la modernidad. A través del itinerario de estos cuatro autores se construye un evocativo collage de la compleja experiencia vital del la sociedad india. La selección es fruto del trabajo de campo que Luisa Ortinez, comisaria de la exposición, ha realizado durante más de dos años en la India, visitando a los artistas en sus estudios, conociendo la realidad que los construye e investigando la escena artística de ese país. La mirada de Sheela Gowda (Bhadravati, 1957), Amar Kanwar (Delhi, 1964), N S Harsha (Mysore, 1969), Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), nos acerca desde diferentes campos disciplinarios instalación, video, pintura y fotografía- a cuestiones importantes presentes hoy en la sociedad India como son las fricciones provocadas por la rápida transformación de las áreas urbanas y rurales -originada por el acelerado crecimiento económico- o los choques y contrastes entre tradición y modernidad. Hay también otros conflictos que afloran en sus trabajos, comunes al mundo de hoy, como son la violencia, la identidad cultural, la emigración, los problemas de género o la globalización. Es la oportunidad para el espectador europeo de ver el mundo desde la perspectiva de una sociedad lejana en su distancia pero llamada a ser cada vez más protagonista del contradictorio siglo que inauguramos. Una sociedad que ya camina por las calles de muchas de nuestras ciudades. La obra de estos artistas expresan la complejidad de su escena cultural y política al tiempo que da una visión que huye de los estereotipos estéticos que se construyen de este país milenario. La muestra se complementa con cuatro videos realizados en la India entre 2006 y 2008 por Luisa Ortinez sobre cada uno de los artistas participantes. Los videos, a modo de documental, nos acercan de una manera privilegiada a sus formas de trabajar a través del hilo conductor de las conversaciones con los autores al tiempo que nos descubren los diferentes contextos y paisajes humanos del que son originarios. Paralelamente se proyectará en el auditorio de La Casa Encendida en días señalados una programación del videoarte que se esta haciendo en estos momentos en la India, con sesiones monográficas sobre temas y autores. Del 21 de Octubre 2008 al 4 de Enero de 2009. Espacios D y E. La exposición se acompañará de un ciclo de cine y un ciclo de conciertos. http://www.arteeq.com/esp/evento/67/ http://www.arteeq.com/esp/evento/67/ Mon, 20 Oct 2008 22:00:00 GMT India, es, un, país, plural,, inmenso,, de, multitudes., Un, país, que, no entra, en, una, metáfora, por, la, riqueza, inabarcable, de, sus, diferentes tradiciones, y, por, la, yuxtaposición, de, diversos, niveles, de, realidad. Tradiciones, ancestrales, conviven, con, la, complejidad, del, reto, de, la contemporaneidad., Y, la, escena, artística, de, la, India, es, también,, como, un reflejo,, necesariamente, amplia, y, rica. Reflejos, de, la, India, contemporánea, muestra, el trabajo, de, cuatro, artistas, originarios, de, diferentes, partes, del, país, y que, dirigen, su, atención, hacia, lo, más, profundo, de, la, realidad, que, les rodea., Sus, obras, marcan, el, punto, de, encuentro, entre, los, lenguajes contemporáneos, del, arte, y, la, mirada, introspectiva,, en, la, tensión, con que, las, tradiciones, religiosas, y, culturales, conviven, con, la, modernidad. A, través, del, itinerario, de, estos, cuatro, autores, se, construye, un evocativo, collage, de, la, compleja, experiencia, vital, del, la, sociedad india., La, selección, es, fruto, del, trabajo, de, campo, que, Luisa, Ortinez, comisaria, de, la, exposición,, ha, realizado, durante, más, de, dos, años, en, la India,, visitando, a, los, artistas, en, sus, estudios,, conociendo, la, realidad que, los, construye, e, investigando, la, escena, artística, de, ese, país. La, mirada, de, Sheela, Gowda, (Bhadravati,, 1957),, Amar, Kanwar, (Delhi,, 1964),, N, S, Harsha, (Mysore,, 1969),, Anup, Mathew, Thomas (Kochi,, 1977),, nos, acerca, desde, diferentes, campos, disciplinarios instalación,, video,, pintura, y, fotografía-, a, cuestiones, importantes presentes, hoy, en, la, sociedad, India, como, son, las, fricciones, provocadas por, la, rápida, transformación, de, las, áreas, urbanas, y, rurales, -originada por, el, acelerado, crecimiento, económico-, o, los, choques, y, contrastes entre, tradición, y, modernidad., Hay, también, otros, conflictos, que, afloran en, sus, trabajos,, comunes, al, mundo, de, hoy,, como, son, la, violencia,, la identidad, cultural,, la, emigración,, los, problemas, de, género, o, la globalización., Es, la, oportunidad, para, el, espectador, europeo, de, ver, el mundo, desde, la, perspectiva, de, una, sociedad, lejana, en, su, distancia, pero llamada, a, ser, cada, vez, más, protagonista, del, contradictorio, siglo, que inauguramos., Una, sociedad, que, ya, camina, por, las, calles, de, muchas, de nuestras, ciudades., La, obra, de, estos, artistas, expresan, la, complejidad, de su, escena, cultural, y, política, al, tiempo, que, da, una, visión, que, huye, de los, estereotipos, estéticos, que, se, construyen, de, este, país, milenario. La, muestra, se, complementa, con, cuatro, videos, realizados, en, la, India, entre, 2006, y, 2008, por, Luisa, Ortinez sobre, cada, uno, de, los, artistas, participantes., Los, videos,, a, modo, de documental,, nos, acercan, de, una, manera, privilegiada, a, sus, formas, de trabajar, a, través, del, hilo, conductor, de, las, conversaciones, con, los autores, al, tiempo, que, nos, descubren, los, diferentes, contextos, y, paisajes humanos, del, que, son, originarios. Paralelamente, se, proyectará, en, el, auditorio, de, La, Casa, Encendida, en, días, señalados, una, programación, del, videoarte, que, se, esta, haciendo, en, estos, momentos, en, la, India,, con, sesiones, monográficas, sobre, temas, y, autores. Del, 21, de, Octubre, 2008, al, 4, de, Enero, de, 2009. Espacios, D, y, E. La, exposición, se, acompañará, de, un, ciclo, de, cine, y, un, ciclo, de, conciertos. ¿Podemos imaginar un lugar en el que el sueño de una de las utopías de la Modernidad se haya hecho realidad? ¿Y uno sin diferencias entre alta cultura y cultura de masas? ¿Podemos imaginar a artistas contemporáneos trabajando en un mundo en el que, oficialmente, no existen ni el mercado de arte, ni galerías, ni crítica, ni coleccionismo, ni publicaciones ni instituciones más allá de las oficiales? ¿Y uno en el que ni siquiera exista el público? Sí. Durante gran parte del siglo XX, esa fue exactamente la realidad vigente en la Unión Soviética, desde al menos 1922 hasta su disolución en 1991. Y, reflexionando sobre ella, crearon los artistas conceptuales de Moscú, durante las décadas de los 60 a los 90, su característica obra, trabajando en los márgenes de una sociedad y un contexto cultural definido exactamente por esas carencias. La Ilustración total. Arte conceptual de Moscú, 1960-1990, concebida y coorganizada por la Fundación Juan March y la Schirn Kunsthalle Frankfurt donde la exposición está expuesta entre el 21 de junio y el 14 de septiembre de 2008 bajo el comisariado del mejor especialista sobre el tema, Borís Groys, ofrece, por primera vez, una presentación sistemática de todos esos artistas. Borís Mijáilov Sin título, 197080 De la serie Luriki. Cortesía del artista La exposición mostrará unas 150 obras de los más diversos géneros pintura, dibujo, escultura, fotografía, instalación de 25 artistas, entre otros, de Iliá Kabakov, Érik Bulátov, Borís Mijáilov, Dmitri Prígov, Komar & Melamid, Iuri Albert, Andrei Monastyrski o de grupos como Acciones Colectivas o Hermenéutica Médica. Por medio de estas obras y un montaje provocativo, la muestra reconstruye la escena artística no oficial de la época, documentando la aguda reflexión sobre la totalizante ideología soviética por parte de una serie de artistas cuyas obras permiten una perspectiva sobre un programa artístico-político cuyo material quiso ser el mundo en su totalidad; su tiempo, toda la historia; y su producto, el sistema soviético. arteeq La Ilustración total. Arte conceptual de Moscú, 1960-1990 ¿Podemos imaginar un lugar en el que el sueño de una de las utopías de la Modernidad se haya hecho realidad? ¿Y uno sin diferencias entre alta cultura y cultura de masas? ¿Podemos imaginar a artistas contemporáneos trabajando en un mundo en el que, oficialmente, no existen ni el mercado de arte, ni galerías, ni crítica, ni coleccionismo, ni publicaciones ni instituciones más allá de las oficiales? ¿Y uno en el que ni siquiera exista el público? Sí. Durante gran parte del siglo XX, esa fue exactamente la realidad vigente en la Unión Soviética, desde al menos 1922 hasta su disolución en 1991. Y, reflexionando sobre ella, crearon los artistas conceptuales de Moscú, durante las décadas de los 60 a los 90, su característica obra, trabajando en los márgenes de una sociedad y un contexto cultural definido exactamente por esas carencias. La Ilustración total. Arte conceptual de Moscú, 1960-1990, concebida y coorganizada por la Fundación Juan March y la Schirn Kunsthalle Frankfurt donde la exposición está expuesta entre el 21 de junio y el 14 de septiembre de 2008 bajo el comisariado del mejor especialista sobre el tema, Borís Groys, ofrece, por primera vez, una presentación sistemática de todos esos artistas. Borís Mijáilov Sin título, 197080 De la serie Luriki. Cortesía del artista La exposición mostrará unas 150 obras de los más diversos géneros pintura, dibujo, escultura, fotografía, instalación de 25 artistas, entre otros, de Iliá Kabakov, Érik Bulátov, Borís Mijáilov, Dmitri Prígov, Komar & Melamid, Iuri Albert, Andrei Monastyrski o de grupos como Acciones Colectivas o Hermenéutica Médica. Por medio de estas obras y un montaje provocativo, la muestra reconstruye la escena artística no oficial de la época, documentando la aguda reflexión sobre la totalizante ideología soviética por parte de una serie de artistas cuyas obras permiten una perspectiva sobre un programa artístico-político cuyo material quiso ser el mundo en su totalidad; su tiempo, toda la historia; y su producto, el sistema soviético. http://www.arteeq.com/esp/evento/64/ http://www.arteeq.com/esp/evento/64/ Fri, 10 Oct 2008 22:00:00 GMT ¿Podemos, imaginar, un, lugar, en, el, que, el, sueño, de, una, de, las, utopías, de la, Modernidad, se, haya, hecho, realidad?, ¿Y, uno, sin, diferencias, entre, alta cultura, y, cultura, de, masas?, ¿Podemos, imaginar, a, artistas, contemporáneos trabajando, en, un, mundo, en, el, que,, oficialmente,, no, existen, ni el, mercado, de, arte,, ni, galerías,, ni, crítica,, ni, coleccionismo,, ni publicaciones, ni, instituciones, más, allá, de, las, oficiales?, ¿Y, uno, en, el que, ni, siquiera, exista, el, público?, Sí., Durante, gran, parte, del, siglo, XX, esa, fue, exactamente, la, realidad, vigente, en, la, Unión, Soviética,, desde, al menos, 1922, hasta, su, disolución, en, 1991., Y,, reflexionando, sobre, ella, crearon, los, artistas, conceptuales, de, Moscú,, durante, las, décadas, de, los 60, a, los, 90,, su, característica, obra,, trabajando, en, los, márgenes, de, una sociedad, y, un, contexto, cultural, definido, exactamente, por, esas carencias., La, , Ilustración, total., Arte, conceptual, de, Moscú,, 1960-1990, concebida, y, coorganizada, por, la, Fundación, Juan, March, y, la, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, donde, la, exposición, está, expuesta, entre, el, 21, de junio, y, el, 14, de, septiembre, de, 2008, bajo, el, comisariado, del, mejor especialista, sobre, el, tema,, Borís, Groys,, ofrece,, por, primera, vez,, una presentación, sistemática, de, todos, esos, artistas. Borís, , Mijáilov Sin, , título,, 197080 De, , la, serie, Luriki. Cortesía, del, artista La exposición, mostrará, unas, 150, obras, de, los, más, diversos, géneros pintura,, dibujo,, escultura,, fotografía,, instalación, de, 25, artistas, entre, otros,, de, Iliá, Kabakov,, Érik, Bulátov,, Borís, Mijáilov,, Dmitri Prígov,, Komar, &, Melamid,, Iuri, Albert,, Andrei, Monastyrski, o, de grupos, como, Acciones, Colectivas, o, Hermenéutica, Médica., Por, medio, de estas, obras, y, un, montaje, provocativo,, la, muestra, reconstruye, la, escena artística, no, oficial, de, la, época,, documentando, la, aguda, reflexión sobre, la, totalizante, ideología, soviética, por, parte, de, una, serie, de artistas, cuyas, obras, permiten, una, perspectiva, sobre, un, programa artístico-político, cuyo, material, quiso, ser, el, mundo, en, su, totalidad;, su tiempo,, toda, la, historia;, y, su, producto,, el, sistema, soviético. Centro para la creación contemporánea. Multidiciplinar arteeq Matadero Madrid Centro para la creación contemporánea. Multidiciplinar http://www.arteeq.com/esp/evento/25/ http://www.arteeq.com/esp/evento/25/ Thu, 13 Mar 2008 23:00:00 GMT Centro, para, la, creación, contemporánea., Multidiciplinar